Latest Entries »

DJ-Presha-Press-Pic-1-750x499

Presha – никто иной, как владелец одного из самых интересных лейблов в мире современной электронной музыки вместе с его подразделениями – Samurai Music. Мы говорим серьезно, ребята, здесь выходили и продолжают выходить релизы от выдающихся музыкантов, среди которых Pact Infernal, Lucy, Ancestral Voices, The Untouchables, Homemade Weapons и Clarity. У самого Presha есть множество интересных историй, которые он поведает нам, в том числе и о самом начале своей деятельности, о том, как создавался лейбл и появлялись подразделения. Помимо этого из нашего интервью с ним мы узнаем о его собственном взгляде на положение дел в мире электронной музыки и на экспериментальной сцене. О том, как происходит возвращение к виниловому формату и каково же основное кредо у Samurai Music. Итак, приступим….

Привет, Presha! Прежде всего, спасибо за то, что нашел время для интервью! Ну, а теперь, представь свой лейбл Samurai Horo и расскажи, откуда возникла необходимость создания подразделений у SMG?

5 лет назад я переехал в Берлин из Новой Зеландии и почувствовал, насколько сильно мне нравится находиться здесь и быть частью этой виниловой культуры. Я покупал множество разных пластинок и по-настоящему высоко ценил весь тот вклад в них, который сделали те или иные люди. Желание заниматься чем-то подобным было во мне слишком велико и понимал, что благодаря этому я смогу поддерживать культуру и возможно у меня получится издать ряд каких-то экспериментальных работ, которые не подписал бы никто на других лейблах.

SAMURAI-HORO-LOGO-WEB

У SMG есть два подлейбла – Samurai Red Seal и Shiro. Какие стили на них представлены?

Red Seal я решил закрыть, поскольку необходимость в нем отпала само собой с течением времени, и того, как меняется наше звучание. Сам лейбл был создан с целью охватить глубокий drum’n’bass на самой периферии этой музыки. Сейчас же, если речь идет конкретно о треках на скорости 170 BPM или же о drum’n’bass как таковом, то для этого у нас есть Samurai Music, если музыка выходит за рамки привычного стиля, то она попадает на Horo. Здесь может быть представлено абсолютно разное звучание. Shiro саблейбл создан для новых музыкантов, у которых еще не было виниловых релизов. В основном это музыка на 170, но если есть что-то подходящее из треков, то, скорее всего, они также могут здесь выйти.

Мне всегда было очень любопытно, просто не могу не спросить. Что скрывается за названием лейбла Samurai и вашей культурой? Почему ты выбрал именно такое название для лейбла, и как возникло идея с названием для Horo? Horo – это же, если я не ошибаюсь, самурайский плащ. Какое значение лично для тебя имеет этот атрибут одежды?

У моего старшего брата были какие-то тату с японской тематикой, и я с детства интересовался живописью. Некоторые работы очень сильно резонировали, и я решил продолжить интересоваться искусством. Сейчас у меня «рукава» в той же тематике и они могут рассказать историю моей жизни. Само название «Samurai» пришло ко мне в не самый лучший мой период. Я боролся с внутренними демонами, как бы это не звучало «попсово», и мне было необходимо нечто, за что бы я мог зацепиться в плане самоопределения. Это название придало мне силы и определённости в решениях. Плащ Horo был почетным предметом, поскольку носили его привилегированные войска, элита. Получить плащ в качестве трофея было символом высшей доблести. Я очень хотел, чтобы музыка с лейбла Horo ценилась также высоко и к ней относились бы с наивысшим уважением. А для артистов, чьи релизы увидели здесь свет, работа с лейблом стала бы достижением в их карьере.

По каким критериям ты оцениваешь работу музыканта для Samurai Horo? На что ты ориентируешься в звучании, которое подходило бы для релиза на этом лейбле?

Прежде всего, я обращаю внимание на саму музыку, звучание должно вписываться в концепцию лейбла. После этого я обращаюсь к самому музыканту и узнаю о нем больше, если на этом моменте всё происходит как надо, то в дальнейшем я смотрю насколько сильно, как артист чувствует одну волну, на то, как принимает схемы моей работы и готов ли он дальше двигаться со мной в едином векторе. Порой шаг № 2 просто отменяет смысл шага №1, и ты просто издаешь эту музыку. У Horo, как у лейбла, есть определённое звучание, этакая «семейная» вещь, и поэтому я всегда уверен, в том, что тот или иной артист идеально вписывается в наш давно устоявшийся костяк. Мы все работаем ради одной общей цели.

Когда-то мы говорили о том, как тебе удается сразу определить звучание для Samurai лейбла. А скажи, всё происходит аналогично и для Horo?

Поскольку этот саблейбл ориентирован на выпуск экспериментальных и более абстрактных работ, чувствуешь ли ты ту же самую уверенность при прослушивании «замороченных» треков для лейбла в самом начале?

Абсолютно! На 100%! Честно скажу, я не мог найти подходящих людей с нужным лейблу звучанием несколько лет. Недавно я подписал к выходу 12-дюймовый сингл от Grebenstein и этот парень как раз таки открыл мне глаза, благодаря релизу на другом уважаемом мной лейбле Downwards.

132667b-700x700

На мой взгляд, самым важным релизом на Horo за всё время стала компиляция Scope. Считаешь ли ты этот релиз знаковым для своего лейбла? В том смысле, что именно благодаря ему звучание Samurai Horo стало по-настоящему узнаваемым. Как проходил процесс отбора треков? Обращался ли ты к разным артистам с некой определённой темой перед этим?

Да, конечно! Эта компиляция оставила глубокий след в истории нашего лейбла. В то время у нас на руках было слишком много более прямолинейного drum’n’bass для той компиляции и мы издавали всё меньше и меньше таких работ, пока не прекратили вовсе издавать подобное на Horo. Для нас эта была некий ориентир, который показывал, куда двигаться дальше. Да, благодаря этому сборнику звучание стало узнаваемым для большинства людей. Ту музыку, которую мы сейчас выпускаем, тогда нельзя было назвать выдержанной по стилю. И мне всегда хочется думать, что мы стали частью больших перемен в музыке со скоростью 170/85 BPM. У меня было очень много треков, которые были запланированы в качестве 12-дюймовых пластинок. Даже слишком много. Они поступали ко мне постоянно. И в тот момент, я решил издать их на сборнике, пока не было слишком поздно и закончить с этой темой. В то время музыканты активно экспериментировали со скоростью, и музыка, в результате этих экспериментов, была очень крутой. Ну а поскольку у меня уже была идея для сборника, то получить нужные треки от музыкантов мне не составило никакого труда.

DJ-Presha-Press-Pic-2-700x466

Ты ди-джей и продюсер со стажем. Расскажи нам свою историю? Как и где ты начал выступать «живьем»? Может, посоветуешь что-нибудь начинающим? Мне думается, что сейчас ситуация в индустрии отличается кардинально от той, в который ты делал свои первые шаги.

Да, я ди-джей со стажем, это точно! Но не продюсер. Всё началось с того, что я крутил rock пластинки по пятницам всю ночь напролет в Astoria в Лондоне. Это было в начале 90-х. Тогда популярны были glam rock и grunge. Но я не относился к этому всему слишком серьезно. Пока не перебрался в Новую Зеландию. Уже там я приобрел свой первый комплект вертушек и начал сводить funk, hip hop, house и techno пластинки. Всё кардинально поменялось в моей жизни, когда я впервые открыл для себя музыку jungle/ drum’n’bass. После этого я посвятил себя ди-джеингу целиком и полностью. Дело было в городке Christchurch. Я начинал, тогда как резидент клуба с techno/house пластинками и по иронии судьбы, спустя 20 лет я снова играю techno. Круг замкнулся. Что касается написания музыки, то всё, что мне удалось сделать за всё это время не выходило дальше рамок совместных работ. Зачастую эти проекты не имели названий. Хотелось бы, конечно, эту ситуацию изменить в ближайшие годы, но судя по всему, я так и останусь организатором многочисленных проектов. Но в любом случае, поживем- увидим. Начинающим я бы посоветовал, начать с написания музыки и сфокусироваться на доведении этих навыков до совершенства. До тех пор пока не вы не поймете, что вы достигли определённого уровня, не издавайте свои работы, где попало и не рассчитывайте на успех с крутыми лейблами. В нынешнее время само понятие «лейбл» для продюсера становится всё менее и менее привлекательным. Или же для некого парня, кто фиксирует свой творческий рост на всех этапах, выпуская работы на цифровых импринтах. Сравните свою музыку с музыкой уважаемых вами артистов технически и творчески и прислушайтесь к конструктивной критике опытных людей. Слушайте их, а не своих друзей, чье мнение чаще всего бывает предвзятым. Кроме того, сейчас мало кому интересно быть просто ди-джеем, поскольку большинство любимых всеми ди-джеев – это просто продюсеры, которые сводят пластинки, не испытывая сильного желания быть ди-джеем как таковым. И аудитория уже привыкла к этому. В этом нет ничего плохого, но если вы хотите стать ди-джеем, то именно с этим вы вскоре столкнетесь, когда начнете выступать.

Насколько мне известно, ты успел поработать в разных сферах музыкальной индустрии. Ты был и владельцем винилового магазина, и дистрибьютором, и промоутером. Что из этого тебя привлекало больше всего? Насколько сильно всё это могло измениться за эти годы? Чувствуешь ли ты развитие в этих отраслях или же нет, все загибается?

Отличный вопрос! Честно скажу, чтобы заработать какие-то деньги на жизнь, я брался за всё, что было связанно с моей главной страстью. С музыкой. Если бы всё зависело в этой жизни от меня, то я бы стал ди-джеем или продюсером и занимался бы этим 24 часа в сутки. Но платежи по коммунальным услугам и плату за аренду никто не отменял. Так случилось, что я отношусь к той музыкальной нише, которая не приносит баснословных денег, так что, можно сказать моя страсть к музыке работает против меня. Наверное, самой оптимальной работой для меня стала должность владельца лейбла и менеджера проектов. Это из всех моих бизнес ролей. Мне нравится обоюдное взаимодействие и процесс достижения общей цели. Всё изменилось кардинально, это правда. Я начинал свою работу еще до того, как пришел цифровой рынок, и, в какой-то степени, это можно было назвать прорывом в работе для всех нас. Есть много негативных моментов. Но если смотреть с положительной точки зрения, самое главное– это свобода, которую нам дают цифровые рынки и постоянный процесс развития программного обеспечения. Не думаю, что всё погибнет в одночасье, может только лишь разве формат CD. Но и то не факт…. 10 лет назад все твердили тоже самое в отношении винила и смотрите, он всё больше и больше закрепляет свои позиции на рынке.

SMGHOROLP02-Artwork-A.jpg

В нашей нынешней ситуации с цифровыми носителями (да, удобно иметь дело с файлами в mp3 или wav форматах), меня больше всего радует возвращение к винилу. Что скажешь по этому поводу? Почему на твой взгляд люди до сих пор испытывают трепет и восхищение от покупки виниловых пластинок? На Horo выходят исключительно виниловые релизы, если я не ошибаюсь. Как к этому относятся поклонники? Ты доволен тем, как идут дела у этого саблейбла?

Я очень лоялен. Вот моя позиция. Люди хотят стать частью того, что делаешь ты и поддерживают тебя насколько это возможно. У цифровых файлов нет никакой ценности, у пластинок есть. Они становятся подобными трофеям, и таким образом аудитория выражает свою поддержку. Знаешь, это как абонемент в роскошный салон. Кроме того, не хочу повторяться и влезать в старые споры, даже если это и миф, то по моим ощущениям слушать винил гораздо приятнее. Когда ты ставишь пластинку, ты слушаешь ее от начала до конца, в то время, как электронные файлы копятся у тебя на жестком и ты даже порой не понимаешь, сколько их там. Зачастую ты их просто пропускаешь или быстро меняешь на следующий. Я, порой, забываю, что тот или иной трек у меня уже есть и снова захожу в интернет, чтобы купить его. С пластинками всё по-другому. Horo сейчас стал более ориентирован на цифровой формат. Мы начинали с продаж винила, но времена меняются. И мое видение рынка тоже.Да и рынок сам проходит через изменения. Изначально, это было уникальное место для продажи музыки, мы начинали на самом пике цифровой революции. Люди тогда были возмущены (говорим про drum’n’bass тусовку), почему музыка издается только на виниле. Horo выйдет из под Samurai Music и станет отдельным лейблом. И тогда у нас будут два разных лейбла – для drum’n’bass и 170 BPM это будет Samurai и Horo. Для нас уже бессмысленно называть его саблейблом, ведь в 2016 году у него уже есть своя идентичность и уникальное звучание. Я очень доволен тем, как идут дела у этого проекта. Eсть планы на включение в состав лейбла новых музыкантов в этом году. По всему миру нас очень хорошо встречают и поддерживают музыканты и ди-джеи из других музыкальных движений, которыми мы мы восхищаемся. Я рад, что мой план сработал.

Что думаешь по поводу современной электронной сцены? В наш век компьютерных технологий, когда любой может без труда найти в интернете всё, что угодно и где есть почти вся музыка, есть ли еще надежда на хоть какую-нибудь оригинальность? Каким, по твоему мнению, будет следующий этап развития электронной музыки?

У каждого есть свое понимание оригинальности. Недавно мы для себя обнаружили, что когда ты говоришь кому-то, что ты создаешь нечто оригинальное, то это может показаться для большинства чем-то очень проницательным и порой угрожающим. Толпы завистливых продюсеров постоянно тратят свое время, пытаясь доказать тебе что-то заведомо неправильно и неэффективно. Все эти разговоры утопают в ненависти и злобе, и порой думаешь, что лучше молчать и ждать нужного момента, когда люди осознают всё сами. Мне кажется порой, что эксперименты ради самих экспериментов уже настолько скучны и неинтересны, что это сравнимо с той ситуацией, когда экспериментов нет вообще. Результат? Множество действительно паршивых треков, которые выдаются за «осмысленные» и «удивительные». Что будет дальше, я не имею никакого представления. Но, надеюсь EDM, как явление, будет вскоре уничтожено, поскольку оно убивает истинную музыку.

У лейбла SMG есть собственный подкаст на iTunes. Как обстоит дело с ним? Считаешь ли ты это способ коммуникации с поклонниками оптимальным и эффективным в нынешнее время?

У нас есть 2 подкаста, один у Samurai Music и другой у Horo. Для меня эти подкасты – инструменты продвижения для музыкантов, у которых выходят релизы. Это прежде всего. Давайте смотреть правде в лицо – музыканты хотят быть качестве ди-джея, и подкаст – это наилучшая возможность для них показать себя в этой роли. Подкаст Horo немного отличается, в нем у музыкантов есть свобода выбора, здесь они могут рассказать собственную музыкальную историю и раскрыть источники вдохновения.

SMGHORO09-Artwork-2-700x700

Расскажи нам о дальнейших планах у Samurai Horo? Какие релизы планируются? Может еще какие-нибудь компиляции готовятся к выходу? Ждать ли нам «живых» выступлений?

Мы планируем новую серию Horo. У названия исчезнет слово Samurai и останется только Horo. Я хочу выпускать релизы в серии пачкой по 10 штук, хотя на первый релиз уже набралось 13. У нас появятся новые артисты. Про одного из них я уже говорил – это будет немец Grebenstein. Планируем к выпуску новые EP от Ancestral Voices, ASC, Sam KDC. Плюс будет альбомы от Pact Infernal и ENA. Число готовящихся к выходу релизов гораздо больше, но на данный момент это самые основные. Как лейбл Horo будет ориентирован 100% на уникальных музыкантов с оригинальным звучанием. У меня есть задумка выпустить сборник, но нам нужно будет подождать, пока между релизами будет перерыв. Что касается «живых» выступлений – не так давно прошел Boiler Room от лейбла, его можно найти в интернете. Следующее ночное мероприятие от Horo будет проходить в клубе в рамках Incubate Festival в Недерландах. Там мы представим звучание нашего проекта «Grey Area» задуманного совместно с ASC и его лейблом Auxiliary. Играть там буду я, Sam KDC и ENA.

Отлично! Спасибо еще раз за то, что нашел время ответить на наши вопросы! Жду с нетерпением новых, отличных релизов на лейбле Horo!

Спасибо за интервью!

Оригинал

Перевод: Rustee (c) 2016

indigo

Отложите свой кофе и устраивайтесь удобнее.  Материал, который вам предстоит прочесть, не из легких. Из  нашей беседе с музыкантом Ancestral Voices (он же Indigo из проекта  Akkord, он же Liam Blackburn), мы узнаем  его опыте с аяуаской во время путешествия в Перу и также о том, насколько сильно этот трип повлиял на создание альбома, на творчество музыканта в целом, и как изменилось его отношение к жизни, смерти и другим аспектам человеческого существования.  Если вы услышите любой трек из великолепного альбома «Night of Visions», вышедший на Samurai Horo, то, несомненно, вы уже его приобрели. Если нет, то нажимайте на «play», читайте материал и делайте заметки.

 

Что-то мне подсказывает, что на альбом «Night of Visions», сильнее всего повлиял твой психоделический трип в Перу, так ли это?

Ты догадалась. Всё верно. Именно он.

Тебе удалось мастерски передать состояние той ночи в музыкальном плане на своем альбоме. Пожалуйста, расскажи нам, вкратце или как считаешь нужным, что произошло с тобой в ту самую ночь видений?

Спасибо за добрые слова. Я попытаюсь рассказать так, насколько мне это будет удаваться.  Опыт у каждого из нас разный. И для других людей, скорее всего он будет иным.  «Ночь»  фактически состояла  из 4 эпизодов. Я осознал их после того, как прошел ритуал, и для меня это стало одной, продолжительной историей. То, что я увидел и пережил, не поддается никакому описанию. Наш язык скуден для этого.  Я прошел через несколько инициаций и узнал множество аспектов нашей психики.  Это было очень дальнее путешествие через сознание великого наставника, знавшего растения. Я много думал о том, что язык конструирует нашу действительность, и именно по этому пути мы идем к сознанию, чтобы заставить его работать. Это загоняет нас в определенные рамки, и именно поэтому нам сложно порой что-то объяснить.

Я провел одну неделю на Мачу Пикчу и 5 недель на Амазонке, в местечке Iquitos на севере Перу.  Благодаря Шаману  я смог многое понять и научился видеть мир, который лежит за пределами нашего понимания. Он обучал меня разным аспектам, касающимся  нашего сознания, звука, растений, медицины, питания, медитации, йоги, Цигун  и садоводства.

Сами церемонии дались мне нелегко, но в них я увидел неприкрытую истину. Мне пришлось столкнуться со старыми травмами, установлением нового состояния, мыслями и мое ЭГО начало подавленно биться.  Для некоторых это может прозвучать зловеще, но это было одним из самых красивых и непростых событий в моей жизни. Было ощущение, что я нахожусь в 5-мерном пространстве, где больше цвета и мог видеть всё на 360 градусов вокруг.  Я видел орнаменты, цвета, конструкции, миры и формы, которые мне были неведомы, и порой их было слишком много. Старейшины племен Yagua и Shipibo пели красивые песни, во время которых у  меня были видения и эти песни выводили меня из темных уголков моего сознания.  Я видел эти темные уголки как проблемы во мне самом, которые мне нужно преодолеть. По форме они выглядели как геометрические фигуры. Если это были «плохие» фрагменты, то они были с зазубринами и выглядели темными. Когда ты стоишь перед лицом страха и принимаешь его как часть самого себя, то эти видения превращаются в огромнейшие «цветы» и формы, которые танцуют вокруг, преисполненные удовольствия и волнения от того, что ты осознал весь негатив этой части себя. Ты проходишь через сильнейшие моменты блаженства, которые сменяют боль и агония на несколько часов. Звучит безумно, но так оно и есть.  Западный мир просто не привык к подобным практикам, возможно от того, что благодаря им ты начинаешь что-то скрытое, случайно или намеренно завуалированное на протяжении многих лет.

Начало  – это самый ключевой момент в подобных экспериментах. Вся твоя жизнь из вредных веществ, мыслей и поступков буквально сочится из  тела. Приятно ли вам такое? Да, это звучит ужасно, и в реальности всё  выглядело  не менее ужасно. И потом ты понимаешь, сколько тебе нужно, чтобы всё изменилось.  Но осознание приходит тебе не сразу, ты должен «переварить» всё это. Это всего лишь небольшая часть целого моего опыта, но я стараюсь рассказать вам как можно больше.  Я не могу вам поведать какие-то вещи, потому что они выходят далеко за рамки нормального понимания, к которому мы все так привыкли.

Мне  стали очень волновать те вещи, которыми я пренебрегал раньше или которым не уделял  должного внимания. Мне казалось, я умер пару раз и потом много думал над тем, что смерть – это не предел. А что если мы рождаемся для смерти? А что если наша кончина – это фактически начало новой жизни?  Может есть какой-то смысл  в этой странной метафизической философии? Наша жизнь – это стартовая площадка и мы готовимся к чему большему. Идея смерти приходит людям в страхе от того, что же будет, если мы что-то изменим.  Но это, на самом деле, не так.  Никто из нас не умирает. Мы трансформируемся.  Древние люди не боялись смерти, они к ней готовились.

В моем сознании возникла мысль, что люди больше всего боятся жить.  И страх смерти при этом не так уж и велик.  Больше всего мы боимся риска жить и представлять  себя окружающим такими, какими мы на самом деле являемся. Самый сильный страх – страх  бытия самими собой.  Мы привыкли проживать жизни, угождая кому-то другому. Для нас нормально жить за счет чужого мнения.  Мы боимся того,  что  наше мнение не будет принято или того, что мы недостаточно хороши для кого-то другого.

Многие люди духовно мертвы. Тело живет, человек дышит, работает мозг, но ничего кроме этого не происходит. Каждый день – это рутина, ничего не происходит хорошего, мы постоянно чувствуем себя неудовлетворенными.  Я был мертв, но этот опыт вернул меня к жизни. У каждого есть такая же возможность, но при этом маршрут путешествия может сильно отличаться.  Вам самим нужно решиться и сделать этот шаг, не ожидая, что кто-то сделает его за вас.  Некоторые никогда не развиваются и  не стараются себя улучшить.  Я говорю сейчас об этом,  исходя из собственного опыта.  По мере того, как я становился старше  и проживал разные ситуации я смог узнать больше о нашем мире.  И это отражается каждый день на моем мнении и на тех решениях, которые я принимаю.  Если однажды ты сделал наблюдение, то после этого ты просто обязан принимать решения, основываясь на новой информации. Большинство людей поступают так же, как они  делали на протяжении своей жизни.  Вы не обязаны быть тем же, кем были месяц или 15 минут назад.  У вас есть право менять себя, и за желание сделать это, не нужно извиняться.

Я четко это видел, я приспособился к ситуации, и моё ЭГО стало служить не другим, а только лишь себе и идти на поводу бесконечного потребительства. Теперь я понимаю, что жизнь для нас – это школа дуализма, в которое мы узнаем о балансе, среди прочих остальных вещей. Разум управляет эго, и так будет продолжаться и дальше, пока вы не приручите ваше эго и не начнете тренировать его. Для этого существуют медитация, йога, сенсорная депривация, ритуалы и церемонии. Всё  то, что постоянно использовали в своей практике древние люди.

Мне показали, как преодолевать границы, которые я сам  создал или о которых узнал от общества.  Я узнал, каково это осознавать, что мы бесконечная энергия в сосуде, который плавно отделяется от остального мира.  Я прочувствовал, насколько сильны стали мои связи с Землей. У меня были озарения, состояния и видения, которые просто нельзя описать словами.  А что если в начале не было времени, тогда это могло бы объяснить, как из ничего создается что-то?  Мы проживаем в этом времени линейно.  Всё, что  происходит в физическом выражении  – в прошлом было нашей мыслью.  Думая об этом, ты начинаешь понимать,  насколько величествен наш разум и как наши  мысли могут  всем управлять.  У нас  есть драгоценный дар – жизнь, но мы очень безответственно к нему относимся.  И сейчас мы  и наши семьи задыхаемся от невежества и эгоизма.

Я понял, что не могу  продолжать говорить на эту тему, поскольку я могу говорить об этом днями. Но считаю, что делом долга поведать вам обо всем, что мне довелось пережить.  Хотелось бы, что мои слова помогли другим людям  преодолеть те вещи, с которыми пришлось столкнуться мне.

Вот это да!  Эта история очень насыщенная на переживания и во многом может считаться судьбоносной.  Сколько прошло времени после поездки,  когда ты начал работать над альбомом? Сколько шла работа над ним?

Я начал записывать первые вещи в 2013 году и собирал весь материал воедино, пока не закончил. Завершил я работу в начале 2015 года.  Так что, в общем, ушло 2 года.

Давались ли какие-то отдельные треки тяжелее других? Приходили ли какие-то идеи прямо из сознания, если так можно выразиться?

Первую пачку треков я написал довольно быстро. Они легли в основу альбома.  В то время Geoff как раз начинал двигаться в том направлении, в котором они сейчас работают.  Я рассказал ему свою идею,  он поддержал меня и воодушевил.  Затем я написал остальное через несколько месяцев, когда у меня появилось понимание общей картины, развития и связей между треками. И окрыленный, я продолжил.  Много времени у меня ушло на обработку, доведения до финальной версии, сбор полевых записей.  Это было похоже на какую-то игру, каждый новый  раз я пытался найти очередной лид, к примеру, который вдохновлял бы меня на дальнейшую работу. Именно поэтому  я завершил работу над этим альбомом. У меня не было границ и рамок. Тогда я купил несколько «железяк» и напичкал их звуками, лупами и атмосферами.  Несколько месяцев ушло на то, чтобы понять, что происходит и побольше поэкспериментировать. Это была самая трудная часть в моей работе, но всё, в итоге, удалось. Без особых технических проблем.

Я узнала, что ты закрыл собственный центр флотации. Какие впечатления  от этого процесса?  Как дальше планируешь  работать в направлении аудиотерапии? Поделись с нами историями успешной работы?

У меня был чудесный опыт работы с флотацией. Еще один «не от мира сего» концепт для большинства людей, но благодаря этой работе  я изменился и увидел, что вместе со мной меняются и другие люди.  Я встречался с удивительными людьми, и многое узнал из самого процесса. Я буквально стал врачевателем за одну ночь. Просто благодаря тем идеям, которые я реализовывал в своей музыкальной карьере. Я проверил множество техник влияния звука  на сознание при изменении мозговых волн. Я знаю сотни людей, которые приходили ко мне на сеанс и от которых я опытным путем получал обратную связь.  Аудиотерапия шла вместе с флотацией, результат был более чем хорош. Я помогал  людям избавиться  от бессонницы, тревоги, хронической боли и депрессии… были у меня и  пациенты с расстройством  «путешествие вне тела». В основе терапии лежат Альфа, Бета, Тета, Дельта волны и методики работы с ними. Моя задача состояла в том, чтобы переключать мозг между этими волнами.  Также я работал по методике Шиатцу. За все сеансы у меня накопилось довольно немалое количество положительных отзывов от пациентов, которых я теперь вижу у себя регулярно. Некоторые из терапевтов даже посещали меня с целью проведения дальнейшего тренинга как для специалиста.  Один врач предложил мне работать в частной клинике в Манчестере. Я отбросил сомнения и переступил через свои страхи, и у меня всё получилось.

c977391f-1a83-4d35-a7b8-58b7355e835f

Ты ведь используешь музыку в своих сеансах, не так ли? Для каждого отдельного пациента ты создаешь что-то особенное или в большей степени всё, что ты делаешь это импровизация?   Расскажи, как проходят твои сеансы?

Да, это полная импровизация. Для достижения нужного эффекта  я использую разные инструменты, бинауральные и гармоничные мозговые волны и частоты. На данный момент, в именно этом аспекте не применяются какие-либо технологии, в то время, когда бинауральные волны создаются цифровым способом. Для своих сеансов я не использую компьютер. Медленно, но верно  я развиваю приемы создания музыки и культуру «саунд систем» и интегрирую их в мою деятельность. Палитра становится шире и ярче, у опыта появляется некая текстура.  В своей работе я использую современные технологии и комбинирую их с более древними приемами. Обычно мой сеанс начинается с тянгш, потом перехожу к тибетским поющим чашам и затем уже к кристаллам кварца. После этого я беру вилки для бинуральной настройки, чтобы замедлить мозговые волны. Ритмичный или шаманский барабанный бой дальше погружают пациента в транс.  Наступает период глубокой релаксации и начинается перепрограммирование привычек, проблем…  Не так давно я начал разработку программы консультаций и звуковых сеансов, рассчитанных на период от 3 месяцев до года. И мне уже поручили создание лечебной музыки для увеличения уровня концентрации у детей в школах.

Если бы тебя попросили порекомендовать нам книгу, которая может изменить жизнь  то, что бы ты выбрал? Или быть может какую-нибудь практику или мудреца, с чьими работами можно было бы ознакомиться? Пусть это будет больше чем что-то одно.

Хорошая серия книг есть у Карлоса Кастанеды.  Например, «Учения Дона Хуана» и пр.  Очень ценю и уважаю Грэхема Хэнкока – он великий автор и учитель по истории древних цивилизаций.  Такой парень, как Марк Пассио способен говорить мудрые вещи часами (его лекции идут по 7 часов).  Его темы это Естественный Закон, божественная фемина и как это всё разрушалось в нашей культуре.  Также заблуждения новой эры, оккультизм, плюс множество других не менее интересных тем, касающихся современной цивилизации и ее структуры. Алекс Грей – выдающий художник-визионер, работавший много вместе с TOOL. Множество его работ наряду с манифестами  до сих пор вдохновляют не только меня, но и других людей.

Еще одна книга «Космическая змея: ДНК и истоки знания» (the Cosmic Serpent: DNA and the Origins of Knowledge).  Эту книгу написал антрополог Джереми Нарби, который призывает помочь аборигенам сохранить право на свои территории. Эти люди знают флору и фауну, и могут использовать джунгли в качестве природной аптеки.  Прожив какое-то время с аборигенами, его жизнь приобрела иной смысл после встречи с местными шаманами, практиковавшими ритуалы с аяуаской.  Спустя годы, ученый не мог отрицать то духовное влияние, которое оказали на него в свое время эти встречи с шаманами и продолжил работать уже в рамках  общепризнанной науки. В качестве практики я бы искренне порекомендовал випасанну . Опять же, не всем она подходит, но это техника идеально работает для усиления эффективности нашего разума, очищения сознания. Она представляет собой особую технику медитации и очень проста, в ней нет никакой религии. Но пройти через нее бывает очень непросто. Могу сказать, она стоит каждой потраченной минуты.

Талантливый человек талантлив во всем. Ты еще ведь и художник. Покажешь нам свои работы?

Спасибо. Но назвать меня художником – это преувеличение. Я бы хотел посвящать этому занятию больше своего времени.  Я черкаюсь время от времен, но  хотел бы рисовать чаще.  Меня интригует в большей степени то, что скрыто от глаз и поэтому, в конечном итоге, я всегда пропадаю в студии. Толком из работ показать мне нечего,  есть парочка вещей, которым год или около того. Я рисовал их в период увлечения точечной графикой.  Есть у меня некоторые картины других художников, за творчеством которых я следил (Самюэль Фарранд, Люк Браун). Для меня их картины это точная передача определенного опыта.

Расскажи, пожалуйста, о прекрасном оформлении для альбома «Night Visions»?

Расскажу с удовольствием.  В самом начале у меня было множество фотографий, символов, структур и идей, с которыми я хотел двигаться дальше.  Мне сказали, возьми тайм-аут с изображениями и теми  концептами, которые у тебя есть.  Оставалась пара идей, все остальное было отсеяно.  Все быстро было сведено на нет, и мы решили ничего не усложнять и отставить изображения готовыми для различных вариаций.  Оформлением занимался Райян, человек, который создает дизайн релизов для Samurai. Его визуал идеально передавал атмосферу, которую нес в себе альбом  в музыкальном плане.  Такого результата он добился после того, как я рассказал ему о своих приключениях.  Аура неизведанного и оттенки неопределенности. На обложке должен был появиться дым как символ очищения.  Я вижу формы, возникающие из замысла художника, в зависимости от угла, под которым мы смотрим.  Дымка и  постоянно изменяющиеся размеры, размытие границ и смешение цветов.  Есть и другие  художники-визионеры, которые стремиться выразить максимальное количество деталей. Но не в этом случае, я предпочел оставить ту мистику, которую создал Райан, и мне по душе то направление, которое он выбрал в своей работе. Оформление идеально подходит музыке и сам концепт просто потрясающий.

12294633_970800159643308_4272725281857970668_n

Как мы уже поняли, ты стараешься перенести свой музыкальный опыт на методику исследования человеческой психики и врачевания.  Думаешь ли ты об этих вещах во время свой творческой работы? Есть ли что-то  у тебя сейчас в работе?

Прошло немало времени, и я начал осознавать, что занимаюсь уже очень долго.  Я могу теперь с уверенностью делиться опытом и применять что-то в своей музыкальной карьере. Мне говорили, не заниматься этим пока не наступит подходящий момент.  Мне вливали в уши слишком много ложной информации и заблуждений именно те люди, кто не имеют  ни малейшего понятия  о том, что собой представляют мозговые волны.  Мне пришлось дойти до самой сути. Порядка 10 лет я изучал терапевтические аспекты музыки.  Постепенно обдумывал разные идеи  в процессе обучения. Стремился узнать больше научных и математических формул, чем постулатов философии нью-эйдж. На моем альбоме это всё присутствует: звуки, гармонии, все они переплетены в моих треках.  В дальнейшем я хочу расширять диапазон деятельности и накапливать новые знания, чтобы потом привнести полученный опыт в то, чем я занимаюсь.  После такого ты начинаешь отчетливо понимать, насколько сильно знание может изменять ход твоих мыслей, поступков, творчества. Вместе с этим меняется и понимание вселенной, структуры и связей в ней. Время, планеты, геометрия, природа… Всё очень тесно связано между собой, и для Земли это также применимо.  Для разных небесных тел существуют разные законы.  Всё бесконечно и нет какого-то  единственного пути развития.  Мы не двигаемся дальше ограниченного количества собственных «систем».  Мы  в рамках настройки гармоничных отношений.

Есть такой продюсер – Алекси Парала и он создал нечто под названием цепочка колунди. Это очень интересная вещь. Он охотно делится мыслями со всеми, и мне стало это в какой-то момент интересно.  Но я услышал его музыку всего пару недель назад в статье на Resident Advisor. Род Моделл/ проект Deepchord тоже интересен своими познаниями в теме места, их энергетические отпечатки, влияние на нас и перенос этого влияния на звук в лечебных целях.  Есть еще один безумно умный человек, которого зовут Derrick Scott Van Heerden. Он разработал ряд целых систем на основе геометрически точной шкалы и добился понимания частот, с которыми я работаю в музыке. Я вдохновлен его трудами. Разумеется я записываю что-то новое, что-то довожу до ума. В 2016 на Samurai выйдет ремикс на мою работу. Потом я готовлю издать много еще чего.

NOVREMIX01-Artwork-700x350

Планируешь ли ты вернуться в Южную Америку для того, чтобы повторить предыдущий опыт? (Возьми меня!)

Да. Я вернусь, но это будет нескоро.  Если поеду, то хочу в этот раз больше исследовать континент. Эквадор, Чили, Боливия, Бразилия. Потом думаю подняться до Панамы, Коста Рики, Белиза, Гватемалы и Мексики. Хочу еще изучить азиатские страны с их традициями, ритуалами и укладом жизни. Мой совет всем, кто хочется отправиться в путешествие самостоятельно. Отправляйтесь в неизведанные земли, где произрастают растения и откуда берут сырье для медикаментов.  Когда вернусь, спрошу у вас, готовы ли вы к подобному путешествию =)

Альбом «Night of Visions» от Ancestral Voices вышел на лейбле Samurai Horo в декабре 2015 г.

Интервью: Катя Гусева (с) 2015

http://bigupmag.com/2015/12/in-depth-interview-with-ancestral-voices-full-album-stream/

Перевод: Rustee (с) 2016

 

Музыкант Metro,он же Scott London,живет в Лондоне и одновременно является половиной влиятельного,  творческого дуэта Justice & Metro  и соуправляющим директором легендарного лейбла Modern Urban Jazz, который известен своими экспериментальными релизами. Первый сольный альбом Metro под названием «Fugue State» [Omni040] вышел в 2015 году на лейбле Omni Music и убедительно  раскрыл многогранность и зрелость Metro как музыканта. В 2016 на лейбле Pinecone Moonshine увидела свет новая работа Metro «Thursday» , звучавшая маниакально, экспериментально и одновременно красиво. В декабре 2015 Metro объявил о запуске собственного  импринта под названием  Ortem. За все это время на нем Metro успел выпустить 4 потрясающие работы в формате EP: Metro – Grid EP [Ortem001], Metro – Scrap Metal Man [Ortem002], Metro – Rock/Man One [Ortem003], Books – ‘Ensō’ EP [Ortem004].

13497858_1054596657954736_4364047982630745996_o

Scott London – настоящий первопроходец.  Он давно в игре и заслуженно  входит в число тех, кто участвовал в становлении британской drum’n’bass сцены  в начале 90-х, в эпоху первых рейвов, наряду с остальными  активистами этого движения, благодаря которым, мы знаем эту музыку сейчас.

Добро пожаловать, Scott. Расскажи, пожалуйста, о своем первом музыкальном опыте, влияниях и с чего ты начал свой путь как продюсер…

Да, я начинал как MC, в то время как пара моих друзей крутили пластинки уже как DJ-и. На самом деле, не ди-джеил тогда только ленивый. Мне нравился acid house и музыка, которая звучала на рейвах. До этого я отдавал свое предпочтение electro и hip hop музыке. Это было в  конце 80-х.  Оформившись как движение, рейв мутировал в хардкор и потом уже в драм-н-бейс.  Лично для меня драм-н-бейс начался с таких имен, как LTJ  Bukem, PFM и JMJ [EZ Rollers]. Именно на их музыку я первым делом обратил свое внимание.  Тогда мы часто выбирались на хардкор рейвы или на драм-н-бейс вечеринки, бывали в хаус и эйсид джаз клубах. Помню, ездили на бесплатные мероприятия типа Exodus или  Spiral Tribes, тогда повсеместно играли разные стили в одно и  тоже время суток, ночью или днем. Но со временем сцена постепенно видоизменялась. Нам нравилась разная музыка, и я никогда не зацикливался  на чем-то одном.  Так же дело обстоит и сейчас.

13427960_1054411707973231_5880127737241678847_n

В самом начале на меня сильнее всего повлияли PFM and JMJ [EZ Rollers].Я услышал их в 1991 году в городке  Great Yarmouth. Тогда они ставили музыку для рейва в клубе под названием Tiffany’s (Tiffs 2). Мне тогда спросили, могу ли я поработать с микрофоном.  Им понравилось, и они попросили снова поработать с ними на банковских каникулах  в следующий понедельник. Тогда главным гостем крупного праздника был Карл Кокс, и я не мог отказаться.  Это было безумное время, они меня знакомили с огромным количеством людей, и тогда для себя я открыл очень много интересной музыки.  Благодаря им я узнал о процессе создания музыки. Они попросили меня принять участие в записи трека. Не помню уже, что было дальше с этим треком, но помню, как заглянул в студию и увидел всё это великолепие. С тех пор я стал интересоваться созданием музыки.  Да, это всё пришло позже, но для меня, будучи окруженному  самыми разными продюсерами того времени,  это стало главным интересом.  Мне захотелось попробовать. Скорость 170 уд.в мин. – удивительная штука с которой хочется работать. Но я не стану называть всё, что я создаю музыкой в стиле драм-н-бэйс. Мне одинаково нравится работать и в других стилях тоже.

13407030_1055856851162050_4037755859572201406_n

Твой давний друг и соратник по цеху Tony Justice. Вместе  с ним, вы выпустили 3 альбома 839 [MJAZZ, 2010], Oxymoron [MJAZZ, 2013], Dischord [Omni Music, 2015]. Как вы встретились с ним? И будут ли у вас еще совместные работы?

Я встретил Tony, когда мне было 16. Нас познакомил школьный друг, который учился с ним в колледже.  Мы приходили к нему в гости, записывали миксы на старых таких вертушках, помните, Memorex, вроде? У этих аппаратов был питч, и нам удавалось сводить хип-хоп, хаус и первую рейв музыку. Всё то, что звучало в то время в клубах. Получалась настоящая «солянка».  Некоторые из нашей команды играли как ди-джеи для вечеринок Six Forms. Я, Тони и еще несколько человек ходили в клубы и пабы, чтобы услышать рейв музыку, но нам также нравился джаз и рээр грувз.  Выбирались в Luton, чтобы сплясать в наших ботинках и чиносах на танцполе. Время шло,  и я стал видеть Tony только на рейвах.   В тот момент он работал над треками вместе с Blame (Conrad). Время летело неумолимо, многое, что в этой жизни поменялось. Спустя 16 лет я встретил его снова. К тому моменту у нас в колясках уже сидели дети. Так случилось, что наша встреча произошла в том же самом саду в Лутоне, в том самом, где мы проводили время, будучи подростками.  Да, безусловно, много изменилось. Но связь через музыку осталась.  В 2007 году мы снова встретились, но теперь уже занимаясь общим музыкальным делом.  Если Tony в деле, то значит, музыка всегда будет звучать.  Благодаря ему, я обрел уверенность в собственных силах, благодаря ему я открыл свой лейбл. У меня всегда была некая идея открыть нечто подобное для выпуска музыки с названием Ortem, но мне требовался кто-то, чтобы слегка подтолкнуть меня к действиям. Tony оказал мне максимальную поддержку, и я счастлив этому.  Всегда хотелось быть с кем-то заодно и  совместные работы – это всегда часть общего творческого процесса. Кто знает, что ждет нас в будущем…  Думаю, нам просто стоит подождать.

13490642_1058420337572368_8995260958839138983_o

Расскажи о разнице между MJAZZ и Ortem, в чем же отличия между лейблами? Какой идеологии придерживается Ortem, и что ты готовишь  для нас в будущем?

Ortem, как лейбл, создавался для выпуска моих собственных работ с особым акцентом на оформление.   В дизайне я хочу использовать работы художников  и фотографов, и даже мои какие-то собственные наработки. Что касается звучания, то я вижу его более  электронным, механическим, индустриальным. Все будет по-прежнему экспериментальным, может в работах будет меньше сэмплов, полевых записей и шумов в какой-то степени. Фокус в работе лейбла на создание треков с абсолютного нуля. В поле интересов – драм-н-бейс и электроника в инновационных формах от скорости в 170 уд.в мин и ниже. Я люблю не только драм-н-бейс, но и хаус, техно, брейкбит и пр. Не хочу, чтобы лейбл был предсказуем. Мне многие говорят, что мое звучание сложно охарактеризовать. Именно такого же эффекта я хочу добиться и для лейбла. Хочу, чтобы звучание было разным.  Хочу, чтобы треки нравились слушателю на всех уровнях, аналогично тому, как нравились нам первые пластинки рейв эпохи, предшествовавшей появлению драм-н-бейс сцены. В то время, ди-джеи включали в свои сеты абсолютно разную музыку. Но при этом я всегда уверен, экспериментальные нотки должны всегда присутствовать в работах.  MJAZZ всегда был лейблом из разряда таковых с его подходом к выпуску LP на виниле.  На Ortem я выпускаю преимущественно EP и 12” в цифре. Но опять же, в любой момент всё может измениться.  Пока слишком рано говорить об этом. После  ‘Ensō’ EP [Ortem004] от Books, я планирую издать работы Cuelock, что-то от себя, а может даже выйдет и альбом от Justice.  Я счастлив накопленному опыту  и высоко ценю отклик слушателя и положительные комментарии от всех вас.

13442245_1055921794488889_8340699993979376403_n

Давай поговорим о технической части твоей работы? Что представляет собой твоя студия? Расскажи о процессе создания трека?

Я не любитель подобных тем. И если честно, никогда не любил говорить об этом. Мне говорят, что у меня уникальное звучание, поэтому я не хотел бы рассказывать все в деталях и выдавать секреты.  Всё, что могу рассказать, так это следующее – моя студия состоит из программного музыкального обеспечения и я использую очень много плагинов в своей работе.  У меня стоят мониторы Rokit  и парочка старых микрофонов Kams. Есть еще старый Ensoniq EPS16 Plus, за которым я буквально ухаживаю. Он принадлежит тому самому парню, о котором я уже рассказывал.  У меня не хватает терпения полностью разобраться с его функционалом, но мал помалу, я из него выжимаю. Для басов и падов я использую Akai SG01v Sound Module. Консоль для сведения у меня стоит старенькая Studiomaster. Помимо этого я собираю всё, что создает звук – приложения на Ipad, кассетные пленки, гитары, перкуссию.  Сэмплирую прямо с виниловых пластинок или фиксирую звуки на ходу, создавая полевые записи.

Как продюсер, я зачастую работаю часами/днями над нужным лупом (loop). Иногда неделями или месяцами.  До тех пор, пока трек не зазвучит так, как  я бы этого хотел.  Это почти что середина рабочего процесса  – завершать трек, добавляя метки, разделяя на части. Я редко начинаю работать с начала, двигаясь к финалу. Если концовка хорошо звучит, то я могу начать и с нее.  Также всё зависит от ситуации. Сегодня работа может идти так, а завтра всё уже пойдет иначе.  Люблю создавать естественным путем.  Когда идеи сами по себе постепенно приобретают форму. Иногда я нахожу материал в процессе семплирования или работы над каким-то звуком, в каких-то смежных идеях, странных фрагментах или в ошибках в семплировании.  В  своих семплах я люблю шум. И мне не нравится, когда вещи звучат слишком чисто.  Моя цель – добиться механического звучания будущего, в основе которого, в меньшей степени, будут использоваться семплы или найденные  звуки. Да, и сам процесс преуменьшать не стоит…

13497795_1054145407999861_9173960210200304484_o

Если говорить об оформлении релизов ORTEM, то у тебя меткий глаз. Все они очень качественные и оригинальные.  На первых двух ты использовал собственные наработки. На третьем мы видим фото от Shirley Hollis, а четвертый релиз украшает работа художника Jonny Rebel. Расскажи, как влияет визуальная часть  на музыкальную?

Я работаю графическим дизайнером и значение оформления обложек и вся визуальная составляющая для меня крайне важна.  Мне всегда нравилось звучание у Books, и когда только я начинал всю историю с ORTEM, я уже понимал, что он будет одним из тех артистов, кто у меня прозвучит.  И EP у него получилась идеальной для лейбла, как раз то, что нужно – прекрасная, изумительно созданная электронная музыка. Артворк для релиза создал его  друг Jonny REbEL.  Это и есть часть моей программы, лейбл презентует не только передовую музыку от продюсеров, но и качественный дизайн в оформлении релизов.

 

13443125_1055922601155475_4553141172866097032_o

Для третьего релиза обложку создал фотограф  Shirley Hollis, чьими работами я восхищен. В будущем мы увидим еще больше работ от этих ребят. Для меня живопись и музыка идеальное сочетание в творчестве, они всегда рядом. Да, ну и еще, порция хорошего эля!

13497920_1055923227822079_7002844969771414682_o

 

Кто из музыкантов сейчас находится под твоим пристальным взором?

Конечно, это Cuelock и Books. Мне очень по душе проект DAAT и то, что создают в музыкальном плане. Они в другой стороне и у них столько пространства для творчества. Mauoq и Dexta с лейбла  Diffrent Music с его недавней EP под названием SE4. Nic TVG, владелец Pinecone Moonshine Music, технически, на мой взгляд, один из лучших продюсеров в своем сегменте. Очень хитрый программинг. Sector 12/12 выпускает очень крутую музыку. Большей частью это free релизы.  Akuratyde создает приятные работы. Я большой фанат Paranoid Society, послушайте его Pone EP. Если говорить о не драм-н-бейсе, то мне нравятся релизы музыканта Remote Control на его лейбле H.o.p.e.d и конечно же всё, что издает Justice на своем Muj Music.

13490658_1055923707822031_7600850902190099167_o

Ну и в завершении, мы хотим поблагодарить тебя за микс в рамках нашей серии Source.Echo.  Микс просто потрясающий, мы уже в предвкушении следующего релиза на Ortem. Расскажи, как создавался микс?

Я захотел представить спектр звучания лейбла ORTEM. Это прошлое, настоящее и будущее, этакое повествование через микс.  Первым номером в миксе идет превью работ, которые войдут в EP от Metro. По духу эта EP будет более рейв ориентированная, но в современном ключе, как мне думается. Дальше передачу продолжает эксперимент в настоящем времени, этакий реверанс альбому «839», который в свое время открыл мне двери, уже как для  продюсера.  Также в миксе звучат мои собственные вещи с первого релиза на ORTEM – «Time lapse» и «Impi», там же вы услышите эксклюзивный трек, который вряд ли выйдет на лейбле. Кроме этого, я хотел представить прекрасную работу от Books с его EP для ORTEM. Также я смешал несколько треков с «Scrap Metal Man» EP и «Rock/Man One» EP.  Помимо них можно услышать также и трек от Cuelock, с его, готовящейся к выходу EP на ORTEM. Плюс несколько треков с «Thursday» EP  и завершаю я микс рейвовыми стабами, которые очень сильно напоминают мне тот самый звук,  с которого всё начиналось в 90-е.

Хочу поблагодарить всех, кто имеет отношение к проекту Source.Echo и всех тех, кто поддерживал и помогал лейблу ORTEM …

Интервью: Rob Vndnnwnhysn

Source.Echo

Перевод: Rustee (c) 2016

Kid-Drama-Press2-Photo-sarah@cnvx.london-1024x683

Что общего между Instra:mental, Kid Drama, Heart Drive, Jon Convex, Module Eight, Binary Collective и  Mikarma?

Все эти имена принадлежат одному человеку и зовут его  Damon Kirkham.

Ни у кого не возникает сомнений, этот невоспетый герой drum’n’bass – один из самых активных деятелей на сцене. У Damon творческих имен больше, чем у вас горячих завтраков. И каждое из них  открывает новое измерение в в его собственной вселенной выпущенных работ.

В наш век, когда каждый из нас уже практически музыкант, выбрать успешное творческое имя – это уже впечталяющее достижение. У Damon их семь и то, как он с ними управляется, вызывает восхищение. Кроме того, этот музыкант делает всё сам и обходится без чей-либо поддержки. Сам пишет треки и сам же их сводит. Время от времени  выпускает собственные релизы на своем же лейбле.

Мы захотели рассказать вам подробнее о каждом из проектов Damon Kirkham и о том, как ему удается так ловко творить и существовать под разными именами.  Для этого мы попросили его рассказать как можно больше, и сами ушли с головой в многочисленные проекты этого замечательного музыканта.

Instra:mental

1999 – 2001 / 2006 – 2011



Совместная работа с Alex Green (Boddika) под именем Instra:mental  принесла обоим заслуженную славу autonomic первопроходцев. Для многих этот тандем стал одним из ключевых вообще за всю историю стиля. Фирменное звучание разобранного по деталям drumnbass стало  тогда глотком свежего воздуха.

«Мы начали работать в конце 90-х под этим именем. Все развивалось для нас очень успешно и быстро. Но, знаете, тогда мы были очень молоды, и как только почувствовали вкус денег, мы были вынуждены уйти в тень.. Этого вихря хватило на пару лет, покружил и перестал. Когда делаешь что-то слишком быстро, то запросто можешь всё провалить, так у нас и вышло. Да, нашим трекам делали rewind на вечеринках лейбла Metalheadz. Тогда это засело в наших головах. Но, повторюсь, все закончилось слишком быстро.После этого многие говорили мне «хватит гоняться за мечтой» и убеждали меня, что  свой единственный шанс я уже упустил. Но я слишком упертый по характеру. Сменив  несколько паршивых мест работы, я вернулся к Instra:mental в 2006 году. Позднее, когда мы вновь начали работать со звучанием Instra:mental, у нас уже были драм машины и мы вдохновлены самой разной музыкой других жанров и стилей. Для нас это послужило ключом к дверям, которые открывали нам новые возможности. У нас появилось звучание, которое людям было абсолютно незнакомо. По духу это было больше похоже на мутантскую электронику. О нас стали узнавать люди, далекие от drum’n’bass сцены и поэтому мы так легко покинули привычные стилевые рамки. Послушайте треки Deep Blue, Omni Trio или Foul Play,  в них вы, наверняка, найдете halftempo ритмику, но в то время это было никому не интересно. В середине 90-х люди предпочитали более очевидное звучание, например neurofunk. Не думаю, что мы создавали что-то уж совсем уникальное.Просто подключили несколько старых драм машин и начали писать то, что всегда хотели. Отсюда всё и началось, спираль начала раскручиваться.Но для того, чтобы звучание признали потребовалось немало времени…Помню, как мы давали выступления в залах, где было три человека. Как только мы начинали играть, танцпол пустел сразу же. Это ужасно нас огорчало, скажем честно. Люди подходили к нам и говорили: «так ведь это же не drum’n’bass!». Но со временем мы стали замечать одних и тех же людей на танцполах и с каждой неделей аудитория росла. Ну а дальше мы стали выступать уже на крупных фестивалях. После этого начались сложности, я встретил девушку, на отношения с которой требовалось время. Посвящать чему-то все 100%  своего времени – практически невозможно. Та девушка была из Австралии и всё было настолько несподручно, мне приходилось уезжать туда на несколько месяцев. Появились деньги, их становилось все больше, и я начал понимать, что получаю от творчества меньше удовольствия. Это становилось больше похоже на бизнес . Всё привело к тому, что мы решили заморозить проект. Время, когда существовал Instra:mental как проект, для меня было очень славным. Знаете, я люблю воспринимать жизнь отдельными главами, и эта глава была искренней и чистой, там не было никаких ненужных «примесей». Порой я возвращаюсь к трекам Instra:mental и понимаю, что эти работы прошли испытание временем.

Jon Convex

2011 – 2015 



Второе пришествие Instra:mental подошло к логическому финалу. У Alex Green появился новый псевдоним – Boddika, в то время как Damon тоже взял себе новое имя. Вскоре мир узнал о Jon Convex.

«Я был тогда в Австралии, когда Alex запустил сольный проект Boddika, поэтому по возвращении мы тоже нужно было что-то придумать. Продолжать работать как Instra:mental я не мог, поскольку в этом проекте нас всегда было двое. У слушателя могла возникнуть путаница. Я взял имя Jon Convex и приступил к работе. Тогда я продал Alex половину моего студийного оборудования, что могло означать только одно – я покупаю новый сетап. Жизнь выводила меня на новую кривую. Когда еще существовал Instra:mental финальным сведением занимался всегда Alex, а я играл на клавишах и импровизировал. Теперь же, будучи Jon Convex, у меня появилась возможность поработать над треками уже в качестве звукоинженера. Для меня это стало очень полезным делом. Теперь мне не нужно было ни на кого рассчитывать. Очень удобно, когда ты делаешь всё сам.  Что касается имени, то Jon – это имя моего друга, которого не стал, когда нам было по 17 лет. Так что это своеобразная дань памяти . А Convex – это имя героя из Videodrome. В моем доме, где я рос был видео магазин, поэтому ребенком я пересмотрел кучу фильмов ужасов, снимавшихся в 80-е. В возрасте 15 лет я уже смотрел новые фильмы в магазине. Детство очень сильно повлияло на музыкальную карьеру, отсюда все эти партии синтезаторов в моих треках. Альбом «Idoru» от Convex вышел в тот период, когда меня буквально засосала пучина techno музыки. Играть подобное в больших клубах было очень весело, но спустя какое-то время techno и house в Великобритании испортились, и я решил отойти от этого звучания. Мне было по душе сочетание techno и electro, но и сейчас это звучание «выдохлось».

После выхода альбома, я улетел к своей девушке в Австралию, что означало, речи о проведении тура в поддержку альбома быть не может.  Вспоминая всё это, я думаю, насколько это было бессмысленно. Но в тот момент времени, не уехать в Австралию было просто невозможно. Я гонял туда-сюда, уезжая и возвращаясь в Англию, и это сказалось негативно на моей карьере. Так нельзя поступать, когда ты постоянно где-то очень далеко. Возникает ситуация «с глаз долой, из сердца вон». Тогда я не осознавал, насколько сильно я всё могу испортить. Сейчас же, я так больше никогда не поступлю снова. Так закончилась очередная глава моей истории. И пускай Jon Convex как творческий проект стоит на паузе, я по-прежнему веду дела лейбла Convex  и продолжаю изучать электронную составляющую. В будущем я планирую издать несколько потрясающих работ от других музыкантов на своем лейбле.

Binary Collective

2011 – 2015



Совместный проект, участниками которого стали  Damon, dBridge, Consequence и Joe Seven и результатом работы которого стал альбом-антиутопия, записанный полностью на «железе и о котором  уже узнали практически все».

«Еще до этого момента мы работали для лейбла Exit и создавали треки с autonomic звучанием.Cam и Joe жили тогда в Лондоне.  Изначально мы записали 12-дюймовую пластинку с белым яблоком от проекта the Binary Collective  и назвали трек «Sin Skin», через несколько лет мы собрали материал для полноценного альбома. Первоначальным замыслом было создание небольшого фильма, в котором можно было отследить историю создания альбома. Возможно это был бы анимационный фильм.  Но создать подобное стало крайне затруднительно, поскольку у всех свои рабочие графики и личная жизнь. Дизайн проект предоставили ребята из студии Grapic Surgery, которые уже успели создать множество обложек для релизов лейбла Delsin.

Kid Drama

2013 – по сей день

Именно под этим именем Damon сейчас записывает основную часть своих работ. Недавнюю EP на Exit тепло встретила музыкальная общественность, но это далеко не всё, что готовит нам Kid Drama.

«Дела проекта Jon Convex шли весьма удачно, но мне быстро наскучил этот стиль. Сейчас практически каждый пишет в таком ключе.Удовольствие сошло на нет, и тогда я решил выступить на мероприятии от лейбла Exit под именем Kid Drama. Вокруг меня были друзья с кучей эксклюзивных треков, которые пытались затмить друг друга своими работами, и я снова почувствовал тесную связь внутри drum’n’bass сообщества, ту самую, которая всегда мне так нравилась. Работа с techno стала казаться бизнесом и это на самом деле так, но я хотел снова прочувствовать дух сообщества и получить удовольствие от общения и работы, в этом для меня всегда была суть drum’n’bass движения. Kid Drama – это мой школьный псевдоним, потому что со мной всегда что-то приключалось. Никогда не искал легких путей, да и сейчас не особо то ищу… Имя за мной закрепилось и именно так я был известен в составе проекта Instra:mental. В моих интервью я часто упоминал именно это имя и всегда считал, что люди узнав имя Kid Drama со времен Instra:mental захотят услышать больше треков, выпущенных именно под этим творческим псевдонимом. Думать об этом псевдониме всегда забавно.Несмотря на то, что  уже тогда  меня знали как Kid Drama в составе Instra:mental, это имя довольно новое и сейчас я активно его раскручиваю. В последнее время я уже не так часто гастролирую, в основном занимаюсь тем, что собираю материал, с которым можно отправиться в тур. Я бы с удовольствием сел бы за написание какого-нибудь странного трека как Kid Drama, но о денежной составляющей тоже забывать не следует. Я стараюсь записывать треки оптимальные для восприятия.Недавней своей EP я хотел охватить разный drum’n’bass отсюда и название «Covering Ground». Там есть даже пару нетипичных для меня степперов. Но я доволен реакцией слушателя, эти треки всегда хорошо встречали.  У меня на стене висит карта идей музыканта Kid Drama и на ней очень много будущих задумок. Так  я планирую поработать с Synkro,Om Unit, Fracture, потом займусь альбомом…

Module Eight

2015

В проекте Module Eight  Damon поработал с dBridge, Skeptical, Loxy и Resound. Результатом этой работы  стала настоящая drumnbass электростанция, построенная музыкантами  в виде полноценного альбома под названием «Legacy» на Exit. Для drumnbass общественности это стало настоящей бурей.

«У нас со Skeptical была пара недописанных вещей, тоже самое было и у Loxy с Resound.Я сейчас уже не вспомню точно, как всё получилось, но  главный смысл был в совместной работе над треками, мы скинули все наши наработки в один общий проект и в процессе добавляли новые биты к тому, что уже было сделано. Resound говорил, что у него вот-вот будет готов набросок и он добавит в него такой-то loop, тоже самое говорил Sceptical. Еще до окончания работы мы понимали, что у нас будет достаточно материала для полновесного альбома. Нас было много, и поэтому работа шла быстро и весело. Но сейчас проект на паузе, каждый занимается индивидуальными проектами».

Heart Drive

2014 – по сей день

Heart Drive  – это футуристический совместный проект Damon и его старого компаньона dBridge, платформа на которой он успели выпустить 5 подкастов, в которых мы слышим autonomic звучание в самом лучшем своем проявлении.

«Heart Drive – это ни что иное, как Autonomic продолжение. Сам autonomic, как бренд, находится в заморозке. Darren не захотел реанимировать Autonomic, поэтому мы выбрали для проекта другое название. Всего подкастов будет 6. Записано 5, но будет и еще один. После него я не знаю, в какую фазу мы войдем, но дождаться шестого по счету подкаста определенно стоит. На нем будет много треков с нашего, готовящегося альбома как проекта Heart Drive. Я всё откладываю финальное сведение, лишь по причине занятости над другими проектами, но Darren уже буквально берет меня за горло. После последнего, пятого подкаста была огромная пауза, но мы не хотим просто выпускать очередной подкаст как таковой. Нам всегда интересно делиться самой лучшей музыкой, которую мы выпускаем и поэтому мы не торопимся. Помимо всего я просто завален работой, связанной с финальным сведением треков других музыкантов, среди них есть даже те, кто давно в этой игре. Многие этот процесс ненавидят, но мне по душе такое занятие. Назовите меня задротом-фанатиком.  Студия моя находится в безупречном состоянии, звук именно такой, каким бы я хотел его слышать, когда дело доходит до финального сведения всё проходит плавно и бесшовно. Я и Darren без ума от аниме, для нас куб – это практически сердце, которое хранит эмоции. Вот и основная идея. Мы всегда хотим быть футуристами в том, что мы делаем».

Mikarma

2015 – по сей день

От проекта Mikarma мы услышали всего лишь один альбом… Эта работа –результат разрыва в отношениях и серьезного употребления валиума.

«Это проект появился после того, как моя жена ушла от меня, и в моей жизни начался тяжелый период. Я вернулся в Англию из Австралии, убрал всё лишнее из студии и оставил только лишь набор инструментов из 90-х. После этого я сел за написание альбома, будучи полностью не в себе. Я принимал валиум целый день и доходило до того, что я просто не помнил, как я работал над альбомом. Сейчас же, когда я переслушиваю эти треки, то мне кажется, что писал их не я, а кто-то другой. Вообще не помню, как  я записывал его. Это не просто собрался и начал работать, я выдал его за месяц, будучи в подавленном состоянии, практически не выходя из студии. Я хотел, чтобы на альбоме была тема проходящая сквозь весь альбом. Чтобы оценить результат, вам нужно прослушать эту работу от начала и до конца. Для меня это было очень эмоциональное время. Я был просто раздавлен и погружен в депрессию. Я поставил себе ограничение – 2 синтезатора и немного другого оборудования, которое повторяли бы сетап из 90-х. Когда я работаю под другими именами, я стараюсь использовать разные девайсы, но для проекта Mikarma я применял стойку с эффектами, поэтому просто включал их и писал уже как Mikarma. Недавно я провел ревизию в студии и оставил только лишь самые важные для меня инструменты, с которыми больше всего люблю работать. Во времена Instra:mental мы буквально гонялись каждый раз за новым комплектом оборудования, поэтому у нас было множество стоек с разными аппаратами, винтажными синтезаторами и всем тем прочим, что для нас тогда было крутым. Сейчас я научился ограничивать себя и теперь могу выполнять больше работы. На подключение аппаратов ты тратишь больше времени, чем на сам процесс написания музыки»

Будущее?…

«В будущем году меня ждет огромное количество совместных работ, результат которых, вы все когда-нибудь услышите.  Среди них коллабы с Abstract Elements and Fracture, жду их с нетерпением. Om Unit мне сказал на днях, что хочет поработать вместе, и я после этого осознал, ведь мы с ним уже как 3 года назад начали нашу работу, а трек так и не появился».

Перевод: Rustee (c) 2016

We need to talk about Damon Kirkham



 

2ef874140128

«Один из самых значимых альбомов в drum’n’bass,halftime, dubstep и bass музыке  – Never Ending вышел на лейбле Commercial Suicide”.  Rewind. Июнь 2006г.

Даже спустя 10 лет альбом не растерял своего боевого заряда. Темное, бескомпромиссное звучание с dubby влиянием и  с политическим подтекстом до сих пор резонирует и привлекает наш интерес как слушателей. А благодаря мощному развитию halftempo движения в последнее время  можно сказать, что альбом приобретает особенную ценность. Послушайте его еще раз и прочитайте  историю создания выдающегося альбома.

Спросите у любого, кто занимается halftempo звучанием, и наверняка, все назовут вам имя Amit как одного из первопроходцев  подстиля. Сам музыкант в этом отношении остается скромным. Сам он с бОльшим удовольствием вспоминает творчество Digital и рассказывает о том застое в drum’n’bass музыке, свидетелями которого мы все стали на пороге нового тысячелетия.

«Для меня drum’n’bass стал тогда стерильным, было ощущение, что всё создавалось по одному лекалу. И можно сказать, что тогда я разлюбил этот стиль. Шел 2000-й год. Всё, что выпускалось тогда, было ориентировано на нужды танцпола, арранжировки были шаблонными» – объясняет нам Amit – «И это начало меня откровенно раздражать. Я хотел чего-то уникального и собственного, но как заявить о себе тогда я не знал. У всех были одинаковые пресеты, одинаковые миксдауны,одинаковые звуки. Потом Digital выстрелил своим треком «Deadline» и, судя по всему, расколол сцену пополам. И дело было вовсе не в качественном миксдауне или в чем-то таком, дело было в настроении  самого трека и атмосфере. Этот мощный вайб стал именно тем, что связало людей и культуру в то в то время».

Вдохновленный окончательно и бесповоротно, Amit нашел творческий выход своим разнообразным  предпочтениям (от Дэвида Линча и панк музыки до мировой политики и творчества King Tubby). В 2002 году выходят его первые треки «Erazer» и «Snake Pit». И как раз на лейбле L Plates принадлежавшему Digital. Ни один из них не вписался в существовавшие тогда drum’n’bass рамки.

«Я помню, как отправлял «Erazer» разным ди-джеям и слышал в ответ «А это разве drum’n’bass? Это же не звучит как drum’n’bass!» – объясняет нам Amit – «Трек вышел у Digital на лейбле и медленно,но верно люди стали обращать внимание на такое звучание. Среди них были Klute, Marcus Intalex, Randall. John Peel взял треки на радио. Все тогда задавали один вопрос «Это что вообще такое? Откуда этот звук?».

Самое пристальное внимание обратил тогда на новое звучание Klute, и  у Amit появился новый соратник. Klute сам тогда был сродни волка-одиночки на drum’n’bass сцене, выпуская двойные альбомы, где отдельное место отводилось techno музыке. Им обоим был близок дух панк культуры.Объединившись, двое музыкантов приступили к плотной совместной работе над релизами (среди совместных работ стоит отметить провокационный трек «Kunt Kicker» в 2007 году). Первым релизом от Amit на лейбле Commercial Suicide стал «Roots» в 2004.

«Roots–  тогда зацементировал, я считаю, это звучание. Люди пытались подстроить сеты по скорости. Goldie звонил и спрашивал о том, как я начал писать такие треки» – рассказывает музыкант.

В 2004 году для Amit началась история карьеры, связанная с лейблом Metalheadz. Воодушевленный подобным звучанием Goldie пригласил Amit записать ряд работ, первой из которой стал трек «Pirates». В дальнейших  интервью владелец легендарного импринта признавался, что звучание Amit повлияло на него в большей степени при создании halftime боевика «Shanghai Dub»в 2009 году.

На фоне уверенного выхода релизов, параллельно велась работа над дебютным альбомом. Необходимый для него импульс уже был накоплен. В 2005 году, когда всё встало на свои места, Amit сделал свое громкое музыкальное заявление всему миру, выпустив полноценный альбом. В этом альбоме было всё, что делало Amit уникальным музыкантом – его творческий дух, подход к работе в drum’n’bass контексте.В это же время происходил мощный подъем dubstep движения. Постепенно распространяясь музыкальный вирус покинул родную Великобританию и достиг мировых берегов. Заслуга во многом принадлежит Mary Anne Hobbs, которая несла эту весть из города Кройдон. Став одним из главных подстрекателей dubstep бунта, она регулярно играла вязкие, притехнованные, мощные halftempo  боевики от Amit в своих сетах, где звучал материал на скорости 140.

«Dubstep стал частью общего музыкального движения. Помню, как ходил на вечеринки «FWD>>», чтобы услышать Mala и Loefah. Тогда я чувствовал, что я стал частью их движения, поскольку в моей работе с drum’n’bass я приближался скорее к dubstep звучанию»- говорит Amit.  «Незадолго до выхода «Never Ending» Mary Anne Hobbs буквально влюбилась в мое звучание и начала активно раскручивать мой материал вместе с передовым dubstep. Тогда жанр только зарождался и существенной разницы мало кто замечал. Помню, как Gilles Peterson брал  у Skream интервью и тот признавался, что если речь заходит о drum’n’bass, то мое звучание ему нравилось гораздо больше, чем то, что записывалось до этого».

4 года спустя Scream запишет трек под названием «Amity Step»  – дань уважения перекрестному фьюжну, который так мастерски Amit донес до слушателя в своем альбоме. От доводящей до клаустрофобии плотности «Live In India» до минималистичных стуков и дабового эха на «Night Shift» на фоне острого политического подтекста в треке «Swastika» для Amit этот альбом не стал просто дебютным. Здесь музыкант поработал гораздо глубже, заложив причино-следственные связи для будущего звучания, которому предстояло год за годом набрать нужные обороты, и даже спустя 10 лет после выхода альбома.

«Это было интересное время. Я не стоял и не кричал на всех перекрестках, мол послушайте мое «новое и непохожее ни на что звучание». Я не выделял его в каком-то элитарном смысле» – объясняет Amit – «Работа в любом жанре начинается с полноценного исследования, причудливой дикости результатов и форсирования творческих технологий. После того как ряд треков можно выделить в жанрообразующие, люди берут эти наработки и используют созданный фундамент  уже в своей работе в рамках созданного жанра. Именно так произошло с drum’n’bass музыкой, когда начинал я.  Взять к примеру, house музыку Когда-то в ней было столько же брейкбита, сколько и ровной бочки. Теперь же это в, основном, ритм 4х4. Порой находятся люди, кто устал сидеть на своем теплом, насиженном месте, и кто хочется сломать устоявшиеся правила. Именно это некоторые из нас и сделали 15 лет назад. И это то, что сейчас пытаются делать другие».

перевод: Rustee (c) 2016

10462936_853446488081496_2514739073307910085_n

“ Я видел будущее и имя ему DAAT…”

Jason Hockman [Os] родом из Нью-Йорка,США. В 2007 году он переехал в Монреаль получить докторскую степень по специальности «Музыкальные технологии», связанной с Hardcore, Jungle и Drum & Bass музыкой.

 Joseph Thibodeau [Mnemonic] из канадского города Оттава. В 2008 он приехал в Монреаль пройти обучение  и получить степень магистра на отделении «Музыкальные Технологии» по специальности «Сенсорные технологии и дизайн интерфейсов». Jason Os и Joe Mnemonic вместе – это электронный проект DAAT.

Их первый сингл  «Orange Line» увидел свет на лэйбле Offshore Recordings в 2012, за ним последовал «1999/Crashes» на собственном импринте Detuned Transmissions в 2013, а в 2014 на Subtle Audio Recordings  вышел их трек «Phytochrome». Отдавая дань уважения движению Autonomic эти работы эмоциональны, атмосферны, порой медитативны. Красивая и самодостаточная интерпретация жанра, который возник еще раньше, до них.

Но свое фирменное звучание проект по-настоящему обрел, выпустив альбом HVAC [Detuned Transmissions, 2014]. После лавины одобрительных отзывов от  музыкальной общественности, стало ясно – эти парни настолько талантливо деконструируют треки, что ноты и аккорды теперь становятся неузнаваемыми, завуалированными, а порой даже и ненужными в музыкальном полотне.  Органичный, абстрактный и в значительной степени экспериментальный альбом HVAC  является концентратом музыкальной сути для DAAT. Это манифест музыкальных инноваций и применения технологий, которые выводят творческий процесс за рамки привычных форматов. За успехом альбома у этого проекта последовало продолжение, на очереди был альбом ремиксов HVAC RMXD [Detuned Transmissions, 2015]. На нем мы слышим интерпретации вещей DAAT от известных продюсеров ASC, Method One, Overlook, Dyl, RQ, Justice & Metro, Books, Jalex и Gremlinz. А весной этого года мы ждем  новый релиз на лэйбле,  лаконично названный  «DTND004».

10352289_640869026005911_39540656668722288_n

Господа, с чего для вас всё началось? Как вы встретились? Когда начали записывать треки уже как DAAT?

Мы впервые встретились в Университете МакДжил в Монреале на факультете «музыкальные технологии». Сам я начал писать треки в 2008 году, после того как закончил обучение по курсу «Создание цифровой композиции», Joe тогда играл на трубе и выступал с  электронными “live” выступлениями, будучи в составе группы. В 2009 году мы записали первую совместную работу, но, по-настоящему, желание работать именно вместе к нам  пришло в 2011. С того времени мы стали больше времени уделять совместным трекам, а не отдельным собственным проектам.  У нас были одинаковые музыкальные предпочтения, но в первую очередь нас тогда объединила общая любовь к экспериментам. Нашим главным вдохновением стали саундтреки к компьютерным играм конца 80-ых –начала 90-х, музыка к кинематографу и все то, что на чем мы выросли.  Большинство работ той эпохи было создано при помощи ограниченного набора технических возможностей, минимализм в звуке стал  главным манифестом не только для нас, но и для многих других продюсеров нашего поколения.

Откуда возникло название проекта – DAAT?

Мы тогда искали название, услышав  которое, нельзя бы было подумать о чем-то конкретном.  Мы остановились на слове DAAT, это имя героя в нашем рассказе, который служил бы фоном для завершенных проектов. Прошли годы, а персонаж все еще остается частью нашего повествования, но теперь у него другой функционал и с ним связаны совсем иные контексты

Как сейчас происходит творческий процесс, ведь ты (Jason) живешь в Бирмингеме, а Joe остался в Монреале? Встречаетесь ли вы в студии? Расскажите нам о своей творческой динамике…

Мы стараемся из всех сил! Joe приезжает ко мне два раза в год и остается на месяц. И поэтому нам нужно максимально продуктивно поработать за это время.  В остальное время мы также обмениваемся идеями или набросками через интернет.  Жизненная ситуация, когда приходится работать по одиночке дает нам главное преимущество – каждый из нас привносит в процесс собственный подход и мы можем параллельно оттачивать какие-то собственные навыки. Весь прошлый год мы старались адаптироваться к новой схеме работы, пытаясь взаимодействовать максимально продуктивно.  Теперь мы обмениваемся файлами, в нашей системе мы видим все изменения в работе друг друга, имеем доступ к пресетам и определенным файлам.  У нас нет какого-то конкретного алгоритма по которому возникают треки, но мы их условно делим по категориям, в зависимости от выполняемых задач: концепция/философия, поиск сэмплов/запись сэплов, дизайн звучания, кодирование.

Как у вас получается увязывать разные философские понятия и концепты  в своей работе?

Если речь идет о связи нескольких разных концептов между собой, то у нас это получается самой собой. Мы оба всегда нацелены на решение проблем и стараемся находить позитивную сторону во всем, с чем сталкиваемся в процессе жизни. Поэтому у нас получается адаптировать новые концепты к нашим реалиям, которые мы создаем сами, без каких-либо проблем. В таком измерении существуют идеи, которые потенциально могут прийти к нам в голову. Наши действия или мысли должны всегда гармонировать с тем, что мы создаем в музыкальном плане. И если мы обсуждаем какие-то идеи, то выбираем несомненно ту, которая может нас вывести к гораздо большему количеству положительных результатов.

У вас есть заслуженная репутация новаторов в музыкальных технологиях. Мы знаем, что для релиза “Orange Line” (Offshore Recordings,2012) вы создавали собственные инструменты и кодировали барабаны. Расскажите о том, что  себя представляет ваш творческий процесс.

C самого первого дня мы используем кодирование и теорию обработки цифрового сигнала в нашей работе. Код использовался и раньше, но не играл большой роли в создании  трека. Со временем, его стали использовать чаще, и теперь мы создаем ассоциативные и случайные связи между звуками внутри абстрактного музыкального контекста, в отличие от обычного расположения звуков в соответствии с определенной шкалой времени. Полевые записи играют значимую роль в нашем творчестве. Большинство звуков из сырого материала для альбома HVAC было записано вблизи с системами вентиляции, отопления в главном корпусе университета Конкордиа в Монреале. В таких треках, как «Gynoid», «Meat Grinder», «Elevator» и практически во всем  треке «Apache» звучат  результаты наших полевых записей. Сейчас я почти постоянно использую сэмплы, работая с MAX/MSP. Вся запись ведется на микрофоны. Чаще всего мы используем рекордер Marantz PMD-661 с  Sennheiser MKH-416 или же встроенные микрофоны. Наша основная цель – уйти в использовании от привычного набора средств, работающих для выполнения определенной задачи. Я не люблю себя ощущать покупателем, которому что-то стараются продать. Я лучше  создам свой собственный аппарат для извлечения звуков или же буду пытаться найти способ, как это сделать. Благодаря дефициту появляются новшества, а творчество не может существовать без возникающих ограничений. Для нас важнее детально знать используемые нами технологии, чем просто обладать ими. И мы стремимся использовать все наши навыки и знания наравне с инструментами предельно по-максимуму. Каждая новая технология открывает перед собой нетронутую целину, на глубокое освоение которой потребуется немало времени, поэтому наша динамика в обновлении средств и методов не показывает таких уж быстрых темпов. Мы всегда считали, что большинство вещей вокруг диктуется рынком и законами маркетинга. Чтобы уйти от этого, мы придерживаемся DIY подхода в нашей работе.

581411_356529671106516_56470046_n

Ваш следующий релиз на лейбле выходит в начале весны. ПО ощущениям он монументален и походит больше на саундтрек к фильму. Какой был замысел при создании этих работ?

Все треки, вошедшие в релиз под названием DTND004 имеют упорядоченные связи между собой в отличие от треков в мультивселенной альбома HVAС. В этом конкретном мире планета полностью подчинена законам технологических процессов, и граница между машиной и человеком уже практически не очевидна. Индивидуальность существует в разных физических масштабах, но при этом она является элементом какого-то более совершенного, высшего организма. Например, волновой генератор в треке «7D» представляет собой живую форму колоссальных размеров, но при этом ее функция  – вырабатывать энергию для гигантских систем или организмов превосходящих во много раз по размерам её саму. В мире, где нечего больше исследовать, где знание и наука достигли своей крайне точки, что произойдет, если появится что-то неизвестное, например в море возникнет новый остров? Как поведут себя машины, какова будет их реакция? Где он, источник принятия решений? Куда утекает вся информация?10491161_663093437116803_4470021017620592559_n

Да, соглашусь, что готовящяяся к выходу EP будет отличаться от альбома HVAC,  в первую очередь своим существованием в иных плоскостях, здесь будет уже иное измерение. Хотелось бы услышать, как вы эту тему разовьете в дальнейшем.

Работа над альбомом HVAC, в конечном итоге, привела нас к идеям, которые уже освоили музыканты в других жанрах, черпая их  из разных источников (например, 走る男  это наш поклон аниме короткометражке с точно таким же названием в коллекции Neo Tokyo). Для нас, при создании альбома, были очевидны рамки этого подхода. И после этого мы четко решили для себя, что пришло время создавать всё собственное, с нуля. Героев, алгоритмы взаимодействия, транспорт и все остальное. И если вспомнить как шел процесс, то всё началось с интро, в качестве которого выступил звук осциллографа. Но это всего один из ключевых элементов, которые мы  пытались создать, работая над EP.

После альбома HVAC, команда, работающая на лейбле DTND во главе с Aaron Minerbrook/4Eyes, главным дизайнером и визуализатором, принесла нам список машин и агрегатов, которые могли бы населять наш следующий воображаемый мир. И также они перечислили, какие бы звуки бы могли от них услышать. Трек «Rust», например, это 4-5 моментов при прослушивании звучания машины по виду напоминающей танк.  В этот раз мы умышленно отказались от создания механизмов, вписывающихся в чужие миры, так словно их создавали бы Оcии/Кроненберг/Цукамото/Гибсон. Теперь все персонажи вписаны в наш собственный мир. Но и в дальнейшем, надеемся, что слушателю будут по-прежнему очевидны источники нашего вдохновения.

Ваши живые выступления также по-своему уникальны, мы знаем, что вы объединяете элементы зарисовок, наряду с импровизацией, создаете композиции в реальном времени при помощи множества устройств (консоли, контроллеры,радиопередатчики). Те, кто был в клубе Corsica Studios в конце 2015 года на вечеринке Rupture могли в этом убедиться.

Мы начали практиковать миксы с использованием настоящего радио или эмуляции еще в 2014, когда вели регулярные радиоэфиры нашего шоу «Detuned Radio Sessions» на Jungletrain.net. Мы выходили online каждые две недели. У нас тогда была отличная возможность опробовать эту задумку в реальном времени и изучить как работает радио на сигнальном уровне. Но времени углубиться в эту тему, к сожалению, тогда не было и у нас не получилось отработать эту технику полноценно. После того, как мы завершили вещать online, у нас возникла возможность уделить больше времени поиску новых технических приемов и разработке систем, которые мы применяем для создания треков с последующей интеграцией результатов в «live» выступления. Выступать на мероприятии от Rupture было очень для нас волнительно. Это было словно настоящее испытание, с одной стороны мы могли опробовать всё наше оборудования, очень необычное в использовании, и с другой услышать звук на отличной саундисистеме. Кстати, спасибо Double O, который работал с микрофоном. Это было по-настоящему мощно! Внутри помещения всё ходило ходуном, словно были внутри огромной гигантской машины. Публика была с нами на одной волне. Именно так мне всё себе и представляли, когда готовились в выступлению.

1380239_517193011706847_1065052113_n

И в заключение, расскажите о своем лейбле Detuned Transmissions. Ведь это платформа для развития новых направлений аудиовизуальной работы внезависимости от формата. У лэйбла есть своя эстетика, в основе которой лежат ключевые для вас концепты: «передача», «прием», «взаимодействие».

Несколько лет назад мы все таки решили открыть собственный лэйбл при поддержке нашей друзей Aaron Minerbrook (4Eyes),который занимается дизайном для лэйбла и Alexander Foy (автор проекта organicbeats.co.uk), отвечающего за ведение дел лэйбла и пропаганду. Мы думали о упаковке аудио и визуального контента особым  способом, чтобы в результате получался настоящий, полноценный опыт, который переживал бы слушатель/зритель. Далее по каналу передачи к человеческому разуму.  Характер передатчика, особенности среды и тип реципиента зависят от того опыта, который он намерен получить.  Всегда интересно рассматривать эту целостную цепочку «передача/прием» как способ установления устойчивой связи с  сознанием через расстояния на физическом уровне. «Взаимодействие» и управление «передачей» всегда добавляет остроты в эту схему. Самый волнительный элемент. И если ваш понятийный аппарат выдает ложное за действительное, то что тогда может считаться действительным? И каким образом вы отыщите правду?

daat-biography-interview

Интервью: Michael Burns Rob Vndnnwnhysn

Особая благодарность: Alexander Foy (менеджер лэйбла Detuned Transmissions)

Перевод: Rustee (c) 2016

NXhmtM9P1N4

“Второй подкаст из серии Source.Echo подготовлен проектом DAAT и включает треки с готовящегося к выходу релиза на Detuned Transmissions (DTND004) наряду с неизданным материалом и работами, записанными специально для этого подкаста. Музыкальное повествование предстает перед нами в виде переключения частот в радиодиапазоне, в мире, в котором всеми радиостанциями управляют машины. Здесь речь не идет о схемах автоматизации, по которым работает радио сегодня, это больше относится к вопросу будущего, в котором DAAT видят целесообразность кардинального пересмотра подхода к радио, как к формату. Назовем это, воображаемый мир музыкантов DAAT, где радио служит инструментом для удовлетворения прихотей искусственного интеллекта, работающего в областях, таких же противоположных как образовательное вещание или вещание для определенных сообществ. Множество голосов, как человеческих, так и искусственных, теперь всё чаще слышны в эфире. Часовой микс от DAAT служит нам проводником сквозь толщу хаотичной какофонии, в которой слушатель без труда узнает характерный мир, созданный воображением музыкантов. Влияние идей киберпанка проходит через всё творчество дуэта, погружая нас в мир дистопий, и открывает нам новый взгляд на текущие работы музыкантов”. (c)


DAAT:
Facebook: www.facebook.com/daatmusic/timeline
Detuned Transmissions:
Website: detunedtransmissions.com/
SoundCloud: @detuned-transmissions
Facebook: www.facebook.com/detunedtransmissions/timeline
Twitter: twitter.com/D_T_N_D

 

12494979_1037545692954857_6087207461600842246_n

О треклистах

Совсем недавно  я прочитал где-то пост на тему треклистов, и после этого задумался, а какое же мое собственное отношение к этому вопросу.
Очевидно, моя позиция – не публиковать треклист при первом же случае. Почему? На это есть множество причин. К примеру, в основе культуры Dj-инга всегда было желание сыграть музыку, о которой никто не знает. Dj-и в 60-е годы, игравшие музыку Northern Soul специально пересекали океан, чтобы отыскать лимитированный тираж семидюймовых синглов в Штатах, где печатались эти пластинки. В каком-то отношении движение Northern Soul может ассоциироваться именно с конкретными клубами и определенными dj-ями, благодаря которым эта музыка могла быть услышана.

Двигаемся дальше, более знакомая мне тема  – музыка hardcore/jungle. Именно так я услышал эту музыку, будучи подростком. Пиратские станции и кассетные записи, и о каком треклисте тогда вообще могла идти речь. Ты слушал своего любимого dj-я, записывал его сеты на радио, а потом отправлялся в магазин пластинок  с кассетным плеером, чтобы спросить у продавцов, есть ли у них именно эта пластинка. Сам процесс покупки пластинок мог затянуться на целый день. И вот ты стоишь, отслушиваешь пластинки с белым яблоком и вот тебе – БАХ!!!-  эта та самая! Именно её ты и разыскивал.  Со временем ты  знакомился с продавцами и дружил с ними, в этом случае они могли придержать что-нибудь из пластинок, пока ты едешь к ним.

 

А потом я сам стал записывать треки и стал частью этого большого движения. Весь смак был именно в дабплейтах и тому, кому из DJ-ев ты их отдавал. Ты сам  старался изо всех сил, налаживал связи с Grooverider  или  Randall, чтобы твои пластинки появились у них в кейсах. Но если это удавалось, ты был уже уверен на сто процентов, что твою музыку они получат самыми первыми. И к тому же, как продюсер, ты получал сплошные профиты, ведь эти dj-и не говорили никому из конкурентов, чьи пластинки они ставили.

В начале 90-х между продюсерами и dj-ями была определенная разница. Никто тогда и не мог предположить, что человек может заниматься и тем, и другим. В то время, винила продавалось достаточно и  продюсеру не приходилось  играть свой материал отдельно. Ну и уважение к искусству dj-инга тоже было в приоритете. Некоторые могли сделать так, чтобы эта музыка звучала лучше несведенной, чем в миксах у dj-я, или же наоборот.  Да, и кстати, далеко не все хотели заниматься и тем, и этим одновременно

В то время, для меня, в сознании был некий сдвиг. Тогда же вышло интервью (вроде в журнале Wax ), где Grooverider’a неправильно, скорее всего, цитировали. Он тогда сказал, мол: «Я хочу поблагодарить всю эту челядь, типа Dillinja». Я помню тогда, музыканты нешуточно возмутились, типа: «Челядь? Dillinja?»

Мы пишем эти треки, ты играешь их, это разве так сложно?  А потом появились dj-и и продюсеры в одном лице.  Мы хотели полностью контролировать контент  и чтобы нас приглашали, именно благодаря тем трекам, что мы пишем и играем. Мы создавали музыку для самих себя, и получали удовольствие от того, что продюсер, чьи треки идут следующими, не имеет у себя этого трека. И мы видели реакцию публики на свои вещи. И от этого нам хотелось писать что-то еще более интересное и оригинальное. Получалась этакая дружеская конкуренция между продюсерами и благодаря которой появилось самое лучшее в истории drum’n’bass музыки.  Хороший пример – это Optical и Matrix, целью которых было превзойти друг друга. Возьмите тех же Source Direct и Photek или то, что было позднее у Bad Company и лейбла Virus.  Мы слышали всё, что нарезалось на неделе в офисе Music House и думали про себя: «О,нет! Только, чтобы ни у  кого это не было». Но, так или иначе, мы обменивались музыкой, если даже это был экслюзив, то это имело смысл. Дабплэйты были удобной штукой тогда, да и сейчас остаются важной частью культуры. Важно понимать, что многое тогда создавалось нами без привязки к музыкальным вкусам аудитории.

 

Благодаря интернету аудитория стала ближе к продюсеру, и я могу поспорить с тем, что именно публика диктует, что записывать продюсеру и то, что результат этого процесса далеко не всегда положительный. Да, музыка у некоторых продюсеров изменилась, она стала более понятной  для аудитории, таким образом отклик уменьшился за счет увеличения количества выпускаемых треков. А есть ведь и такие, кто творит не ради этого. Эти продюсеры записывают треки, которые им по душе  и довольствуются той скромной властью, которая есть у них над собственными творениями.

Я как-то беседовал с Calibre на тему, кто как защищается в отношении собственной музыки. И сейчас никто больше не хочет делиться музыкой напрямую, и мы получаем весь материал только за месяц до выхода работы в свет. И в чем тогда смысл? Большинство треков, которые приходят мне на Exit помечены «не играть на радио или в миксах». Я думаю, это позор. Мы,как лейбл, чувствуем за собой вину по отношению к dj-ям за то, что даем им так мало  времени перед выходом релиза, чтобы отыграть тот или иной трек. Время неумолимо сокращается и это ничто иное, как результат борьбы за продление «срока жизни» этой музыки. Аудитория хочет знать всё, и это надо принимать как данность.   По сути, у нас есть пара недель для того, чтобы успеть продать пластинку до того, как появится что-то новое на горизонте.

Тот факт, что мы не распространяем информацию о готовящемся к выходу треке или EP  связан напрямую с этими моментами.

Я знаю многих продюсеров, которые недовольны тем, что я играю их материал в своих сетах, но я более чем уверен, что не нужно думать о треклисте от первого трека и до последнего, а следует просто отдавать свои вещи dj-ю, тогда и проблем никаких. Аудитория все равно не узнает кто автор трека и его название. Так что,  пусть вернется ощущение загадки и удовольствия от поиска нужной композиции. Я, например, искал 19 лет один трек.  Да, кстати, dj-и также слушают миксы своих коллег. Многие меня спрашивают о треках в моих миксах, на что я отвечаю им: «не обязательно знать треклист наизусть», и в большинстве случаев не даю треклистов.

Со времен Autonomic, когда  у тебя не было треклист, то это было круто, возникал таинственный ореол вокруг треков. Этого не хватает сейчас. Тогда, на тематических форумах, то и дело возникали многочисленные посты, это поклонники всё пытались восполнить пробелы в треклистах. Но я хочу, чтобы все запомнили то, что вы слышали тогда в подкастах – это всего лишь наброски к трекам, которые так никогда и не увидят свет.  Мне думается, что и слушатель, и продюсер, должны это осознавать. То, что это было записано и сыграно вовсе не означает, что эта работа достаточно хороша, чтобы ее издавать. Нарезка дабплейтов – это своего рода фильтр качественной музыки. Я ведь не хочу тратить 25 фунтов на всякий шлак…

Возможно я старею и возможно исторически сказывается эпоха в которой я вырос, но именно такого мнения я придерживаюсь.  Во многом, благодаря интернету музыка стала уделом ленивых, сейчас одних только пресетов и приложений пруд пруди, не говоря уже об искуссстве dj-инга как такового.  Будем честны перед самими собой – это вовсе несложно и нисколько не напрягает. Если вы dj-й, то что у вас остается после всего? Подборка.  Так вот поэтому я больше чем убежден, если никто до меня не проделывал тяжелейшую работу – то с какой стати буду делать её для вас я?

Я закончил брюзжать.

dB

 

lHmMsJYJM2MОдной из самых значимых характеристик drum-n-bass музыки в самом своем начале была неповторимость. И едва ли кто-то мог превзойти в этом бристольский лейбл Full Cycle. Костяк лейбла всегда был представлен четырями участниками – Roni Size, Krust, Die и Suv. Один за одним лейбл продолжал издавать неповторимые работы, которые было не под силу никому сыммитировать. Это звучание можно было мгновенно узнать с само первой пластинки, выпущенной в 1994 году. Музыкальность, изящность работ издаваемых на лейбле стали фирменным знаком качества.

Full Cycle никогда не принадлежал к числу лейблов, который штамповали только самые крутые работы от самых крутых ребят, хотя при этом сами же четверо музыкантов именно таковыми и являлись. По отдельности или же совместно под другими псевдонимами (I Kamanchi, Scorpio, Breakbeat Era или Reel Time) они продолжали записывать новое и каждый новый трек был ни чуть не хуже предыдущего. В какой-то момент был открыт второй лейбл Dope Dragon и благодаря ему мы увидели еще больше псевдонимов от известных нам продюсеров: Mask, Gang Related, Swabe, Bigger Star. Но релизы не ограничивались только лишь работами этой четверки, здесь работали и талантливые единомышленники: Clipz, D Product, Bill Riley и Surge среди прочих.

Full Cycle никогда не принадлежал к числу лейблов, который штамповали только самые крутые работы от самых крутых ребят, хотя при этом сами же четверо музыкантов именно таковыми и являлись. По отдельности или же совместно под другими псевдонимами (I Kamanchi, Scorpio, Breakbeat Era или Reel Time) они продолжали записывать новое и каждый новый трек был ни чуть не хуже предыдущего. В какой-то момент был открыт второй лейбл Dope Dragon и благодаря ему мы увидели еще больше псевдонимов от известных нам продюсеров: Mask, Gang Related, Swabe, Bigger Star. Но релизы не ограничивались только лишь работами этой четверки, здесь работали и талантливые единомышленники: Clipz, D Product, Bill Riley и Surge среди прочих.

После 15 лет успешной работы, после того как сформировалось «внутреннее ядро» лейбла, лейбл менеджер решила выйти замуж за музыканта Huey Morgan из коллектива Fun Lovin’ Criminals, и лейл, подобно многим своим конкурентам, прекратил свое существование. Но это пустота оставалась ничем не заполнена. И чем больше проходило времени, тем больше она становилась.

 В 2014 году Size открыл свой лейбл под названием Mansion Sounds, основным звучанием которого стал коммерческий drum-n-bass. Здесь же вышел альбом «Take Control» и концертная запись выступления проекта Reprazent  «Live At Colston Hall». Парой лет раньше Krust открыл собственный импринт Rebell Instinct, который стал основной платформой для воплощения творческих идей музыканта.  В это же время Die продолжал работать с drum-n-bass, сохраняя при этом фирменное звучание и экспериментируя на своем лейбле Gutterfunk. Suv по-прежнему работает с разными стилями музыки, но при этом далеко не уходя от drum-n-bass. Совсем недавно они вместе с Krust перезапустили проект своей hip-hop юности под названием Fresh Four.

И неважно, чем занимаются нынче участники лейбла, мы знаем главное, легенда Full Cycle жива по сей день. После длительного перерыва и бесконечных вопросов от фанатов Size и Krust наконец-то готовы сдуть пыль с DAT кассет, хранящихся  у второго участника на чердаке. Они отфильтруют материал и свет увидят ранние работы, которые никто еще никогда не слышал. Кроме того новое поколение артистов для Full Cycle уже рвется в бой. Добавим, что эти двое уже колесят вовсю с гастролями в поддержку перезапуска лейбла, играя в сетах по 4-5 классических трека, миксуя их с новым материалом. Слушатель теперь может прочувствовать в реальном времени настоящие jungle вибрации.

Почему лейбл Full Cycle прекратил свое существование?
Krust: К моменту когда лейбл был открыт, мы уже пару лет плотно сидели в студии. У Roni была своя студия. Я работал тогда с Die и Suv. Жил я в маленьком комнатушке у Smith & Mighty, там же работал над битами. И у нас к этому времени накопилось такое огромное количество треков, что проблем с материалом для нового лейбла просто и быть не могло.  Годами мы записывали без передышки, режим был нон-стоп. Это поразительно просто. 10 лет к ряду мы ни на секунду не останавливались.  Унас было расписано по дням и часам: ди-джейское выступление – гастроли – ди-джейское выступление. Потом нас подписали мэйджор лейблы. Мы засели тогда в студии, работая над моим проектом и альбомом Reprazent. После этого я уже больше никого не хотел видеть снова. Настолько мы морально были истощены. Нам нужен был тайм-аут. Продолжать работать в прежнем режиме мы уже не могли. И каждый пошел своей дорогой.

Size: Лейбл зашел в тупик. Каждый из нас, и я в том числе, тянул одеяло на себя. Нам не хватало единого мнения. И каждый решил для себя в каком он направлении собирается двигаться дальше. Мнения часто не совпадали, поэтому каждый из нас занялся чем-то своим. Лейблу нужно было развитие, но в тот момент он сам по себе не был к такому готов. Я для себя решил, что продвигать лейбл сам я не стану, это будет неправильно, потому что изначально не было таких намерений. Наш лейбл менеджер уехала – и мы попытались эту нишу чем-то и как-то заполнить. Сам бы я не смог всё сделать. Наступил самый подходящий момент, отойти от дел и оставить наше детище, словно это был спящий великан из сказки.

Зачем перезапускаете лейбл теперь?
Size:  Для меня, эта идея всегда сидела где-то в подкорке мозга, что-то должно измениться и произойти  с лейблом. Дело было за верным расчетом схемы и полным осознанием, что лейбл будет работать правильно. Мы много гастролировали в прошлом году и многие из поклонников обращались к нам с одним и тем же вопросом. Были даже отчаянные с тату в виде логотипа. Были и те, у кого дома лежал полный бэк-каталог наших релизов, будь то Dope Dragon или же Full Cycle. Если бы их пригласили на викторину и начали бы задавать вопросы про историю лейблов, уверен, они бы смогли ответить больше, чем я сам. Стало понятно, что слушателю нужен этот звук, его не хватает в нынешней ситуации. Есть музыканты, которые стараются скопировать наше звучание и на этом заработать денег, но это все равно что заменить брэнд  Nike другими именем. Другого Nike никогда не будет.

 Krust, ты 5 лет ничего не записывал.  Что заставило вернуться обратно к Full Cycle?

Krust:  У меня была возможность собрать библитеку самплов, и это помогло мне сдвинуться с мертвой точки. Какой бы ты музыкой не занимался, всё равно ты зацикливаешься и попадаешь в плен стереотипов. Тебе необязательно верить в то, что говорят люди, но если все таки это случается, то ты замыкаешься в своих привычках или в обычном образе действий и начинаешь топтаться на месте. Так и случилось со мной. Я не создавал ничего нового. У меня не было свежего материала. Я тащил по-прежнему ту же самую ношу, что была со мной на протяжении 20 лет. Потребовалось какое-то время, чтобы от этого избавиться. Я создавал библиотеку сэмплов, и благодаря этому смог добиться нужного результата. Теперь у меня была возможность не завершать работу над треком. Мне нравится проводить время в студии создавая новый звук. И если кто-то мне скажет «Вот тебе деньги, срок 2 месяца, от тебя нужны новые звуки», то это будет круто.  Это дает тебе свободу. Мне теперь не нужно завершать трек. Всё чем я сейчас занят, так это создание новых звуков и за это мне платят. Нынче, я находясь в студии, всегда думаю о создании трека именнно с этой позиции и это дает мне абсолютную свободу. Я не думаю о финализации трека или же о том, как мне создать тот трек, который бы меня полностью устроил. Новый подход позволяет мне заниматься музыкой в совершенно ином качестве. Это произошло 6 лет назад и с того момента я по-настоящему окрылен. Когда Size рассказал мне о перспективе вернуть Full Cycle, я подумал: «Я готов. Готов к чему-то новому. Готов от души повеселиться. Готов поделиться новой музыкой и посмотреть, что из этого получится».
А участники оригинального состава, конкретно Die и Suv, будут принимать участие в перезапуске лейбла?
Krust:  Каждый занимается собственным делом.

Size:  Мы ждем начала новой эпохи для лейбла Full Cycle.

Значительная часть из того, что будет издано на лейбле, это ранее неизданный материал, начиная с 1993 года. С самого первого релиза на лейбле под названием Formulate EP. Как считаете, это звучание, впишется ли оно в современные музыкальные реалии?

 Krust: 

 Звучание нашего лейбла наиболее аутентичное из всего того, что существовало все эти годы.  Неважно, в каком жанре трек, у нас есть собственное оригинальное звучание, которое выдержало испытание временем. Прошло 20 лет с момента, когда мы начали создавать музыку.  И сейчас молодежь учится по нашим трекам, пытается копировать. Они пытаются звучать именно так, как звучали мы 10-15 лет назад.   Мне приходят смс и электронные письма, в которых люди пишут: «Как бы я хотел, оказаться в прошлом и попасть на вашу вечеринку в клубе The End или в то время, когда вы играли в Lakota». Они сами хотят убедиться воочию в потенциале этой музыки. Прочувствовать атмосферу. Проникнуться настроением тех лет. Для них важно увидеть тех самых людей за вертушками, играющими именно эту музыку. Для них это будет новый музыкальный опыт. Прямо сейчас на музыкальной сцене происходит застой. Нет оригинальных идей. Звуки извергаются словно из жерла вулкана. Мы на той точке в культуре, когда не может появиться ничего нового. С возвращением Full Cycle и появится новый, свежий звук, которого нам не хватает. Да, мы могли бы играть только лишь старый материал, ставший классическим, но у нас естььи абсолютно новые вещи, над которыми мы работаем с Size. Также ждут своего времени треки от идеалогически близких нам артистов, новичков, которые прекрасно разбираются в менталитет, методологии, психологии нашего лейбла. И которые понимают, каков должен быть Full Cycle звук. Наступают удивительные времена.

Планируете ли вы также издавать работы и других музыкантов из оригинального состава?
Krust:  Мы  обязательно прослушаем то, что к нам попадет из музыкального материала. И если нас всё устроит, то бы обязательно это выпустим

Что нужно, чтобы стать артистом, подписанным на лейбле Full Cycle?
Krust: .У нас очень специфичное звучание и мы будем его всегда придерживаться. На лейбл Full Cycle не попадет случайный человек. И это не лейбл из множества, куда вы можете просто отправить свои демо. Это религия, это культ. Ты должен работать с нами, жить с нами, а потом мы посмотрим, что с тобой будет спустя 8 месяцев. Одной из главной наших причин, почему лейбл всегда оставался таким каким вы его знаете, так это потому что мы проводили сутки напролет то в студии у Size, то в дома у  Die, то гостили у Suv. Мы буквально жили друг у друга, все четверо. Говорили обо всём, любые темы: политика, сэмплирование, технологии, драмбрейки, клубы и вечеринки. На всех у нас было одно дыхание, и это продолжалось месяцы, годы. Поэтому тусовка и была всегда сплоченной, мы всегда были рядом друг с другом. Настолько глубоко мы понимали нашу цель и знали прекрасно откуда мы пришли. Наши юные годы прошли под звуки hip-hop и reggae. Мы пережили эпоху политики Тэтчер, расизм. Знаем би-боев, модов, панков, рокеров. Мы понимаем все эти культурные нюансы. И для нас важно, чтобы музыкант, который хочет  снами работать, понимал их так же хорошо, как и мы. Мы выстраиваем новые взаимотношения. В наших руках материал для нового фундамента, и чтобы его завершить потребуется время.

Скажите, а как старые треки прозвучат на современном оборудовании? Вы что-то делали со старым материалом, чтобы улучшить его звучание?

Size:  Это всё зависит от типа аппаратуры, на которой ты играешь старый трек. И от мастеринга, конечно. Когда в сете ты играешь старый материал наряду с новым, то чувствуется разница. Вот почему лейбл должен вернуться и возвратить тот звук, чтобы не было такой разницы. У меня достаточно старых релизов, чтобы отыграть часовый сет, как минимум, и я знаю, всё будет звучать более чем круто. Конечно, после меня может встать кто-то у кого и бас пожирнее, и треки погромче. Но каждым должен заниматься своим делом.  Насколько громче должен звучать мой трек?Krust:  Я часто играю на рэйвах всякий старый материал, и еще ни один не заявил мне о качестве звучания. Люди ведь приходят за новым для себя опытом. Перед тобой абсолютно новая аудитория и для нее то, что ставишь из старого, будет звучать иначе, чем более современный материал, и в этом её уникальность. Они пришли услышать «старую школу», и им сейчас столько же лет, сколько было нам тогда. Мы слушали тогда funk, музыку из предыдущего десятилетия, выпущенную на виниле. И мы ставили эти пластинки на проигрыватели Technics 1200. Мы любим то звучание, и сейчас ситуация выглядит аналогично. Молодежь также любит эту музыку, для них она звучит иначе. Знаете говорят: «Я не сяду за руль этой старой машины, потому что новая машина куда лучше». Это не машина, это классика, почему бы не сесть за руль.

 

 

 

B1lsiC0eFws

Goldie рассказывает нам о начале своего творческого пути и о том, как владельцы лейбла Reinforced (Dego и Marс Mac) прописали исходный код для легенды drum’n’bass музыки.
В 1988 я вернулся в Британию. До этого я жил какое-то время в Нью-Йорке и Майями, занимался своими graffiti проектами и, в общем-то, медленно тонул в городском болоте. Вернувшись, я решил не ехать к себе в родной город в Мидлэнде, а остался в Лондоне. Я остановился у парня по имени с Gus Carl, который снимал в свое время документалку о graffiti под названием «Bombing». В этом фильме засветились и мои английские работы. Он жил тогда в легендарном месте, где можно было проводить бОльшую часть своего времени рисуя, что я, в общем-то, и делал.

Я часто выбрался в Camden, посмотреть, как там дела идут на музыкальной сцене. В то время царила эйфория acid house музыки, полным ходом шла перестройка в сознании людей от indie музыки к rave звучанию. Для меня это всё было ново. Частенько я заходил в клуб Wag, знаменитое тусовочное место. Что-то вроде города над землей, но находился клуб как раз именно под ней. Клуб Brain в Soho был еще одним из моих любимых заведений. Тогда мне говорили разные люди: «Слушай, тебе обязательно нужно сходить в Rage». В то время я начинал встречаться с Kemi (позже она стала ди-джеем). Я пытался несколько раз ее вытащить в тот клуб, пока она сама не сказала в один прекрасный день: «В общем, я иду в Rage». Именно этого я и хотел.

Все уже знают эту историю. Я пошел в Rage и вышел оттуда с легким помешательством рассудка. После этого раза Kemistry взяла меня с собой в клуб Astoria, в котором в тот вечер выступали живьем 4 hero. Dego и Marc стояли на сцене с Ian (The Rebel). Увидав это всё, я подумал: «Это то, чем я хочу заниматься». Я подозвал Marc к краю сцены и дал ему свой номер телефона со словами: «Слушай, я много рисую и всё такое, хочу поработать с тобой».

Вскоре после этого я поехал к ним на студию в Dollis Hill. И первым делом, я переделал дизайн логотипа их лейбла Reinforced. Так было положено начало нашим отношениям. Эти парни редко куда-то выходили. Marc проводил все дни и ночи на пролет с аппаратами для саунд систем, и Dego тоже не был фанатом клубов. Но я то всегда любил куда-нибудь выбраться. Тогда я был буквально в гуще всех музыкальных событий.

Marc и Dego меня тогда буквально запрограммировали в музыкальном плане. У нас была даже такая шутка, когда я иногда мог набрать по телефону Marc и сказать ему: «Слушай, братан, меня нужно отключить». И он мне отвечал на это: «Мы тебя запрограммировали – и ты никогда не остановишься. Переходи на автономный режим». Что-то типа сцены из фильма Blade Runner. Для меня это очень личное, особенно взаимоотношения с Marc. Можно сказать, что моя сталь закалялась вместе с Reinforced.

Я очень хотел с ними работать и предложил записать совместную EP. До этого я уже успел поработать с парнем из Исландии, который вдохновлялся брейкбитами и общим rave настроением. Его звали Ajax Project. Мы с ним записали 4 трека, и выпустили на пластинке с белым яблоком. Когда я создавал эту работу, мы только начинали встречаться с Kemi. Представляешь, я иду на завод пластинок, забираю тираж, кладу всё в машину и еду в магазин Moles Music в Tottenham. Потом их распродают и снова запускаем тираж в работу. И когда я предложил поработать вместе на Reinforced, оказалось, что Marc уже слышал наши треки с Ajax Project. Тогда он сказал мне: «Так это ты тот парень, что выпустил эту EP?». Тогда я подумал: «Да, это я. Я хочу попробовать сделать что-то другое. Парни, ваше звучание – это просто фантастика». И я им сказал: «Давайте, скинемся на гребанную студию. Вы половину и я половину». По меркам того времени вложить 750 фунтов в неизвестного парня было просто неслыханной авантюрой. Они тогда мне просто поверили. Marc сказал: «Сделаем».

У меня были связи с Mark Rutherford, который работал с Peter Gabriel. В тот момент времени, он трудился в студии у William Orbit (позднее продюсер у Madonna). Mark знал меня по клубу Wag и прочим модным тусовочным местам Лондона. Я пришел к нему в студию со своим другом Linford Jones. Мы тогда создали новый проект под названием Rufige Kru. У Linford была огромная коллекция пластинок, и я всё время говорил ему: «Давай возьмем фрагмент с вон той пластинки, а давай еще с этой…».

Что же было дальше, а дальше мы взяли напрокат два самплера Akai S1000. Мне тогда говорили: «Тебе ведь нужен только один» и я отвечал им: «Нет, я беру два». Я просто нафаршировал их сэмплами. Памяти свободной у этих аппаратов совсем не оставалось. На что мне опять говорили: «Какого хрена? Ты что с ними собрался делать?». Мой ответ был прост: «Я всё сведу воедино». Тогда я был очень запасливым. Всё тщательно хранил. Я продолжал мыслить как graffiti художник. Я знал набросок, я знал контуры того, что я делаю.

Первой вещью, которой мы выпустили тогда на 12-дюймовой пластинке стала «Krisp Biscuit» EP. У нас всё получилось, и мы снова взялись за работу, в результате записав «Darkrider». Когда я притащил эту пластинку на Reinforced, им просто башни «поотрывало». И после этого я начал работать с 4 Hero. Днем я сидел с Dego до 16 часов, потом с работы приходил Marc и мы уже с ним продолжали работать над теми же треками.

Благодаря успеху моих первых пластинок, я чувствовал себя довольно комфортно в студии с Marc и Dego. До этого, я мог попасть на студию, но у меня не было своей. Понимаете, это всё b-boy менталитет. Ты хочешь обособиться, чтобы убедиться, что у тебя есть собственный потенциал. Я начал работать с инженерами по звуку, которые не привыкли к подобному звучанию. Они ни хрена не знали, о скорости 155 ударов в минуту. Всё, что они тогда знали, была скорость 90 ударов.

У меня было много разных идей, и Marc с Dego прислушивались ко мне. Мы сидели подолгу в студии, бесконечно резали драмбрейки, записывали их на DAT кассеты, потом загоняли в компьютер и уже потом выстраивали трек послойно. Для меня это было созданием цветов, аналогично тому, когда ты рисуешь. В этом и был мой подход. Сначала мы смешаем цвета, а уж потом будем продолжать со всем остальным. Всё соль в эклектике. Как сказал бы graffiti художник: «Вот контур, я покажу, какие цвета использовать и вместе мы этот контур зальем». Сюда розовый, туда синий. Так же и в музыке.

Как ты начинаешь двигаться и как ты выходишь из танца? И как тебе удается, убедить всех, что это невероятно легко для тебя. Вот он главный фокус!

Вот взять тот же брейк-данс. Все дело в переходах между движениями. Так и в музыке. Переход между 16-ю тактами к следующим 32-ум, дальше к 64-ем и обратно к 16 в середине. Я тогда только и думал о переходах. Как бы я мог переходить от одного к другому. Как би-бой сглаживает финальное движение? Так ведь, он ни хрена не теряет движение, он его продолжает. Как ты перейдешь с геликоптера на гребанный хэдспин и не завалишься на спину? Не можешь сделать, да? Да потому что ты выглядишь по-уродски. Абсолютный урод. Тебе нужно завершить движение. И вот теперь, ты завершаешь его с помощью легких, но очень значимых штрихов в своем танце, и в этом и есть главный аспект стиля.

В общем, с музыкой дело обстоит также. Творишь эклектично, 32 такта, 64 такта, и потом делаешь гребанный ход только уже со звуком. Длинный такой, затяжной ход, тут или какой-нибудь звук сейчас войдет, или «дроп» с вокалом сделать. Я мог долго буксовать с аранжировкой и в таком случае Dego мне говорил: «Вот так сделай – просто пробуй сделать по-другому». Всё дело было как раз в переходах. И для меня всегда это было так, словно ты перепрыгиваешь с одной высокой ступени на другую, еще выше. И это ощущение я несу через года с собой. Marc всегда говорил, что у меня всегда есть четкая идея и я всегда знал, что я хочу получить в результате. Это было очень характерно для менталитета лейбла Reinforced.

Потом был момент, когда у меня на руках было 10 косарей от Synthetic Records на выпуск EP. Это такие деньжищи были в те годы! По сути, они предложили мне сделку на выпуск двух EP. Я рассказал об этом Marc и Dego, ну типа «Ребята, я хочу записать для Synthetic». Они благословили меня и отправился к Mark Rutherford в студию, где и были записаны «Terminator», «Kemistry», «Knowledge» и «Sinister». Ребята, это детище, рожденное в огромной, крутой студии! Позже, я подарил лейблу Reinforced Records ремиксы на трек «Terminator». В то время у меня из головы не выходило: «Мне охренеть как нужен собственный лейбл». Лейблу Metalheadz скоро предстояло увидеть свет.

Никогда я и подумать даже не мог, что превзошел этих ребят с Reinforced Records. Они просто уже тогда понимали, насколько мощными получатся «Terminator» EP и «Angel» EP. Marc всегда говорил, что когда услышал эти работы, то ему стало ясно, что всё, чему мы вместе учились, мы просто взяли с собой на уровень выше.

Как владельцы лейбла Reinforced, парни понимали, что наши пути близки к тому, чтобы разойтись. Marc эту мысль сформулировал так: «Это гораздо выше нас всех. Мы должны этот вопрос решить здесь и сейчас, чтобы дальше нам всем было только хорошо». Они прекрасно понимали это. Поэтому, когда все таки наши дорожки разошлись, мы прощались, словно братья на пороге, или так, словно ты провожаешь ребенка в школу. Или как отец, который говорит тебе вслед: «Давай, сынок! Двигайся вперед, держись и не сдавайся! Успехов тебе и, да, задай им жару!». Mark и Dego и это знали. Они запрограммировали меня, нахрен. Они всегда останутся теми, кто научил меня всему тому, что я знаю и умею сейчас.

http://www.electronicbeats.net/mentors-how-4hero-prog..

Интервью: SVEN VON THÜLEN.
ФОТО: CHELONE WOLF (GOLDIE) и ELKE MEITZEL (4HERO)
Перевод: Rustee (c) 2016

DB

DRUM’N’BASS ПО-ПРЕЖНЕМУ КРУТ

текст: 

перевод: Rustee (c) 2015

Знаете, когда разговор заходит о том, что «будущее» уже наступило, то это звучит весьма приземлённо.

В 80-е и в 90-е танцевальная музыка окончательно завладела поступательным движением вперед, которое выровнялось и замедлилось в нашем «настоящем», когда всё и везде стало доступным.

С появлением  1992 году jungle музыки прямиком из танцевального котла, в котором варились house, techno и breakbeat, возникла невероятная вспышка новой энергии, о которой раньше никто и подумать не мог.  Через пару лет, jungle сменила новая музыка drum’n’bass и с этого момента все возможности стали казаться неисчерпаемыми. На своем пике, вся эта музыка воспринималась как самая футуристичная из всех электронных жанров и  стилей, существовавших в то время. Но потом «настоящее» буквально протаранило «будущее». Эта музыка растеряла силу поступательного движения.  Будучи раздираемой внутренним конфликтом между некоммерческой сценой и ошеломительным коммерческим потенциалом, drum’n’bass, как стиль, сам захлопнул на себе капкан. Несмотря на глобальное музыкальное явление, дружелюбные связи с миром pop музыки и относительно хорошее состояние за эти 15 лет drum’n’bass стал сродни «паршивой овцы» на существующей  электронной сцене.  Музыка остается по-прежнему для не посвященных чем-то слишком сложным, а заполучив нового слушателя, drum’n’bass самодовольно наслаждается осознанием факта, что «массы врубаются в тему».

В самом конце 2014 года я брал  интервью  у продюсера из Манчестера Dub Phizix, выросшем на золотом наследии этой самой музыки, и к которому успех пришел в 2010 после выхода сингла «Marka», пропитанного dancehall звучанием. Мы обсуждали родословную drum’n’bass, и он, в ходе беседы, возвращался к идее того, что эта музыка по-прежнему остается «новаторской». Вот в этом то и находится  краеугольный камень музыкальной дилеммы. Новаторский жанр – технологичный, всеобъемлющий, футуристичный, остается связанным узами ущербного брака с устаревшими идеями некоммерческого своего реализма. Да, это еще вдобавок и приложение к «творческому пофигизму», благодаря которому в 90-х мы узнали о Photek, Roni Size, 4Hero и Goldie. Вот поэтому в этой музыке всегда обретали нужную форму выдающиеся идеи, даже в том случае если кто-то пытался взять что-то «на стороне».

Amit Kamboj, как музыкант, занимается drum’n’bass с начала нулевых. Его карьера начиналась аналогично многим в статусе «музыкального новатора». Его хвалили те, кто был очарован провидческим  потенциалом этой музыки, но при этом оставаясь слишком далеко от  «золотого» пути.  «Всегда интересно осознавать, что большинство музыкантов, которые экспериментировали в drum’n’bass сразу же получали критический отзыв» – говорит Amit – «Но, так или иначе, всегда требуется время на то, чтобы эти эксперименты были приняты большинством». С самого начала своей работы Kamboj интересовался потенциалом half-time ритмики, увлеченный напряженностью в атмосфере треков на скорости 170 ударов в минуту. По его словам, «то, что получалось на выходе, ставило слушателя в тупик, к чему же эту музыку отнести». Сегодня дела обстоят гораздо проще. «Тот самый стиль сейчас воспринимают, как отдельный поджанр. Когда я ставлю треки, наподобие «Immortal» или «Swastika», новым слушателям, то отклик идет совершенно иной».

В 2013 году после 10 лет сотрудничества с другими лейблами Amit запускает собственный лейбл «AMAR Recordings». В феврале этого года, здесь выходит EP под названием «4 Stories».  В числе работ на нем и трек «Survivor», более медленная по темпу композиция. «Она оказалась по нраву многим слушателям из разных музыкальных слоев» – говорит Kamboj. Совсем недавно, он начал работать над саундтреком к фильму «Gloria», рассказывающем о молодой женщине-преступнице, которая хочет вернуться к нормальной жизни. Для музыканта, чьи работы всегда отличались особой кинематографичностью, это более, чем правильный шаг.  «Кинематограф для меня всегда был одним из самых сильных по величине влияния факторов» – признает Kamboj – «Всё, что я бы не записывал, так или иначе, больше относится к повествованию чего-то вымышленного.  Я всегда ищу наилучшее звучание, настроение или текстуру, которые могли бы успешно существовать и на экране и в ваших саундсистемах».

Как и в случае с любым стилем или жанром в музыке, новаторство и разнообразие в drum’n’bass становятся очевидными при более пристальном рассмотрении. В этом отношении, флагманом среди лейблов остается Exit Records, существующий уже 13 лет. Под чутким руководством старого авантюриста dBridge, лейбл продолжает считаться уверенной, мощной силой, ведущей музыку вперед. Летом 2014 года dBridge открыл импринт Pleasure District, подлейбл Exit, ориентированный на издание работ в рамках подкаста Heartdrive, который уже как год существовал, будучи результатом работы с давним компаньоном Kid Drama. Heartdrive сам по себе явился продолжением Autonomic звучания, созданным в конце первого десятилетия 2000-х вместе с Boddika. Это время стало самым подходящим и важным для возвращения экспериментального звучания в drum’n’bass.

«Для нас с Kid Drama это стало логическим продолжением начатого нами движения» – говорит dBridge участник проектов Pleasure District и Heartdrive. В это же время Kid Drama открывает  подлейбл CNVX для своего основного импринта Convex Industries. И у нас появляется еще одна отличная возможность услышать экспериментальные drum’m’bass релизы, например такие, как безжанровый альбом проекта Mikarma, который увидел свет этой осенью.  В этой работе отличительной чертой становится депрессия и внутренние переживания музыканта, которые трансформируются в звучание столь любимых инструментов из студии лейбла Warp 90-х годов.  «Я просто музыкант, творящий вне рамок какого-то одного жанра» – признает Kid Drama – «может тогда лучше пусть жанр, в котором я работаю, определяет мой сетап инструментов»

Для лейбла Exit этот год выдался более чем успешным.  Россыпь разноплановых альбомов от соло артистов и от совместных проектов Module Eight, Mark System, Joe Seven, Binary Collective, плюс также ряд EP созданных для танцполов от новых артистов и узнаваемых имен. « Мне нравится всё, и я пытаюсь найти место для всего, что мне нравится» – размышляет dBridge о разноплановости своего детища. «Возможно, кому-то это покажется не слишком гармонично организованным, если говорить об издании настолько разноплановых релизов, но без этого работа на лейбле была бы в крайней степени скучна».  Ключевой момент в этом –  широкий спектр стилей, подходов и идей, благодаря которым dBridge постоянно остается заинтересованным в своей работе даже после 20 лет творческого пути. Он продолжает: «Я на 100% уверен в том, что выходит у нас на лейбле, в новых именах, которые звучат у нас впервые, и то, как они двигаются дальше, делает меня самым счастливым человеком».

kasra-fb

Еще один лейбл, который занял успешно свою нишу на drum’n’bass сцене – это Critical Recordings под руководством Kasra. Как он сам говорит: «последние 24 месяца были для нас самыми трудоемкими, но при этом самыми результативными».  В 2015 на лейбле вышло 2 довольно контрастных между собой альбома. Один из которых «Rituals» российского музыканта Enei и «Wasted Days» у Sam Binga. Первый альбом тяжеловес, грубый и резкий, который играет на восприятии музыкальных стереотипов. Второй же альбом в духе микстэйпа, который мог бы прекрасно подойти в качестве саундтрека  новой сети стрип-баров будущего, с географией от грязного юга до британских гетто.  Но такая разноплановость на лейбле нисколько не беспокоит его поклонников. Kasra уверен в том, что слушатель доверяет выбору лейбла. «Вам необязательно всё должно нравиться» – признает он.

Благодаря возможности экспериментировать в релизах для лейбла, Ivy Lab, drum & bass трио из Stray, Halogenix и  Sabre, смогли издать первую полновесную half-time работу за последние несколько лет своего существования как проекта. В ноябре увидел свет их дебютный альбом  «20/20 Volume 1», в котором успешно уживаются drum & bass и hip-hop. Черпая свое вдохновение в drum’n’bass движении и извне от таких музыкантов как Alix Perez, Eprom, Machinedrum, Om Unit, Fracture – Ivy Lab пользуются одинаковой популярностью как у поклонников drum’n’bass, так и у новых слушателей, которых становится все больше и больше. Их вечеринка «20/20» проводится уже пару лет в Лондоне, и именно она стала мотивацией для создания альбома. “Мы играем beats, R&B, juke, footwork, экспериментальный drum & bass”- объясняет Sabre – «Спектр стилей действительно широк, но при этом мы остаемся верны ритмике half-time».

Для Kasra drum’n’bass аудитория по-прежнему остается самым лучшим индикатором результата, который вы хотите получить на выходе, даже при условии, если всё меняется. «В восточной Европе публика всегда хочет чего-то громкого и понятного, но в лондонском Fabric мы можем себе позволить поэкспериментировать, и на мой взгляд аудитория нынче к нам ходит весьма открытая» – считает dBridge. Для него есть определенная линия, которую стоит придерживаться ди-джеям. «Вы не можете постоянно находиться в позиции «учителя» в клубе»- добавляет он – «Но я иногда могу сделать нечто подобное, и я знаю, многие клабберы по-прежнему смогут под такое танцевать, несмотря на те головоломки, которые я подкидываю им во время своего сета».

Один из ключевых моментов для drum’n’bass музыкантов – это запятнанная музыкальная репутация. Даже если в их творческой карьере присутствуют  разноплановость и бескомпромиссность. «Жанры и стили мутируют, скорость увеличивается, появляются новые имена» – говорит Kid Drama- «Эта музыка превратилась из hardcore jungle в drum & bass, но потом застряла под этим названием. Когда люди слышат «drum’n’bass», то невольно думают о примитивном 2-step звучании из чартов, но мы же никогда не останавливаемся на достигнутом, мы двигаемся только вперед». В то же самое время музыка словно пользуется преимуществом и извлекает для себя максимальную выгоду, в случае игнорирования молодым поколением устоявшихся границ существующих стилей. Вот именно поэтому вечеринка 20/20 продолжает существовать столь успешно и уже сотрудничает с Low End Theory и Soulection. Они все являются творческими коллективами, объединенными общими идеями и гибкой эстетикой электронной музыки. dBridge говорит по этому поводу так: «они выстраивают пространство для своей музыки, в которой она будет развиваться в дальнейшем». В этом году для Kasra уже был некий подобный опыт выступления на абсолютно иной площадке с более широкой публикой.  Это было на Electric Daisy Carnival в Las Vegas, цитадели американского EDM безумия. «Это было просто невероятно» – вспоминает свой сет Kasra – «Отклик от публики был очень теплым и слушатель с уважением воспринимал то, что мы играем. А играли мы не только то, что от нас ожидали».

Обратная сторона стремления «застолбить» за собой какой-нибудь жанр порой берет вверх, но иногда ты просто от этого отходишь. После открытия Geoff Wright, aka DJ Presha, лейбла Samurai Music в 2007 году, им были также созданы саблейблы, с целью обойти навешивание ярлыков на стили и жанры.  У него выпускались как новые имена (Indigo, Dub Phizix), так и очень известные артисты  (Loxy, Calibre, Paradox). В 2011 Presha не упустил возможность открыть Samurai Horo, в качестве оплота экспериментальной электроники, которая находится где-то между ambient, drum & bass и  techno. В 2013 году вышла первая компиляция «Scope» и потом последовали альбомы, сначала у токийца ENA «Binaural» (2014), «Divided» (2015), затем альбом у ASC под названием « Imagine The Future». Лейбл полностью оправдывает ожидания как от лейбла с новаторской музыкой. «Я наблюдаю за творческим ростом ENA и других музыкантов, у меня есть немало фаворитов в techno и экспериментальной музыке, с которыми я соприкасаюсь – для меня это невероятно здорово!» – говорит Presha.

Но в то время пока музыкальные пришельцы извне продолжают экспериментировать, Wright по-прежнему встречает сопротивление поклонников.  Одними из «печально, но факт» моментов  для него становятся случаи, когда «люди не считают пластинку на скорости 128 ударов в минуту drum’n’bass пластинкой». «С каждым новым негативным комментарием или обзором, в числе наших новых слушателей прибавляется. Они приходят к нам из тех музыкальных кругов, на которые мы нацелены в нашей работе». В 2016 году Presha планирует провести четкое разграничение между лейблами, так, например, Horo полностью перестанет выпускать drum’n’bass. Это станет символом того, что быть привязанным к определённой сцене при этом будучи разноплановым порой может быть слишком сложно для лейбла. Относительный успех Horo как лейбла в очередной раз зацементировал убеждения Presha и его разочарование в современной музыке. «Пришлым в drum’n’bass музыку продюсерам требуется чего-то новое и интересное, это и побуждает их «копать» еще глубже» – объясняет Presha- «Я даже не могу представить, что же это сейчас может быть. Я так же по-прежнему люблю drum’n’bass, но эта музыка даже рядом не стоит с techno, насколько techno может звучать непредсказуемо и разнопланово. Сейчас drum’n’bass это не более чем стиль, который повторяет себя год за годом. Да, 2009 год был очень удачным для этой музыки, но разве нам некуда дальше двигаться после этого?».

DBridge230714

Ностальгия сегодня – это проблема, затрагивающая все области культурного создания и потребления. Но ностальгия это еще и путь оживления музыки за счет самой себя. Факт того, что jungle по скорости и плотности ритмического рисунка  находится очень близко к чикагскому  footwork, позволил в 2010 году этим двум стилям встретиться очень близко. Это очень хорошо слышно по работам Om Unit, Fracture, Machinedrum, в очень сильной степени у Teklife банды и в поздних треках DJ Rashad. Из сетов Zomby и Kode9, альбомов Lee Gamble (Diversions 1994–1996) и Special Request (Soul Music)  мы становимся явными свидетелями возрождения jungle музыки и возникновения нового стимула для экспериментов как внутри самой сцены, так и за ее пределами.

Продюсер из Норвича Sully уже успел поработать в разных областях электронной музыки, а последнюю пару лет он активно двигался в своем творчестве навстречу jungle музыке. «Мои первые работы были более медленные по темпу, но я всегда любил элементы junglе» – объясняет Sully – «В ностальгии нет ничего плохого. Она тоже  имеет право на существование, как и, допустим, новая идея, которую нужно воплотить, или как век цифровых технологий или как болезненный разрыв в отношениях. Самое главное здесь – слушать сердце. Любой вид «идолопоклонства» должен быть искренним, иначе в этом можно усмотреть фальшь или самодурство».

Крайний релиз Sully на лейбле Astrophonica у Fracture называется «Flock». Слушая этот релиз, начинаешь ощущать, что музыка застыла во времени, возвращаешься в легендарную эпоху ломанных ритмов, но при этом все что ты слышишь резонирует и перекликается с нынешним днем.  Комментарии Sully эхом вторят высказываниям еще одного ветерана танцевальной музыки Mark Pritchard. Скорость 160 ударов в минуту у Jungle дает свободу в работе с ритмикой. Для себя он пока что «только лишь попробовал прикоснуться», но «ключевые концепты для музыки открываются на скорости 160  и в любом другом жанре. Говорить об условностях музыкальных стилей проще, чем об эмоциях в музыке, так что давайте лучше сфокусируемся на этом».

Еще одним музыкантом, кому удалось занять верное место между ностальгией и новаторством, стал  Machinedrum. После выпуска альбома «Room(s)» в 2011 году  на лейбле Planet Mu американский музыкант перешел на британский лейбл Ninja Tune. Надо сказать, что в альбоме «Room(s)» вы найдете почти всё. Ностальгия, передовые технологии, и немного терапевтического воздействия.  В 2013 музыкант продолжил синтезировать drum & bass, footwork и hip-hop уже на альбоме «Vapor City».  Решение вернуться к своим музыкальным корням было высоко отмечено, как  известными drum’n’bass деятелями, так и  footwork тусовкой. Это событие стало для музыканта, по его собственным словам «жизнеутверждающим», и теперь он активно гастролирует по миру с выступлениями.

Работа Machinedrum  с темпом и его подход к drum’n’bass стилистике очень любопытны в плане достижения успеха, который пришел к нему извне drum’n’bass сцены. Это доказывает то, что музыка может существовать не только в сферах «засахаренного» мэйнстрима или «неприкосновенного» андеграунда.  Он ссылается на музыкантов новаторов типа dBridge, Amit, Fracture или Rockwell и называет их теми. Кто указал ему правильный путь. «Они рисковали и двигали эту музыку вперед, несмотря на придуманные кем-то рамки и границы. Это было движение вперед  к новым высотам, в нем были и дух старины и современные веяния, и в целом, всё это было невероятно интересно и свежо».

Будучи непривязанным к drum’n’bass сцене как музыкант,  Machinedrum демонстрирует нам наглядно, скорость, на которой записан трек, уже не является основным фактором. «В Штатах, если бы я играл что-то быстрее 140 ударов, меня бы давно засвистали. Электронная музыка в целом сейчас более понятна большинству и ее принимают. Люди ищут иное звучание, чтобы отличаться от признанного и популярного»

В процессе написания этого материала, я задавался вопросом, почему drum’n’bass музыке сложнее было стать mainstream направлением, нежели house или techno, даже при том, что они появились раньше.  Machinedrum корни танцевальной музыки видит в disco. По его мнению, это могло стать причиной разлада в этих музыкальных движениях. « Для меня эта музыка ближе к hip-hop нежели к house или чем-то еще»- – говорит он. Также считают и участники трио Ivy Lab. «Многие люди, которых ты встречаешь в drum’n’bass кругах, пришли сюда из metal или hip-hop тусовок» – говорит Stray. Эта связь очень тесна, особенно это заметно на Западном побережье.  Неспроста Daddy Kev, основатель Low End Theory, 15 лет назад организовывал  в Лос-Анджелесе  вечеринки филиала  Konkrete Jungle. Или же рэп мастера из Good Life Cafe могли выступать как MC на вечеринках.  Между drum & bass и hip-hop есть непрерывная историческая связь, которая в новаторском плане помогала открывать путь для новых экспериментов.

«[Drum & bass] остается все таким же незаконнорожденным ребенком от танцевальной музыки. Некоммерческое движение внутри этой музыки никогда не пользовалось заслуженным уважением со временем вечеринок Blue Note» – говорит Kasra, вспоминая легендарные ночи в Лондоне в конце 90-х, которые организовывал Goldie и благодаря которым лейбл Metalheadz был вписан в скрижали музыкальной истории. ««Возможно этой музыке уже нечего доказывать» – размышляет Amit, прежде чем в сравнении упомянуть dub наследие King Tubby. «Drum’n’Bass музыка находится на своем третьем десятке существования, она никуда не уйдет» – подводит итог dBridge. «Это очень круто, что популярные артисты связывают свой творческий путь с drum’n’bass, в то время как в этой музыке остается еще достаточно пространства для экспериментов.  На протяжении долгого времени drum’n’bass заимствовал идеи у других стилей, но сейчас картина выглядит совсем иначе. Теперь он также влияет на другие стили, как это делают house или techno. Сейчас эта музыка стала основополагающим элементом в мире электронной музыки. Сейчас drum’n’bass находится на своем, заслуженном месте».

Размышлений на тему, почему же drum & bass не стал таким же как, например, house или techno, могло бы хватить на весьма обширную статью, но это неправильный вопрос. Этот вопрос скорее даже не стоит задавать. Drum’n’bass может и не самый популярный стиль в мире электронной музыки, но он по-прежнему остается самым технологичным и смелым в творческом плане, с присущим ему духом футуризма. А закончить хочется словами музканта Sully – «Drum’n’bass по-прежнему крут».

http://www.factmag.com/2015/12/19/drum-bass-2015/

Follow

Get every new post delivered to your Inbox.