Latest Entries »

DB

DRUM’N’BASS ПО-ПРЕЖНЕМУ КРУТ

текст: 

перевод: Rustee (c) 2015

Знаете, когда разговор заходит о том, что «будущее» уже наступило, то это звучит весьма приземлённо.

В 80-е и в 90-е танцевальная музыка окончательно завладела поступательным движением вперед, которое выровнялось и замедлилось в нашем «настоящем», когда всё и везде стало доступным.

С появлением  1992 году jungle музыки прямиком из танцевального котла, в котором варились house, techno и breakbeat, возникла невероятная вспышка новой энергии, о которой раньше никто и подумать не мог.  Через пару лет, jungle сменила новая музыка drum’n’bass и с этого момента все возможности стали казаться неисчерпаемыми. На своем пике, вся эта музыка воспринималась как самая футуристичная из всех электронных жанров и  стилей, существовавших в то время. Но потом «настоящее» буквально протаранило «будущее». Эта музыка растеряла силу поступательного движения.  Будучи раздираемой внутренним конфликтом между некоммерческой сценой и ошеломительным коммерческим потенциалом, drum’n’bass, как стиль, сам захлопнул на себе капкан. Несмотря на глобальное музыкальное явление, дружелюбные связи с миром pop музыки и относительно хорошее состояние за эти 15 лет drum’n’bass стал сродни «паршивой овцы» на существующей  электронной сцене.  Музыка остается по-прежнему для не посвященных чем-то слишком сложным, а заполучив нового слушателя, drum’n’bass самодовольно наслаждается осознанием факта, что «массы врубаются в тему».

В самом конце 2014 года я брал  интервью  у продюсера из Манчестера Dub Phizix, выросшем на золотом наследии этой самой музыки, и к которому успех пришел в 2010 после выхода сингла «Marka», пропитанного dancehall звучанием. Мы обсуждали родословную drum’n’bass, и он, в ходе беседы, возвращался к идее того, что эта музыка по-прежнему остается «новаторской». Вот в этом то и находится  краеугольный камень музыкальной дилеммы. Новаторский жанр – технологичный, всеобъемлющий, футуристичный, остается связанным узами ущербного брака с устаревшими идеями некоммерческого своего реализма. Да, это еще вдобавок и приложение к «творческому пофигизму», благодаря которому в 90-х мы узнали о Photek, Roni Size, 4Hero и Goldie. Вот поэтому в этой музыке всегда обретали нужную форму выдающиеся идеи, даже в том случае если кто-то пытался взять что-то «на стороне».

Amit Kamboj, как музыкант, занимается drum’n’bass с начала нулевых. Его карьера начиналась аналогично многим в статусе «музыкального новатора». Его хвалили те, кто был очарован провидческим  потенциалом этой музыки, но при этом оставаясь слишком далеко от  «золотого» пути.  «Всегда интересно осознавать, что большинство музыкантов, которые экспериментировали в drum’n’bass сразу же получали критический отзыв» – говорит Amit – «Но, так или иначе, всегда требуется время на то, чтобы эти эксперименты были приняты большинством». С самого начала своей работы Kamboj интересовался потенциалом half-time ритмики, увлеченный напряженностью в атмосфере треков на скорости 170 ударов в минуту. По его словам, «то, что получалось на выходе, ставило слушателя в тупик, к чему же эту музыку отнести». Сегодня дела обстоят гораздо проще. «Тот самый стиль сейчас воспринимают, как отдельный поджанр. Когда я ставлю треки, наподобие «Immortal» или «Swastika», новым слушателям, то отклик идет совершенно иной».

В 2013 году после 10 лет сотрудничества с другими лейблами Amit запускает собственный лейбл «AMAR Recordings». В феврале этого года, здесь выходит EP под названием «4 Stories».  В числе работ на нем и трек «Survivor», более медленная по темпу композиция. «Она оказалась по нраву многим слушателям из разных музыкальных слоев» – говорит Kamboj. Совсем недавно, он начал работать над саундтреком к фильму «Gloria», рассказывающем о молодой женщине-преступнице, которая хочет вернуться к нормальной жизни. Для музыканта, чьи работы всегда отличались особой кинематографичностью, это более, чем правильный шаг.  «Кинематограф для меня всегда был одним из самых сильных по величине влияния факторов» – признает Kamboj – «Всё, что я бы не записывал, так или иначе, больше относится к повествованию чего-то вымышленного.  Я всегда ищу наилучшее звучание, настроение или текстуру, которые могли бы успешно существовать и на экране и в ваших саундсистемах».

Как и в случае с любым стилем или жанром в музыке, новаторство и разнообразие в drum’n’bass становятся очевидными при более пристальном рассмотрении. В этом отношении, флагманом среди лейблов остается Exit Records, существующий уже 13 лет. Под чутким руководством старого авантюриста dBridge, лейбл продолжает считаться уверенной, мощной силой, ведущей музыку вперед. Летом 2014 года dBridge открыл импринт Pleasure District, подлейбл Exit, ориентированный на издание работ в рамках подкаста Heartdrive, который уже как год существовал, будучи результатом работы с давним компаньоном Kid Drama. Heartdrive сам по себе явился продолжением Autonomic звучания, созданным в конце первого десятилетия 2000-х вместе с Boddika. Это время стало самым подходящим и важным для возвращения экспериментального звучания в drum’n’bass.

«Для нас с Kid Drama это стало логическим продолжением начатого нами движения» – говорит dBridge участник проектов Pleasure District и Heartdrive. В это же время Kid Drama открывает  подлейбл CNVX для своего основного импринта Convex Industries. И у нас появляется еще одна отличная возможность услышать экспериментальные drum’m’bass релизы, например такие, как безжанровый альбом проекта Mikarma, который увидел свет этой осенью.  В этой работе отличительной чертой становится депрессия и внутренние переживания музыканта, которые трансформируются в звучание столь любимых инструментов из студии лейбла Warp 90-х годов.  «Я просто музыкант, творящий вне рамок какого-то одного жанра» – признает Kid Drama – «может тогда лучше пусть жанр, в котором я работаю, определяет мой сетап инструментов»

Для лейбла Exit этот год выдался более чем успешным.  Россыпь разноплановых альбомов от соло артистов и от совместных проектов Module Eight, Mark System, Joe Seven, Binary Collective, плюс также ряд EP созданных для танцполов от новых артистов и узнаваемых имен. « Мне нравится всё, и я пытаюсь найти место для всего, что мне нравится» – размышляет dBridge о разноплановости своего детища. «Возможно, кому-то это покажется не слишком гармонично организованным, если говорить об издании настолько разноплановых релизов, но без этого работа на лейбле была бы в крайней степени скучна».  Ключевой момент в этом –  широкий спектр стилей, подходов и идей, благодаря которым dBridge постоянно остается заинтересованным в своей работе даже после 20 лет творческого пути. Он продолжает: «Я на 100% уверен в том, что выходит у нас на лейбле, в новых именах, которые звучат у нас впервые, и то, как они двигаются дальше, делает меня самым счастливым человеком».

kasra-fb

Еще один лейбл, который занял успешно свою нишу на drum’n’bass сцене – это Critical Recordings под руководством Kasra. Как он сам говорит: «последние 24 месяца были для нас самыми трудоемкими, но при этом самыми результативными».  В 2015 на лейбле вышло 2 довольно контрастных между собой альбома. Один из которых «Rituals» российского музыканта Enei и «Wasted Days» у Sam Binga. Первый альбом тяжеловес, грубый и резкий, который играет на восприятии музыкальных стереотипов. Второй же альбом в духе микстэйпа, который мог бы прекрасно подойти в качестве саундтрека  новой сети стрип-баров будущего, с географией от грязного юга до британских гетто.  Но такая разноплановость на лейбле нисколько не беспокоит его поклонников. Kasra уверен в том, что слушатель доверяет выбору лейбла. «Вам необязательно всё должно нравиться» – признает он.

Благодаря возможности экспериментировать в релизах для лейбла, Ivy Lab, drum & bass трио из Stray, Halogenix и  Sabre, смогли издать первую полновесную half-time работу за последние несколько лет своего существования как проекта. В ноябре увидел свет их дебютный альбом  «20/20 Volume 1», в котором успешно уживаются drum & bass и hip-hop. Черпая свое вдохновение в drum’n’bass движении и извне от таких музыкантов как Alix Perez, Eprom, Machinedrum, Om Unit, Fracture – Ivy Lab пользуются одинаковой популярностью как у поклонников drum’n’bass, так и у новых слушателей, которых становится все больше и больше. Их вечеринка «20/20» проводится уже пару лет в Лондоне, и именно она стала мотивацией для создания альбома. “Мы играем beats, R&B, juke, footwork, экспериментальный drum & bass”- объясняет Sabre – «Спектр стилей действительно широк, но при этом мы остаемся верны ритмике half-time».

Для Kasra drum’n’bass аудитория по-прежнему остается самым лучшим индикатором результата, который вы хотите получить на выходе, даже при условии, если всё меняется. «В восточной Европе публика всегда хочет чего-то громкого и понятного, но в лондонском Fabric мы можем себе позволить поэкспериментировать, и на мой взгляд аудитория нынче к нам ходит весьма открытая» – считает dBridge. Для него есть определенная линия, которую стоит придерживаться ди-джеям. «Вы не можете постоянно находиться в позиции «учителя» в клубе»- добавляет он – «Но я иногда могу сделать нечто подобное, и я знаю, многие клабберы по-прежнему смогут под такое танцевать, несмотря на те головоломки, которые я подкидываю им во время своего сета».

Один из ключевых моментов для drum’n’bass музыкантов – это запятнанная музыкальная репутация. Даже если в их творческой карьере присутствуют  разноплановость и бескомпромиссность. «Жанры и стили мутируют, скорость увеличивается, появляются новые имена» – говорит Kid Drama- «Эта музыка превратилась из hardcore jungle в drum & bass, но потом застряла под этим названием. Когда люди слышат «drum’n’bass», то невольно думают о примитивном 2-step звучании из чартов, но мы же никогда не останавливаемся на достигнутом, мы двигаемся только вперед». В то же самое время музыка словно пользуется преимуществом и извлекает для себя максимальную выгоду, в случае игнорирования молодым поколением устоявшихся границ существующих стилей. Вот именно поэтому вечеринка 20/20 продолжает существовать столь успешно и уже сотрудничает с Low End Theory и Soulection. Они все являются творческими коллективами, объединенными общими идеями и гибкой эстетикой электронной музыки. dBridge говорит по этому поводу так: «они выстраивают пространство для своей музыки, в которой она будет развиваться в дальнейшем». В этом году для Kasra уже был некий подобный опыт выступления на абсолютно иной площадке с более широкой публикой.  Это было на Electric Daisy Carnival в Las Vegas, цитадели американского EDM безумия. «Это было просто невероятно» – вспоминает свой сет Kasra – «Отклик от публики был очень теплым и слушатель с уважением воспринимал то, что мы играем. А играли мы не только то, что от нас ожидали».

Обратная сторона стремления «застолбить» за собой какой-нибудь жанр порой берет вверх, но иногда ты просто от этого отходишь. После открытия Geoff Wright, aka DJ Presha, лейбла Samurai Music в 2007 году, им были также созданы саблейблы, с целью обойти навешивание ярлыков на стили и жанры.  У него выпускались как новые имена (Indigo, Dub Phizix), так и очень известные артисты  (Loxy, Calibre, Paradox). В 2011 Presha не упустил возможность открыть Samurai Horo, в качестве оплота экспериментальной электроники, которая находится где-то между ambient, drum & bass и  techno. В 2013 году вышла первая компиляция «Scope» и потом последовали альбомы, сначала у токийца ENA «Binaural» (2014), «Divided» (2015), затем альбом у ASC под названием « Imagine The Future». Лейбл полностью оправдывает ожидания как от лейбла с новаторской музыкой. «Я наблюдаю за творческим ростом ENA и других музыкантов, у меня есть немало фаворитов в techno и экспериментальной музыке, с которыми я соприкасаюсь – для меня это невероятно здорово!» – говорит Presha.

Но в то время пока музыкальные пришельцы извне продолжают экспериментировать, Wright по-прежнему встречает сопротивление поклонников.  Одними из «печально, но факт» моментов  для него становятся случаи, когда «люди не считают пластинку на скорости 128 ударов в минуту drum’n’bass пластинкой». «С каждым новым негативным комментарием или обзором, в числе наших новых слушателей прибавляется. Они приходят к нам из тех музыкальных кругов, на которые мы нацелены в нашей работе». В 2016 году Presha планирует провести четкое разграничение между лейблами, так, например, Horo полностью перестанет выпускать drum’n’bass. Это станет символом того, что быть привязанным к определённой сцене при этом будучи разноплановым порой может быть слишком сложно для лейбла. Относительный успех Horo как лейбла в очередной раз зацементировал убеждения Presha и его разочарование в современной музыке. «Пришлым в drum’n’bass музыку продюсерам требуется чего-то новое и интересное, это и побуждает их «копать» еще глубже» – объясняет Presha- «Я даже не могу представить, что же это сейчас может быть. Я так же по-прежнему люблю drum’n’bass, но эта музыка даже рядом не стоит с techno, насколько techno может звучать непредсказуемо и разнопланово. Сейчас drum’n’bass это не более чем стиль, который повторяет себя год за годом. Да, 2009 год был очень удачным для этой музыки, но разве нам некуда дальше двигаться после этого?».

DBridge230714

Ностальгия сегодня – это проблема, затрагивающая все области культурного создания и потребления. Но ностальгия это еще и путь оживления музыки за счет самой себя. Факт того, что jungle по скорости и плотности ритмического рисунка  находится очень близко к чикагскому  footwork, позволил в 2010 году этим двум стилям встретиться очень близко. Это очень хорошо слышно по работам Om Unit, Fracture, Machinedrum, в очень сильной степени у Teklife банды и в поздних треках DJ Rashad. Из сетов Zomby и Kode9, альбомов Lee Gamble (Diversions 1994–1996) и Special Request (Soul Music)  мы становимся явными свидетелями возрождения jungle музыки и возникновения нового стимула для экспериментов как внутри самой сцены, так и за ее пределами.

Продюсер из Норвича Sully уже успел поработать в разных областях электронной музыки, а последнюю пару лет он активно двигался в своем творчестве навстречу jungle музыке. «Мои первые работы были более медленные по темпу, но я всегда любил элементы junglе» – объясняет Sully – «В ностальгии нет ничего плохого. Она тоже  имеет право на существование, как и, допустим, новая идея, которую нужно воплотить, или как век цифровых технологий или как болезненный разрыв в отношениях. Самое главное здесь – слушать сердце. Любой вид «идолопоклонства» должен быть искренним, иначе в этом можно усмотреть фальшь или самодурство».

Крайний релиз Sully на лейбле Astrophonica у Fracture называется «Flock». Слушая этот релиз, начинаешь ощущать, что музыка застыла во времени, возвращаешься в легендарную эпоху ломанных ритмов, но при этом все что ты слышишь резонирует и перекликается с нынешним днем.  Комментарии Sully эхом вторят высказываниям еще одного ветерана танцевальной музыки Mark Pritchard. Скорость 160 ударов в минуту у Jungle дает свободу в работе с ритмикой. Для себя он пока что «только лишь попробовал прикоснуться», но «ключевые концепты для музыки открываются на скорости 160  и в любом другом жанре. Говорить об условностях музыкальных стилей проще, чем об эмоциях в музыке, так что давайте лучше сфокусируемся на этом».

Еще одним музыкантом, кому удалось занять верное место между ностальгией и новаторством, стал  Machinedrum. После выпуска альбома «Room(s)» в 2011 году  на лейбле Planet Mu американский музыкант перешел на британский лейбл Ninja Tune. Надо сказать, что в альбоме «Room(s)» вы найдете почти всё. Ностальгия, передовые технологии, и немного терапевтического воздействия.  В 2013 музыкант продолжил синтезировать drum & bass, footwork и hip-hop уже на альбоме «Vapor City».  Решение вернуться к своим музыкальным корням было высоко отмечено, как  известными drum’n’bass деятелями, так и  footwork тусовкой. Это событие стало для музыканта, по его собственным словам «жизнеутверждающим», и теперь он активно гастролирует по миру с выступлениями.

Работа Machinedrum  с темпом и его подход к drum’n’bass стилистике очень любопытны в плане достижения успеха, который пришел к нему извне drum’n’bass сцены. Это доказывает то, что музыка может существовать не только в сферах «засахаренного» мэйнстрима или «неприкосновенного» андеграунда.  Он ссылается на музыкантов новаторов типа dBridge, Amit, Fracture или Rockwell и называет их теми. Кто указал ему правильный путь. «Они рисковали и двигали эту музыку вперед, несмотря на придуманные кем-то рамки и границы. Это было движение вперед  к новым высотам, в нем были и дух старины и современные веяния, и в целом, всё это было невероятно интересно и свежо».

Будучи непривязанным к drum’n’bass сцене как музыкант,  Machinedrum демонстрирует нам наглядно, скорость, на которой записан трек, уже не является основным фактором. «В Штатах, если бы я играл что-то быстрее 140 ударов, меня бы давно засвистали. Электронная музыка в целом сейчас более понятна большинству и ее принимают. Люди ищут иное звучание, чтобы отличаться от признанного и популярного»

В процессе написания этого материала, я задавался вопросом, почему drum’n’bass музыке сложнее было стать mainstream направлением, нежели house или techno, даже при том, что они появились раньше.  Machinedrum корни танцевальной музыки видит в disco. По его мнению, это могло стать причиной разлада в этих музыкальных движениях. « Для меня эта музыка ближе к hip-hop нежели к house или чем-то еще»- – говорит он. Также считают и участники трио Ivy Lab. «Многие люди, которых ты встречаешь в drum’n’bass кругах, пришли сюда из metal или hip-hop тусовок» – говорит Stray. Эта связь очень тесна, особенно это заметно на Западном побережье.  Неспроста Daddy Kev, основатель Low End Theory, 15 лет назад организовывал  в Лос-Анджелесе  вечеринки филиала  Konkrete Jungle. Или же рэп мастера из Good Life Cafe могли выступать как MC на вечеринках.  Между drum & bass и hip-hop есть непрерывная историческая связь, которая в новаторском плане помогала открывать путь для новых экспериментов.

«[Drum & bass] остается все таким же незаконнорожденным ребенком от танцевальной музыки. Некоммерческое движение внутри этой музыки никогда не пользовалось заслуженным уважением со временем вечеринок Blue Note» – говорит Kasra, вспоминая легендарные ночи в Лондоне в конце 90-х, которые организовывал Goldie и благодаря которым лейбл Metalheadz был вписан в скрижали музыкальной истории. ««Возможно этой музыке уже нечего доказывать» – размышляет Amit, прежде чем в сравнении упомянуть dub наследие King Tubby. «Drum’n’Bass музыка находится на своем третьем десятке существования, она никуда не уйдет» – подводит итог dBridge. «Это очень круто, что популярные артисты связывают свой творческий путь с drum’n’bass, в то время как в этой музыке остается еще достаточно пространства для экспериментов.  На протяжении долгого времени drum’n’bass заимствовал идеи у других стилей, но сейчас картина выглядит совсем иначе. Теперь он также влияет на другие стили, как это делают house или techno. Сейчас эта музыка стала основополагающим элементом в мире электронной музыки. Сейчас drum’n’bass находится на своем, заслуженном месте».

Размышлений на тему, почему же drum & bass не стал таким же как, например, house или techno, могло бы хватить на весьма обширную статью, но это неправильный вопрос. Этот вопрос скорее даже не стоит задавать. Drum’n’bass может и не самый популярный стиль в мире электронной музыки, но он по-прежнему остается самым технологичным и смелым в творческом плане, с присущим ему духом футуризма. А закончить хочется словами музканта Sully – «Drum’n’bass по-прежнему крут».

http://www.factmag.com/2015/12/19/drum-bass-2015/

a1276499221_10

Время от времени нам, наблюдающим  за постоянно расцветающей  drum’n’bass сценой, везет на удачные коллаборации известных артистов. Некоторые из подобных совместных проектов, по сути, являются повторением прошлого, потому что в свое время они прозвучали крайне успешно.  А некоторые просто звучат странно и нелепо. Но в любом случае, когда мы видим некую новую совместную работу, то нас это сразу же заряжает оптимизмом и нескрываемым интересом. Вашему вниманию проект, который нас по-настоящему взволновал.

Глубоко в бункерах лейбла Exit уже какое-то время кипит секретная работа, участие в которой принимают известные продюсеры. Владелец лейбла  dBridge,  директор Renegade Hardware –  Loxy, компанию им составили  Kid Drama, Skeptical и Resound. Да, все мы понимаем, насколько это мощно. Своему проекту они выбрали имя  «Module Eight» и их дебютный альбом под названием «Legacy» скоро увидит свет.

Этот альбом не подчиняется каким-то определённым правилам, и это не должно для кого-то стать большим сюрпризом.  Стираются музыкальные границы, множество стилей, пересекающихся между собой, попадают в центр внимания, но без особой привязки к тэгу drum’n’bass. Будь то убийственно темное звучание от Loxy & Resound, меланхоличный halfstep у dBridge и  Skeptical, или же отголоски звучания autonomic эпохи у Kid Drama. В каждом треке вы слышите что-то особенное, присущее определённому музыканту.  Здесь каждый из участников влияет на творческий результат по-своему.

Мы связалиcь с Loxy ,чтобы разузнать чуть больше о проекте и в нашем интервью мы также спросим его,  чего нам ожидать от этих ребят в будущем.

Loxy-2

Привет, Loxy.  Сколько шла работа над вашим проектом Module Eight? Нам известно о твоих совместных работах с Resound, но как так получилось, что ты начал работать с таким коллективом, в котором и dBridge, и Skeptikal, и Kid Drama?

Мы уже давно работаем с dBridge и со  Skeptical, поэтому здесь нет ничего удивительного. Мы записывали треки, отсылали друг другу, чтобы поделиться идеями. Иногда, как это бывает у артистов, мы застревали на какой-то точке. Мы любим и уважаем то, что каждый пишет из нас, поэтому ход развития событий здесь весьма естественный.

Как влияет на творческий процесс сам факт работы с бОльшим количеством участников в проекте? Для вас легче, когда сразу много предложенных идей уходит в работу? Или же процесс в чем-то существенно отличается?

Конечно! Гораздо легче, когда объем работы распределяется между участниками, соответственно, и работу над треками мы завершаем в разы быстрее. Это ко всему еще и весело и интересно. Никакх грандиозных планов, никаких личных амбиций, мы все делаем общее дело, подчиняясь одному принципу – создавать музыку, которая нам нравится и которую хочется играть.

Будут ли живые выступления Module Eight или же это останется только студийным проектом?

Мы отыграли «вживую» совсем недавно в клубе Fabric на мероприятии, посвященном выходу нашего альбома. Так что я думаю, что если всё пойдет и дальше в правильном русле, то мы будем открыты к идеям новых выступлений.

В разных треках можно услышать, кто  именно в нем «солирует» по мере того, как звучат разные оттенки звучания.  Все-таки, один или двое из всего коллектива играют ключевую роль в звучании определённого трека или же это воплощение одной большой идеи всех пятерых?

На самом деле, слушая тот или иной трек, люди думают, что они точно знают, человека, который основательно над этим треком потрудился. Но на самом деле. Люди часто в таком случае ошибаются. По мнению некоторых, если ритм звучит определённым образом, значит его записал вот этот продюсер, но и это тоже ошибочно.  Но слушателю, нужно привыкнуть к идее, что этот альбом – это не что иное, как большой котел  с нашими общими идеями. Я лично, не слышу звучание какого-то одного из нас в том или ином треке, для меня это творческий микс из звучания всех 5 участников.

Представляю, насколько труден мог оказаться выбор финальной версии трека, было ли тяжело для вас остановиться на чем-то конкретном, том что, в  итоге, попадает на альбом? Думаю, что споров у таких продюсеров, как вы, не возникало. 😉

На самом деле споров никаких не было. Все прошло легко. Треки сами себя выбрали, если так можно сказать.

У вас уже есть что-то в планах после выпуска альбома? Думаю, что в вашей папке с общим доступом есть еще немало работ.

У нас есть некоторое количество треков на которыми мы в настоящее время работаем . Нет конкретных планов, все двигается само собой. Будет EP на Cylon, будет кое-что на CNVX.  Нам никто не ставит крайних сроков, поэтому у нас в этом плане ход вещей опять же более чем естественный.

И пару слов в завершение интервью?

Приобретайте альбом и поддерживайте движение!

Kris Blake http://www.in-reach.co.uk/dissecting-module-eight-with-loxy-exit-records/

перевод: Rustee (c) 2015 @Vykhod Sily

 

Мастер футуристического обволакивающего звучания, питающий симпатию к скорости 170 ударов в минуту James Clements, всегда поступает  по-своему. Andrew Ryce решил разузнать у него самого, в чем же истинная причина такого поведения.

Когда я позвонил James, он был в студии в Сан-Диего и готовился к запуску нового, совместного проекта с Samurai Music под названием Grey Area. Участие в этом проекте более чем наглядно дает нам понять, куда сейчас устремлены его мысли. Основная идея, по замыслу творцов, это выпуск музыки, которая не попадает ни под одну классификацию, у которой нет выходных данных и никаких имен, и все это делается для того, чтобы избежать разного рода предубеждений.

Музыка ASC всегда находится где-то за рамками, а не в них. За последние 10 лет он стал  одним из самых плодотворных d’n’b музыкантов современности. Его мелодичные работы в свое время выходили на лейблах Offshore, Inperspective и Nu-Directions. В работах James очевидны динамика и присутствие пространства вместо завышенной громкости, а в его треках «Environments» или  «Deep Spaces» слушатель встречает downtempo фрагменты, которые открывают  нам личность музыканта с другой творческой стороны.  В 2009 году после выпуска альбома «Astral Traveller», в котором ASC цементирует  успех своей музыкальной формулы, его интересы обращаются в сторону dBridge и  Instra:mental. Теперь свое вдохновение он черпает в релизах  лэйбла Nonplus  и в звучании  Autonomic.

Clements как музыканта захватывает этот  поджанр, на который значительно влияли IDM и Detroit techno – и это всё происходит в тот момент, когда ASC начинает наскучивать его привычное творчество. Благодаря Autonomic у James появляются новые возможности раскрыть звучание на 170 ударов в минуту. Возникают свежие музыкальные  контексты в которых эта музыка начинает звучать шире и объемнее. И если раньше его музыку можно было отнести к «intelligent drum’n’bass», то теперь музыкант отдает дань уважения атмосферному звучанию Autechre и Arovane. Новая фаза в творчестве для ASC наступает в 2010 с выходом его шедевра «Nothing Is Certain» и потрясающего подкаста для Residential Advisor.

В тоже самое время, Clements запускает собственный лейбл Auxiliary, в котором уже созданы и успешно работают  подлэйблы, среди которых Veil и Diode. Изначально эти саблейблы задумывались как площадки для выпуска собственной музыки в духе Autonomic, которой у ASC было тогда в избытке. Но сцена в тот момент начинает разбиваться на автономные сектора, и аналогично Samurai Music теперь уже и Auxiliary становится основным в группе лэйблов. Союз владельца Samurai Geoff Wright с Clements становится принципиально важным. Оба стимулируют творчески друг друга, мотивируя уходить еще дальше на периферию глубокого звучания в своей работе, особенно в случае с подлейблом Horo у Samurai, в который идеально вписывается свободное, музыкальное кредо ASC.

С началом работы для Auxiliary и Samurai,  в качестве лейблов для выпуска собственной музыки, у Clements начинается один из самых плодотворных периодов в его творческой карьере.  EP из загадочных треков на 170 ударов выходят одна за другой.  Появляется концептуальная серия под названием Symbol и за ней следует череда совместных работ.  Не забываем про techno работы для Perc Trax и Mote-Evolver. Практически всё из этого звучит превосходно. В одном случае музыкант пугает и держит в напряжении, в другом неустанно экспериментирует. Тот момент, когда ASC полностью отходит в работе  от привычных барабанных партий, становится для него знаковым.  В 2011 году для ASC начинается сотрудничество с канадским лейблом  Silent Season, на котором выходит «The Light That Burns Twice As Bright», а за ней « Time Heals All»  и « Truth Be Told». В этом десятилетии все три ambient альбома стоят на отдельном, почетном месте.

Переход Clements к ambient ни для кого не сюрприз. В его руках полевые записи, звук синтезаторов и мелодии в духе Stars Of The Lid  образуют тщательно сконструированную музыкальную экосистему.  Наполовину она искусственная, наполовину органическая. Его подход классический по духу, но современный по исполнению.

asc-sync-start

Все эти работы явились чем-то новым для Clements, поскольку музыкант не стал брать свои другие псевдонимы (Mindspan или Intex Systems), а выпустил их под тем же самым именем, которое так хорошо известно любителям 170 BPM электроники. Для ASC  решение объединить разное звучание под одним именем становится очень важным, поскольку теперь границы между стилями, в которых работает музыкант, могут стать еще более расплывчатыми. Для него techno, ambient и 170 не только существуют параллельно, но  они еще и взаимодействуют между собой. Альбом «Imagine The Future» прекрасное тому доказательство. И если даже мы опишем эту работу как  “ambient drum & bass” (хотя он больше не занимается drum’n’bass), то, безусловно,  этот альбом звучит абсолютно непохожим ни на что другое.

Большую часть своего времени Clements проводит в собственной студии. Как музыкант он также работает над саундтреками к фильмам и создает звуковой дизайн для мультимедийных проектов. И это всё позволяет ASC зарабатывать себе на жизнь. Когда он выступает где-либо (что происходит довольно редко), это, как правило, запоминается многим. Он выступал с  live techno сетами, обычными DJ сетами  и некоторые из его выступлений состояли полностью из ambient performances (в качестве лучших примеров, поищите его сет дляTar & Feathered  2012-го года или ambient выступление на фестивале  Decibel festival в 2014).

Примечательно то, что как музыкант ASC  продвинулся достаточно далеко в своем творчестве, следуя своему пути. Известно, как сложно завоевать себе репутацию на электронной сцене, если ты не вписываешься в какие-то определённые рамки. Но благодаря стараниям и титаническому труду, готовности открывать новое и экспериментировать, ASC создал собственную маленькую сцену, за пределами как drum’n’bass, так и привычной электронной музыки.

Люди пошли от Autonomic дальше, и ты сделал то же самое. Сложно ли было продолжать работать в этом ключе после того, как всё ушло в небытие?

Для меня это не было сложно. Имею в виду то, что эта тема не переставала для меня быть волнующей и требующей множества усилий. Для меня самый главный момент – это то, что в техническом плане я смог расширить привычный горизонт звучания. В то время у меня никогда не возникало мысли, что я привязан к какому-то определённому темпу. Для меня продвигать подобное не становилось трудностью. Я не знаю насколько правильно здесь говорить «сдвигать границы», наверное, это не мой случай, но я точно знаю, продолжать мне было несложно. Для меня это было еще сродни испытанию еще и от того что никто больше этим не занимался.  Я просто скромно размахивал своим знаменем.

Как тебе удалось расширить собственные горизонты?

Где-то в году так 2008-ом, я слушал много techno и ambient музыки. Был большим фанатом того, что делал проект  Sandwell District. Это само только по себе уже дало мне гораздо больший охват для творчества. Скажем так, у меня появилось гораздо больше желания заниматься другой музыкой, а не drum’n’bass или подобной скоростью вообще. Это послужило катализатором в каком-то роде.

На твой взгляд,  стала ли  твоя музыка стала еще более похожа на ambient из-за этого?

Не думаю, что стала. Потому что люди всегда способны различать вещи, только обладая информацией на поверхности. Многие думают: «ASC – ну, нормально. Atmosperic там, дипуха, все дела…». Поэтому ничего принципиально  не изменялось с моей стороны. Все эти вещи однозначно увели меня в сторону от музыки для танцполов. И благодаря этому я стал писать еще более глубокие треки, чем когда-либо до этого.

Лейбл NonPlus изменил вектор и ты открыл собственный лейбл  Auxiliary. Что заставило тебя пойти на это?

На самом деле это была идея от Al [Boddika] из Instra:mental. Он рассказывал мне о планах на NonPlus и добавил: «Знаешь что, мы тут собираемся писать материал не только на 170 ударов и постепенно отойдем от этой скорости, так что может тебе попробовать открыть что-то свое?». Мы организовали всё через британского дистрибьютора [ST Holdings] и все заработало. Название Auxiliary  (вспомогательный. Англ. прим. перевод.) было у меня припасено, поскольку я думал, что это станет моим резервным вариантом  для альтернативного творчества.  А тут тема взяла и стартанула. Чуть позже Al отошел от дел, сейчас он творит чудеса, он молодец. А лейбл стал моим главным детищем.

asc-sync-auxillary

Какое видение  у лейбла? Понятно, что все задумывалось как нечто идущее параллельно, как не основное направление. Но что изменилось?

Работа над лейблом стала моим основным видением. Лейбл стал моим главным ресурсом для выпуска той музыки, которой  я занимался в то время. На мой взгляд, в процессе какой-то музыкальной трансформации после Autonomic, я достиг такой точки, когда то, что я записывал, уже не могло больше называться Autonomic. У нового звучания был свой характер. Мы работали над этим, но в результате от drum’n’bass не осталось и следа.

Ты говоришь «не для танцполов», «не drum’n’bass», «не Autonomic», тогда что же это? У тебя ведь однозначно есть собственное звучание.

В том то и дело. Это очень сложная тема и не хочется ее ворошить,  поскольку я сейчас не чувствую абсолютно никаких связей с drum’n’bass. Я не слушаю эту музыку. Не играю ее как DJ. У меня нет с ней ничего общего. Но это не значит, что я ее ненавижу. Просто она перестала меня интересовать. Я ее не касаюсь в работе, наверное, это немного странно. Многие ведь до сих пор ассоциируют нас именно с этой музыкой. Но я считаю, это все из-за того, что мы не придумали тогда этой музыке имя. И еще одна причина в том что, нашу музыку принимают за drum’n’bass, это  скорость.

Почему ты предпочитаешь работать именно с этой скоростью?

На этой скорости по-прежнему есть много чего такого, что можно было исследовать  для себя. Если я остановлюсь, то кто продолжит начатое?

Тебя раздражает то, что тебя относят к drum’n’bass из-за скорости?

Нет, меня не раздражает, просто я считаю это заблуждением, особенно со стороны тех людей, которые находятся в этой теме. Они слушаю то, что я играю, потом подходят и спрашивают: «А это что блин такое вообще? Это же не drum’n’bass! Не хочу это слушать». И ты знаешь, это вполне справедливо, поскольку они хотят слышать тот самый drum’n’bass. Быстрые барабаны, басовые партии, мощные боевики, которые звучат суперкруто на большом звуке и прочее. Но это не то, чем я занимаюсь  в данный момент.  И я в замешательстве, типа «Ладно, ладно. Я понимаю, что ко мне до сих пор клеят этот тэг. Но у меня просто нет другого названия для этой музыки». Только не надо чтобы Beatport придумывал очередное идиотское название.

Работая в сфере, которая к drum’n’bass не относится и не относится также к techno, нервничал ли ты, когда запускал лейбл, как люди воспримут эту идею? Особенно, это касается релизов из серии Symbol, там же такая странная музыка, ну абсолютно странная.

Думаю да. Честно, я каждый раз нервничаю, когда выпускаю ту или иную работу. Это всё потому что я не вписываюсь ни в один формат. Я просто делаю свое дело и при этом думаю: «а как же люди меня воспримут в этот раз?» «Поймут ли они то, что я хотел до них донести или это пройдет мимо?».  У меня разные предчувствия, когда я что-либо выпускаю. Ну, а что касается лейбла, то мы решили разбить этот путь на три фазы пока что. Первая фаза была эхом Autonomic с первого по шестой релизы.  Затем с седьмого релиза началась новая фаза, это были работы от меня и от Ulrich Schnauss, и это стало метаморфозой того, чем был Autonomic и того, чего нам удалось добиться (появилась платформа для создания нашей, собственной музыки).  Сейчас мы пребываем в третьей фазе, это  Grey Area и это, что сейчас активно в музыкальном плане культивируем мы вместе первопроходцом Sam KDC и Presha.

asc-sync-cables

Ты относишь себя к те людям, которые планируют все заранее?

Да, конечно. Я вообще псих в этом плане. Я не начинаю работать в студии, пока там не будет наведен порядок и все не будет лежать на своих местах.  У меня там всё аккуратно стоит, расставлено как надо, ну и текстовые заметки тоже есть.

Я точно слышу, насколько чистый у тебя звук. Не скажу, что  он сухой, там много реверберации и эмоций. Но звук чистый и он футуристичен. Из чего собрана твоя студия, если это не секрет?

Мне нечего скрывать, потому что даже если я кому-то расскажу  про свою студию, то вряд ли этот кто-то, узнав об этом, принесет треки аналогичные тем, что пишу я. Все идет на уровней идей, из головы. У меня ПК. Основной секвенсер – это ReNoise. Это довольно старый трэкер, в основе которого еще более старый трэкер Fast Tracker 2. Он сохранился еще с тех дней, когда я только начинал писать музыку.  Я возился много с Atari ST (годы 95-96), но то, что получалось тогда у меня, я треками не назову. Я просто экспериментировал и пытался понять, как и что можно сделать. Я работал с ранними версиями Cubase и простейшим протоколом под названием Tracks, представлявшим из себя очень скромный, простейший секвенсер, работавший по MIDI с плохенькими клавишами Casio или что там у меня тогда было. Не знаю, чем я вообще тогда занимался, но энтузиазма хватало с лихвой.  В какой-то момент я перешел на Fast Tracker на ПК, купил набор оборудования и немного поработал с ним. Первая пачка треков была записана на до невозможности простейшем оборудовании: hi-fi колонки, ушатанный ПК, Yamaha CS1X и  Behringer Ultra Effects Pro— вот и всё. Я постоянно использовал эти аппараты. В тот момент времени этого было достаточно, но сейчас, когда я слушаю те треки сейчас, то понимаю, насколько всё с ними плохо. Становится даже смешно.  Если говорить о том, что у меня есть сейчас, то это по-прежнему  ReNoise—самая последняя версия— плюс у  меня очень много «железа» , синтезаторы на стойках  и модули с эффектами.

За счет чего, у тебя по-прежнему такое  ни на что непохожее звучание?

Для падов и атмосфер я предпочитаю работать с двумя аппаратами и использую их максимально часто. Первый – это векторный синтезатор Yamaha TG33, собой он представляет небольшой инструмент, который помещается на столе и выглядит как чудовищный факс из 90-х. Смотреть на него невозможно. Но такие, зато, пады на нем можно получить, просто с ума можно сойти. Когда я брал его на ebay, то отдал 110 долларов. Сейчас, уверен, их продают вдвое дороже или около 300 за штуку. Думаю, что люди просто осознали, насколько этот прибор редкий.  И второй аппарат, с которым я работаю часто и много это Roland JD 800. Это цифровой синтезатор из 90-х, но все управление вынесено на верхнюю панель. Ты просто можешь трансформировать любой материал в невероятный саундскэйп или пад, еще им можно выстраивать атмосферу. Вот, пожалуй, это самые часто используемые инструменты у меня.

asc-sync-studio

Давно слушаешь ambient?

С 94 или 94 года, но тогда в треках было много downtempo звуков, просто такой оптимальный материал для chill-out , а-ля Global Communication. Забейте в поисковике имя 76:14. После прослушивания у меня открылись глаза и начал осознавать, что же такое ambient и кто его пишет. Потом я услышал Future Sound Of London. Но, конечно, это не 100% ambient. Первым треком, который я услышал была работа Moby под номером четыре на CD сингле, назывался он что-то вроде “The Rain Falls And The Sky Shudders”. Я помню слушал и понимал всё из названия.  Атмосферная вещь, с шумами природы, красивая тональность, очень приятная работа. С тех пор ничего подобного я не слышал. Я включал ее снова и снова и думал про себя: «Ну да, это просто же отличный трек».

А чем она так сильно тебе запомнилась?

Она начала резонировать вместе со мной. Я оттуда подчерпнул эмоций и атмосферности. Для меня очень важная часть в музыке – эмоциональность. Мне нужно почувствовать нечто внутри трека, от чего внутри меня бы начало резонировать. Такое объяснение  может показаться очень странным

Считаешь ли ты, что в твоих работах после 2010 года стало больше ambient музыки (не считая твоих непосредственно ambient треков)? Можешь ли ты сказать, что ambient вдохновляет тебя в большей степени сейчас, чем это было раньше?

Разумеется. Все благодаря Chris из mnml ssgs, он познакомил меня с Brock Van Wey [bvdub] и после этого мы стали хорошими друзьями. Я услышал его альбом «White Clouds Drift On & On» на Echospace.И с того момента я стал больше думать: «Черт, ну почему я не пишу ambient?  Я же могу записывать не хуже».  Влияние от услышанного было настолько велико, что я тут же начал собирать техническую информацию о создании подобной музыки, даже несмотря на то, что мое звучание рядом не стояло с тем, что создавал Brock. Для меня это было очень важно, и я поговорил с ним. Мне он тогда очень помог.  Он сказал: «Да, конечно. Тебе нужно попробовать. Не вижу причин не начать писать что-нибудь в этом ключе. Давай разок».

Страшно было в начале или же ты сразу погрузился в музыку и начал творить?

Если вокруг меня музыка, то я тут же в нее погружаюсь. Я попробовал тогда. Я понял для себя, насколько легко я могу управлять своими мыслями. Лично я отношу себя к той категории музыкантов, которые творчески мыслят шире обычного и никогда не поддаются на соблазны типа «самый главный тренд этого месяца».  Это была помощь, которую сложно оценить, насколько значимой она для меня оказалась. Помощь во многом, хотя бы потому что я никогда не чувствовал, что я застрял в каком-то конкретном звучании или же все, что я не создаю не звучит как drum’n’bass, только потому что я когда-то писал drum’n’bass.

Как ты начал общаться с Jamie с лейбла  Silent Season?

В 2011 у меня был тур в Токио, в котором у меня было 3 выступления, и я играл на вечеринки от mnml ssgs. Там был Russell из Labyrinth, мы общались и я включил первый диск Time Heals All, там больше часа ambient материала и он сказал: «Тебе обязательно нужно выйти на владельца лейбла Silent Season, там бы эта музыка идеально подошла». Так все и вышло. Я позвонил Jamie в какой-то из дней после возвращения. Отправил ему работы, и он ответил: «Хорошо, это можно выпустить на лэйбле».

А ты знал до этого о существовании этого лейбла?

Да, я слышал, что есть такой, но не особо следил за релизами. Возможно по причине того, что тэг «dub techno» меня к тому времени изрядно утомил. И после прекращения деятельности лейбла Chain Reaction, я точно для себя понял, что никто более  оригинально, чем Deepchord или Echospace эту музыку не запишет. Я думаю, в этом жанре тоже существует ряд проблем.  А потом оказалось, что Silent Season…нет, они тоже выпускают dub techno, но у них большинство релизов мелодичные и в них много ambient. По-настоящему расслабляющий музыкальный материал.

 А у тебя уже материал для первых альбомов был к тому времени записан?

Да. «Time Heals All» был первым диском на самом деле, а на втором диске был непосредственно записан отдельный альбом «Stone Of Avoidance»  . Этакое эпичное полотно на космическую тематику. Этот материал у меня лежал в столе и пылился, я не отправлял его Jamie, потому что думал про себя: «Ладно, два альбома у меня есть готовых. Вот запишу третий и отправлю ему». А позже он сказал: «Есть что-нибудь еще, что бы я мог послушать?»

asc-sync-silent

Как происходит отбор материала для альбома? Есть ли что-то такое, что служит связующим звеном между  треками?

Когда я начинаю работу над альбомом, то внутри меня есть определенное расположение духа. И если трек подходит для моего нового проекта, и я пребываю в этом расположении духа какое-то продолжительное время, не думая особенно об этом, то я точно знаю, у меня уже есть первый, необходимый для альбома объем записанного материала.  А потом уже ты начинаешь вслушиваться  и понимать, где какое место отведено тому или иному треку. Начинаешь менять их  местами. Для меня это очень естественный процесс.

Различается ли твой подход к написанию ambient треков от подхода к созданию треков с ритмической основой? Ambient работы от ASC не звучат так же как работы этого музыканта без барабанов.

Да. Для меня главное в работе это то, что я не слишком беспокоюсь о низких частотах.  Когда я записываю трек на 170, то сабы, кики и все частоты так плотно сидят в треке, что не о каких дерьмовых миксдаунах и говорить не приходится. Но в случае с ambient музыкой, поскольку в большинстве случаев она идет без ударных, мне бас не нужен вовсе. Есть ведь широчайший диапазон частот для эффектов, падов и многого  чего другого в треке.

Да, с ambient альбомами всё более-менее понятно, но у тебя же был проект Mindspan когда-то? Расскажи, что же произошло?

Вспоминая то время, я думаю, что мне просто нравилось придумывать себе новые творческие псевдонимы.  Для сегодняшнего дня такое количество имен просто избыточно. Вот почему я больше не выпускаю ничего под этим именем. В тот период  я работал над созданием собственного первого лейбла Covert Operations, и был без ума от Chain Reaction и Basic Channel. Я хотел записывать материал ближе к ambient techno нежели к  dub techno.  Мне нравилась та сторона музыки, где было бы больше ambient. Я записал тогда материал для этого проекта, и решил издать его под другим именем, поскольку как ASC  я работал в основном с drum’n’bass. Причем довольно обыденный drum’n’bass: драмбрейки, басы и прочее.

После этого, в году так в 2012, ты начал записывать techno треки. Помню твои выступления полностью из этой музыки в Лос-Анджелесе и в Нью-Йорке.

С каждым днем я любил techno музыку все больше и больше. И в какой-то момент я понял для себя: «Ну, всё, пришло то время! Я должен записывать techno».  И вот результат.

У тебя было достаточно треков, чтобы отыграть двухчасовое выступление. Почему все прекратилось, и почему же ты так и не выпустил большинство из тех работ?

Со всей честностью, я понял тогда, что они звучат недостаточно хорошо для меня лично.  Я вообще жутко самокритичен, что касается творчества. И если я понимаю, что трек  того не стоит, то я не буду его выпускать.  Я получал положительные отзывы и всем нравилось, но ребята из techno тусовки мне говорили тогда: «Очень абстрактно, непохоже ни на что и для танцпола не подходит». И тогда я подумал: «Ладно, выпущу я, пожалуй, парочку своих треков». Был релиз на Perc Trax и была выпущена  Mote-Evolver EPи что-то еще помимо этого, но в целом…я не знаю. В то же время, я параллельно начал использовать techno влияния в моей работе с материалом на 170 ударов.  Получилось нечто новое, по сути. Да, скорость была 170, но для меня этот материал звучал как techno. Произошло перекрестное опыление.

А что ты имеешь в виду, когда говоришь о внедрении  techno  элементов  в треки на 170?

Просто дело в эстетике, в композиции techno трека, в том, как он записан. Если взять музыку  со скоростью 170 …ладно, давайте говорить об этом как о drum’n’bass. Я иногда думаю, что люди неправильно понимают термин «скорость 170 ударов», часто ассоциируя  это только с drum’n’bass. Для меня это не одно и то же. Я вам скажу, что лично я понимаю это, только как скорость трека.  Слушая трек в подобном стиле, вы, наверняка, услышите, как много там всего в его структуре происходит.  Деталям в этом случае уделяется слишком много внимания.  Много нюансов, когда что-то меняется в треке. Если что-то должно измениться в треке, то вы обязательно услышите намек на это.  Если вот-вот должен вступить бас, то вы уже знаете, что он вступит. А в techno музыке все происходит органично.  Звуки, элементы как входят в трек, так и покидают его. Именно эта эстетика меня сейчас больше всего интересует, если я работаю с материалом на 170.

asc-sync-sky

Интересно ли  тебе вернуться в techno и начать писать ортодоксальный материал?

У нас, на самом деле, с Sam KDC есть кое-какой материал под именем Saturne. Это прямо настоящее каноническое techno.  Если не вдаваться в подробности процесса, то это довольно сложно объяснить. И  я пока не хочу сильно это всё афишировать, потому что будет еще кое-что, что может быть интересно слушателю.  Так что techno и ambient – это то, что я слушаю сейчас чаще всего.

Ты как-то сказал, что не любишь работать совместно, но при этом у тебя очень много всего записано вместе с  Sam KDC. Что ты можешь сказать о нем и его музыке?

Если говорить о совместных работах, то я лично не придерживаюсь именно такого подхода, лишь потому  что мой метод работы, для некоторых, может показаться очень странным и слишком нестабильным.  Я могу спонтанно начать работать над треком, у меня в голове loop и я занимаюсь им 10 минут, потом оставляюсь на час или дольше. Потом снова сажусь. Могу не браться за трек несколько дней. Могу параллельно что-то начать. Думаю, что тем, кому захочется поработать со мной совместно и записать трек за 8-9 часов придется нелегко.  У нас не получится вместе  сидеть целый день над треком и что-то придумывать. Я так просто не могу работать, не моя это формула. Но работать с Sam KDC мне довольно легко, потому что вся работа идет через интернет. Мы просто перебрасываем друг другу какие-то наработки.  Для меня это оптимальный вариант работы, поскольку я могу творить с привычным темпом, не покидая  своей студии.

Что ты можешь рассказать о проекте Grey Area?

Это то, что я уже упоминал в нашем разговоре.  Свежая тема, над которой мы работаем вместе с Sam KDC уже какое-то время.  Для нас GA это все то, что не ограничивается одной лишь только скоростью треков. Поэтому там может быть и 170.  Но общая концепция – «та музыка, которая никуда не вписывается».  В основе GA лежит принцип невозможности классифицировать тот или иной звучащий жанр. Мы об этом говорим так: «Хорошо, эта музыка относится к GA и мы не знаем, что с ней делать».

Для многих артистов, которые находятся в GA, большая проблема – это гастроли. Если ты не знаешь, как описать свою музыку, то и предложить себя ты не сможешь, чтобы тебя пригласили выступать. Ты не часто выступаешь. Ты намеренно это делаешь?

Да. Я так для себя решил. У меня проблемы со спиной, за последние несколько лет ситуация сильно ухудшилась. На самолетах летать я едва ли уже могу.  Для примера случай, перед выступлением в Нью-Йорке на Tar & Feathered  мне пришлось экстренно обращаться к костоправу. Денег за это отдал немерено.  Со спиной творится что-то очень странное, и все эти 6-7 часовые перелеты  по Америке в набитых битком самолетах становятся для меня невыносимыми. Мне приходится отклонять предложения выступить именно по этой причине.  Полеты за рубеж проходят полегче, самолеты более комфортабельные.

А чем же зарабатываешь себе на жизнь, если не выступаешь с гастролями?

У меня много есть чего, чем я занимаюсь вне электронной музыки. Озвучиваю, например, заставки на ТВ или рекламные ролики. В этом году я завершаю работу над моим первым саундтрэком и надеюсь, в скором будущем еще что-нибудь на горизонте появится из подобного.  Параллельно работаю над вторым саундтрэком, так что да, у меня есть на что жить, даже если я не езжу по гастролям.

Что тебе приносит выпуск музыки в финансовом плане?

Да уж, не скажу, что это какие-то бешеные деньги, поскольку цифры сегодня по сравнению с теми, когда я начинал заниматься музыкой, смешные.  Но с другой стороны сейчас появляется все больше и больше решений по типу  DIY.  Ты убираешь все лишнее из затрат, продажи идут прямые, теперь можно зарабатывать больше на этом.

asc-sync-tunnel

Если ты постоянно работаешь, то как тебе удается сохранять вдохновение?

С этим бывает сложно.  В прошлом году у меня был «кризис жанра»  длиной в  2 месяца. Пожалуй, самый долгий из всех, что со мной случались когда-либо. Тогда я сильно нервничал по этому поводу, чувствовал  что «перегорел»  внутри. Задавал себе вопрос: «Разве стоит  ли всё этого?  Это разве гребанный предел?».  Я думаю, это всё из-за моих  внутренних проблем с депрессией.  С ней я живу практически всю свою взрослую жизнь.  Но время от времени  она влияет на мою музыку.

Ты живешь в Сан-Диего и изолирован от многого вокруг. Для тебя это плюс или минус?

И то, и другое. Здесь нет настоящей музыкальной сцены.  А если и есть, то очень своеобразная. Если кто-то здесь на гастролях, то все банально и предсказуемо. Ничего на месте здесь  не происходит.  Мы с моим товарищем по имени Will (помогает мне вести дела лейбла) как-то раз попытались организовать вечеринку  «170  SD». Дело вроде пошло, но потом клуб  был перепродан другим людям, и нам стало это всё не настолько уже  интересно. В то время помимо этого была куча дел, связанных с лейблом и моим творчеством.  У меня до сих пор остается негативный осадок от города. На меня здесь ничего не влияет и не действует.  Я сам по себе, вдалеке от всех и я могу делать, что захочу. Для меня это лучшее решение, поскольку я интроверт, и предпочитаю держать всё в себе.

Пару месяцев назад мы общались на тему одного из твоих старых миксов для журнала Knowledge, и ты в Twitter сказал, что тебе неловко  говорить об этом миксе. Тебе всегда неловко говорить о своей прежней  музыке?

Нет, я бы так не сказал. Просто… я когда слушаю старый материал, я оцениваю его с технической позиции, насколько он просто или насколько он устарел. Так лучше всего, поскольку  то, чем занимаюсь я сейчас, находится совсем на ином, более продвинутом уровне. Я не слишком придирчив к старому, ведь именно старое помогло мне добиться нынешнего уровня. Это фундамент для звучания ASC, так что всё в порядке с миксом.

Помимо проекта Grey Area, над чем ты сейчас работаешь?

У меня в работе ambient techno вещи, это будет расслабляющий  12-дюймовый релиз на Silent Season. По звучанию, они похожи на те 4 трека, которые звучали в конце моего выступления на фестивале Decibel (их можно до сих пор найти на Soundcloud), скорее всего этот релиз будет следующим на лейбле.  На Veil будет EP, она увидит свет в течение нескольких следующих месяцев. Кое-что у меня заготовлено для Samurai Red Seal.  Эта EP, опять же, возвращаясь к теме Grey Area, будет звучать, словно techno на 170, но techno  же не выпускается на подобной скорости. Как это называть я не знаю, поэтому и будем считать этот релиз относящимся к Grey Area. Должно получиться очень любопытно. После этого будет  еще больше иного материала, будут новые проекты  на  Auxiliary  и  Samurai, и без сомнений на Silent Season будут еще выпускаться мои ambient работы.

Так что в ближайшее время, ты обороты не собираешься сбавлять?

Абсолютно. Для меня просто нет иного пути. Честно скажу, то, чем я занимаюсь – это и есть весь я.  Я люблю создавать, и я всегда продолжаю делать это.

Интервью: http://www.residentadvisor.net/feature.aspx?2523

Перевод: Rustee  (c) 2015

@Vykhod Sily @Special Request

y7Xyc_F_PNg

За последние несколько лет с британским продюсером из Манчестера Synkro (он же Joe McBride) произошёл целый ряд серьезных перемен. Если раньше его звучание варьировалось между глубоким drum’n’bass и dubstep, то сейчас спектр стилей, в которых работает продюсер, стал гораздо шире. И поскольку музыкальный кругозор Synkro изменился, этот переход стал для музыканта всеобъемлющим.

Прогрессирующее разнообразие музыкальных вкусов стало катализатором для появления долгожданного альбома «Changes», который увидел свет в сентябре этого года на ambient подразделении лейбла R&S – Apollo Records. Это монументальное творение, богатое на атмосферу, в котором хрустящие, полевые записи шуршат бок о бок с панорамными, галактическими партиями синтезаторов. Это великолепная работа, которую по праву можно поставить в один ряд с творениями таких стилистических «хитрецов», как Burial или Machinedrum. Этот альбом из тех, благодаря которым музыканта замечает слушатель.

Что-то из отголосков фирменного звучания Synkro мы могли уже слышать на предыдущих работах для лейблов Exit, Mindset, Box Clever и Apollo. Альбом «Changes» выдержан в меланхолическом ключе, насыщен звучанием аналоговых синтезаторов, в которых так влюблен этот парень и буквально растворен в горько-сладком ambient облаке.
Вместе с компаньоном по techno проекту Akkord Liam Blackburn, они вместе создали серьезный резонанс в музыкальных кругах, выпустив несколько релизов на лейбле Houndstooth. После этого Synkro стал еще ближе к темной стороне звучания и, в плане выбора студийного оборудования можно также отметить перемены. Ничто не проходит бесследно. Таким образом, работа в Akkord повлияла и на то, что пишет музыкант сольно.

a2387876178_10

«Записывая треки для проекта Akkord, я открыл для себя многое, что всегда до этого недооценивал» – говорит Synkro – «Я просто погрузился с головой в темный ambient и drone, в звучание таких людей, как Emptyset и Haxan Cloak. Мне стали нравиться работы Throbbing Gristle и Psychic TV. Я прошел сквозь это сырое, индустриальное звучание, которое я упустил раньше, и это отразилось, в какой-то степени, на моих работах как Synkro. Угрюмая меланхолия стала чаще встречаться в моих работах, нежели счастье и радость. Звучание остается при этом светлым, но у него есть оттенок грусти».

«Changes» требует внимательного прослушивания. Такие треки, как «Harbour» отсылают нас к мастерам ambient жанра. Здесь слышны приглушенные голоса, фрагменты случайных записей. Яркие, ослепительные аккорды разлетаются эхом и исчезают бесследно в томном воздухе. Композиция «Midnight Sun» хрустит hip-hop элементами, в ней мы слышим искаженные партии синтезаторов, чем-то напоминающие работы коллектива Boards of Canada. «Your Heart» можно сравнить с Zomby из саундтрека к Resident Evil 2: жуткий устрашающий и при этом красивый трек. Все эти работы объединяет использование аналоговых инструментов, новое пополнение в арсенале продюсера. И если раньше он, скорее всего, бы засемплировал фрагменты со старой krautrock пластинки, то нынче он сыграет эту партию сам на синтезаторе.

«То «железо», которое я использую при написании музыки, довольно старое и очень простое»- признается музыкант – «Когда ты смотришь на Juno 6 или на 101-ю модель, там нет ничего скрытого из функций – вот оно, все перед тобой. После работы с Ableton, ты начинаешь себя переучивать работе со звуками, используя самые простые параметры. Тебе приходится думать больше о самом процессе, нежели о том, чтобы заполучить тот или иной пресет (preset) для Ableton синта. Я никогда не уходил в работе от пресетов,но мой основной источник звуков – это сэмплы. Я ведь начинал именно с этого. Парни, которые создавали drum’n’bass в самом начале, они же просто сэплировали всякое. Послушай, к примеру, пластинку LTJ Bukem, так там 5 пластинок разных играют вместе. Вот так и я учился. Для меня это начало начал в техническом плане».
MG_2038-2
Synkro не скрывает своей «одержимости» ранним электронным звучанием, которое приближает его в своей работе к первопроходцам. Возвращаясь назад, слушая krautrock и new age музыку из 70-х и 80-х (именно это попадает в треки в качестве самплов) Synkro теперь способен оживить любимые звуки из прошлого. «Я погружаюсь с головой в первые музыкальные вещи, созданные при помощи синтезатора» – с энтузиазмом рассказывает продюсер – «Tangerine Dream и Klaus Schulze. Двигаюсь навстречу той музыке, из которой я первоначально многое брал на сэмплы. И спрашиваю себя: «А что за аппараты они используют? Как они добиваются подобного звука?» Я возвращаюсь назад в попытке изучить методику создания музыки первых электронных музыкантов, в попытке привнести эти способы и приемы в мою собственную музыку, без копирования ее, как делают это многие. Когда ты начинаешь обращаться к первым электронным произведениям, это сносит тебе крышу, потому что ты думаешь в этот момент: «Черт возьми, они делали подобное 30 лет назад, а для людей сейчас это новое звучание». Поразительно, как много ты можешь отыскать, если только ты ищешь».

Но как бы то ни было, drum’n’bass элементы от прежнего Synkro также не прошли стороной новый альбом музыканта. Просто теперь они менее узнаваемы. «Shoreline» с потрясающим мужским вокалом, это, пожалуй, самый «попсовый» трек на альбоме, но эти барабаны, этот бас, в этом музыкальном диалоге между собой, эти элементы исчезают в темноте, и снова появляются. Название трека напоминает нам работу dBridge, c его сухой 2step ритмикой, но в нем больше текстуры, чем просто у трека для танцпола. McBride признает, что для него это основное вдохновение, и это то, что влияет на него в большей степени, но конкретизировать этот стиль он не собирается.

«Ничего из того, что я записал под именем Synkro не было создано для танцпола» – говорит Joe – «Я играю иногда в сетах эти треки, но они вообще не для сведения, честно. В свободное время я не слушаю drum’n’bass, для меня это нечто большее, что ассоциируется у меня с моей юностью. Ведь я начал слушать эту музыку первой тогда. Это как основа, как скелет, на котором все держится. Мне нравятся ломаные ритмы и прочее, люблю звучание помягче. Но я никогда не считал себя drum’n’bass музыкантом. Это же странно!»

BOILER-ROOM-10

У Synkro несомненно талант, он искусно добавляет в треки фрагменты полевых записей и случайные звуки, и это придает его музыке еще бОльшую способность качественно погружать слушателя. Это дает ему преимущество перед конкурентами. Все эти шорохи, шуршания, скрипы и прочие интересные звуки встречаются то тут, то там, на протяжении всего альбома. «Я много использую мой iPhone. Владею несколькими способами создания стереоэффекта, используя запись, сделанную на телефон, когда я иду на прогулку. Если я на вокзале или в парке, я достаю телефон. У меня даже нет подходящего рекордера».

И все это помогает создать нужную атмосферу. Этот контраст между сельскими окраинами Манчестера, где проживает Synkro, и кирпично-металлическими районами в самом сердце города, куда он время от времени путешествует. Баланс между красотой и неприкрытой шероховатостью, которые так явно прослеживаются в его сольных работах и в треках techno проекта Akkord.

«И я, и Liam, мы родом из городских окраин. И нам всегда приходилось ездить в город. Встречали всегда друг друга на вечеринках, проводили немало времени, будучи в центре, когда играли сеты как ди-джеи. Из-за того, что мы с окраин, путешествие в город для нас более значимое событие, чем жизнь в самом городе. Сам факт перемещения влиял на нас гораздо сильнее, чем что либо еще. Все эти вещи, промышленность и аграрии, сельскохозяйственный север Англии. Я думаю, для нашего звучания это стало очень важным вдохновением».

Альбом «Changes» для Synkro – это результат колоссальной работы, но он уже готовится представить свои новейшие работы под другими именами. Будут ремиксы, будет материал от Akkord и будет также работа от Kiyoko вместе с Bering Strait.

«У проекта Akkord уже есть запланированные треки к выходу в этом году. Лейбл Houndstooth издаст два трека, которые никто еще не слышал. Держим их в «столе». Но надеемся, они увидят, наконец, свет».

Synkro одухотворен, когда говорит о лейбле Electro Magnetic Fields (EMF), которым он управляет вместе с Blackburn. «Связь лейбла с проектом Akkord в данном случае сильнейшая. По большому счету, вся суть в дабплейтах, которые мы играем в наших сетах, от разных людей, неподписанных на лейбле, и чьих имен никто не знает. Мы издадим эти работы в цифровом формате, чтобы слушатель узнал больше об этом, услышав их. И после этого этих музыкантов ждет большое будущее. Caski, Troy Gunner, Edmondson… все они когда-то выпускались на EMF». Я знаю, что у Сaski дела идут просто отлично, думаю, что на лейбле, которым управляет Blackdown, у него выйдет скоро что-то из работ. Edmondson открыл не так давно собственный лейбл. Это всё для того, чтобы поддерживать начинающих артистов, чьи работы мы играем в наших сетах”.

Как мы все видим, перемены идут Synkro только на пользу.

MG_2068-2

Альбом «Changes» вышел на Apollo Records 19-го сентября 2015 года.

Перевод: Rustee (c) 2015
http://www.xlr8r.com/features/2015/09/interview-synkro/

a1276499221_10

Если вы продолжаете следить за подвигами ключевых фигур на drum’n’bass сцене, то без труда могли для себя отметить, что в последнее время эти ребята работают «на износ». Да, и конечно в данный момент, для пущего эффекта я сильно преувеличиваю, но со стороны слушателя извне, кажется, что все эти музыканты вокруг лейбла Exit максимально эффективно используют возможности для экспериментов, и тут же пробуют новое под свежеиспеченными творческими псевдонимами. Прощупывают творческие границы того, что они смогут достичь, прибегнув к совместным работам. И по мере того, идет движение от  Heart Drive к The Binary Collective и Module Eight, вы наблюдаете, как уважаемые деятели музыкальной сцены, пробуют воду в бассейне друг у друга, сначала погружая палец за пальцем, осторожно определяя для себя температуру ступней, а потом, уже резко опуская полностью ногу, чтобы брызги полетели в разные стороны.
К нашему счастью, и в творческом процессе нет никакой секретности. Не было и попыток исковеркать правду кто есть кто, и поэтому, узнав, что в проекте никто иные как dBridge, Skeptical, Loxy, Resound and Kid Drama, мы сразу поняли, что этим парням достаточно обменять парой-тройкой электронных сообщений и проект будет наполовину готов. И, наверное, благодаря нашей тесной дружбе, мы поняли, что находимся в очень выгодном положении. Мы тепло восприняли новость о том, что 5 продюсеров работают над новым материалом для проекта Module Eight, и это даже здорово, что для некоторых это стало небольшим сюрпризом. И вот мы подготовили этот материал и публикуем основную идею проекта как раз в преддверии мероприятия, посвященного презентации альбома. Все складывается, как нельзя кстати.

module-eight-feature-4 В информации лейбла о проекте сказано: “альбом, призван раскрыть музыкальные вкусы участников в drum‘n’bass  и показать, все грани восприятия этой музыки”. Услышав о коллективной работе и ее результатах, мы скорее бы подумали о том, что эта интеграция направлена не на удовлетворение собственных амбиций и без того именитых музыкантов, а на творческий процесс создания треков как таковых, в попытке улучшить и развить идеи своих коллег по проекту. Каждый по отдельности из них уже является талантом в своей выбранной творческой нише, мы ни в коей мере не хотим убеждать вас в том, что музыка проекта гибкая и живая, скорее наоборот. Все 13 треков узнаваемы, характерны. И все это благодаря, сознанию исключительно талантливых музыкантов, объединившихся в творческий коллектив.

Skeptical: Какое-то время мы работали над треками по отдельности, и вот пришло время собраться вместе и завершить работу, уже находясь  в коллективе. У нас не было цели называть эти треки своими именами, но немного погодя, когда стало ясно, что материала набирается на полноценный альбом,  мы подумали, а почему бы не придумать этому проекту одно общее название.

dBridge:  Я большой поклонник совместной творческой работы (из моей карьеры это, думаю, более чем очевидно). Со временем наша идея создать какие-то треки для ди-джейских целей трансформировалась  в наш общий проект. Все шло своим естественным чередом.

Resound:  Этот альбом стал одним большим коллажем из наших замыслов. Все, что было создано нами  – это результат работы online.Мы никогда не встречались все в одной студии. Каждый из нас добавлял что-то свое понемногу, и вскоре началось появляться что-то уже более целое и законченное. Наблюдать за процессом было очень интересно.

module-eight-feature-3

Kid Drama:  Я не помню, как в итоге у нас все стало коллективным проектом, но я помню, что делали что-то совместно с Skeptical, а потом сохраняли наработки  в общую папку. Думаю, что изначально эти треки создавались для heart drive подкаста, а только потом уже эти треки были объединены в альбом.

Loxy:  Это была идея Skeptical … Мы писали треки с Resound, и параллельно записывали что-то с dBridge и (Kid)Drama. Все получилось естественно.

dBridge:  В начале была общая папка, к которой у каждого был доступ. У нас у всех были отдельные совместные работы, Loxy работал со мной , Skeptical записывал вместе с Drama и т.д. В какой-то момент мы поняли, что обмениваться идеями – это правильный вариант, чтобы видеть, что каждый может добавить свое в трек.

Resound:  В большей степени, это музыка, которая появилась сама собой, мы не думали слишком много, как и что должно получиться. Планировать что-то в процессе, когда в работу вовлечены пять человек практически невозможно. В общем, здесь вы не найдете какой-то глубокой философии. Для нас это своего рода манифест для музыки, на которую не влияют сроки или что-то еще, на нас никто не давил…

module-eight-feature-6

Skeptical: Лично для меня, все, что мы создали – это музыка, которую мы сами хотели сыграть. За эти 2 года мы тестировали треки, и это было очень весело, ведь мало, кто знал, что это мы написали. В этих треках слышны влияния, и определить, кто именно записал тот или иной трек довольно сложно…
Kid Drama: Мы просто импровизировали. Для меня в альбоме есть всё, и Autonomic звучание, и dub, и влияние drum’n’bass 90-х.Суть всего процесса – каждый добавялет свои элементы, и потом мы выстраиваем слой за слоем. Мы работали над несколькими треками одновременно.
dBridge:У нас у всех есть свой стиль и характер в музыке. Я вижу, что это можно услышать на альбоме. Не думаю, что мы планировали доказать этой работой нечто большее, чем другие артисты, создающие музыку совместно. Сейчас стало гораздо легче просто это делать.

Skeptical: Кто-то из нас обычно выкладывал набросок в общую папку, затем другой кто-то мог наполнять трек своими элементами, и трек уже перемещался в отдельную папку для него. Потом же просто оставалось доработать трек и провести финальное сведение. Процесс шел легко, но порой приходилось тормозить процесс, потому что некоторые участники были заняты чем-то другим. Скоординированная работа в студии могла стать клёвым времяпрепровождением, но собрать всех в одной комнате в одно время – это нереально!

module-eight-feature-5

dBridge:Это очень круто, что нам всем не пришлось физически присутствовать в студии, чтобы завершить работу над этим альбомом. Мы работали с разным набором оборудования и использовали собственные способы для создания общего проекта. Ясное дело, что мы не первые, кто так работал, но это происходит все чаще и чаще. Творческие люди из разных уголков мира могут общаться, делиться идеями и создавать что-то интересное. Когда вы вместе – это тоже неплохо, но теперь возможность работать именно так появилась у гораздо большего количества музыкантов.

module-eight-feature-2
http://www.fabriclondon.com/blog/view/an-oral-guide-to-module-eight

Перевод: Rustee (c) 2015

artworks-000126741165-gtymxf-t500x500

Сегодня в рубрике клуба Fabric мы представляем drum’n’bass ветерана из Бристоля  – dj Die, творческий путь которого уже измеряется десятилетиями. Выступление этого выдающегося человека для нас состоится уже не в первый раз.  21.08 в пятницу на нашем мероприятии dj Die из формации Full Cycle вновь почтит своим присутствием публику в местечке Farrington. Мы долго к этому шли, для того чтобы Die все таки записал гостевой микс нам потребовалось немало времени. «Это микс из jungle музыки » – объясняет Die, прислав микс нам сегодня с утра – «в нем я возвращаюсь к тому самому звучанию, с которого все началось для меня когда-то. Давайте называть это jungle или jungle techno».  Разумеется, если ты 20 лет в игре, задача выбрать самое дорогое сердцу за все это время, в виде часового микса, может показаться самой легкой. Но особенно, учитывая тот факт, что за все время этого долгого музыкального путешествия сама музыка претерпела множество изменений и возращений к прошлому. Все это мы объясняем, dj Die прямо сейчас уже не тот, кем он был раньше…

«Думаю, нужно пояснить, что этот микс – это нечто иное, как микс из личных моих воспоминаний, и он не отражает в полной мере меня как ди-джея, также как и не отражает он то, чем я сейчас занимаюсь» – вот таким образом владелец эклектичного лейбла Gutterfunk объясняет нам суть микса и добавляет: «однако, все, что вы услышите –  это  всего лишь часть большого путешествия, которое привело меня сейчас сюда».

Журналист интернет издания Cone Magazine Edward Maddocks  недавно вернулся из Японии, где провел несколько дней, путешествуя вместе с  Yu ‘Ena’ Asaeda, одним из самых необычных и передовых музыкантов и ди-джеев на поприще Bass музыки на данный момент в Японии.

Мой 15-часовой перелет по маршруту Лондон-Токио наконец-то завершился, и мы приземлились в аэропорту японской столицы вместе с бристольскими музыкантами из проекта Ruffhouse. Домчавшись на скоростном Skyliner экспрессе из Narita (название аэропорта, прим.перевод), мы доехали до отеля, где нас уже ждал Ena. В тот вечер соратники по Samurai цеху Ena и Ruffhouse играли на легендарной токийской вечеринке «Back To Chill», организованной первопроходцем dubstep музыки в Японии Goth Trad практически 10 лет назад и до сих пор пользующейся популярностью.

Мы ехали с Ena по мегаполису, сверкающему неоновыми огнями в Shibuya. Он вез нас на выступление.  Мы очень хотели, чтобы он показал нам свою музыку. В саундсистеме он ставил нам набросок незаконченного проекта. Он длился около часа, звучал ambient с разного рода экспериментальным звучанием, нетривиальными сэмплами и хаотично разбросанными ударными.

.Уникальное звучание, непохожее ни на что, что приходилось мне слышать до этого от японских музыкантов. Для меня оно не что иное, как прямое доказательство артистизма и таланта Ena. Прекрасная иллюстрация того, как изменилось звучание за последние несколько лет. Первые работы, взять, например, cсовместный трек с Cardz «Deadstock», который звучит потрясающе, но по большому счету является хрестоматийным drum’n’bass треком. Но с каждым последующим релизом, будь то альбомы «Bilatereal» или «Binaural», звучание стало еще глубже и теперь оно более экспериментальное. От 170 ударов в минуту до 140 или еще ниже.

Нерушимый, абстрактный минимализм звуковых ландшафтов Ena представлен во всей красе на крайнем альбоме «Divided», увидевшем свет в формате аудиокассеты на саблейбле берлинского Samurai Records – Samurai Horo.  Необычный релиз в выборе формата обязан характеру записи – непрерывное прослушивание, которое лучше всего подходит для аудиокассеты.

Ena говорит нам: «Эволюция звука всегда является естественным процессом, в котором я добиваюсь нужного мне звучания, тщательно работая над ним. При этом придерживаюсь принципа «оставь всё как есть», и в тоже время тщательно избегаю разного рода музыкальных клише». Эта мысль японского музыканта напомнила мне о кайдзен философии или о принципе «постоянного совершенствования», которого он придерживается в творческом процессе. Ena рассказывает, что для него приоритетным является создание абсолютно нового и непохожего ни на что звучания. Равно как и постоянное движение вперед, навстречу деконструированному резонансу, исследованию многослойности фактуры трека и скрытой ритмики.

Он объясняет свое желание усилить степень «странности» своей музыки умышленным использованием неожиданных шумов неясного происхождения, чтобы удивить слушателя или же ввести его в замешательство.

Музыкант тщательным образом работает над звучанием, в зависимости от желаемого конечного результата. Как правило, начиная с нуля. Первым  делом идет работа над ритмом и грувом, потом, поверх этого, ложатся собственные самплы, созданные из ниоткуда. «Идея создания музыки приходит вовремя ди-джейского сета. На первом плане всегда то, что я хотел бы сыграть как ди-джей, а только потом я сажусь за написание трека». Ena не раскрывает своих секретов, он только лишь объясняет нам, что использует целое множество необычных процессов, чтобы сгенерировать или же декомпозировать звук. Чаще всего это достигается путем работы с «найденными звуками» или же модулярными изменениями.

На наш вопрос о жанровой принадлежности своей музыки, коренной житель Токио сказал, что все, что существует сейчас не подходит в качестве определения к его работам. Добавляет, что на протяжении всего времени японская электронная сцена была весьма разнообразной и это серьезно влияло на слияние стилей. Так, например, за одну ночь в японском клубе на вечеринке вы можете с легкостью услышать и dubstep, и drum’n’bass, и hip-hop, и techno.

Ena признается, что abstract hip-hop продюсеры повлияли на него в музыкальном плане сильнее всего, среди них отдельно Ena выделяет dj Krush. Кроме него, в нашей беседе звучат имена dj Vadim, El-P из Company Flow и Mr.Len. Аналогично всем эти продюсерам, Ena применяет в своей работе необычные приемы, техники и оригинальные элементы, которые делают его музыку особенной и благодаря которым Ena заслуженно является  флагманом абстрактной электроники.

Но в равной степени Ena отдает должное и своим музыкальным drum’n’bass корням, которые уводят во времена юности, во времена вечеринок в Токио наподобие «Drum’n’Bass Sessions» в клубе Unit. Из множества имен, Ena особняком ставит Photek и Source Direct.

19215304710_e96369d921_b 19215314188_d973aa4c36_b 19215314278_03e4f0e808_b1

Помимо статуса непревзойденного музыканта, Ena известен также своим разносторонним и очень грамотным подходом как ди-джей. В его «живых» выступлениях музыкальная составляющая может варьироваться от танцевальной до погружающе-медитативной. В своем сете на «Back To Chill» он представил back2back сет (совместно с 100mado) из drum’n’bass шедевров за последние 20 лет. В клубе Unit, вместе с Goth Trad в поддержку выступления the Orb, Ena играл медленные ритмы с плотным басом в эклектичном ключе, масимально подходящем для широкой аудитории. А уже в Grind records Café в Осаке Ena, будучи в более «интимной» обстановке, представлял уже экспериментальную сторону своей музыки. Он выстраивал сложные текстуры с задумчивыми мелодиями и обрамлял их уникальными самплами.

Но отголоски выступлений Ena как ди-джея можно отчетливо услышать и в процессе его LIVE. Гитарные педали, Cubase и контактный микрофон. Подобное выступление забирает слушателя в звуковое путешествие сквозь глубокие реверберации, вибрирующие внутри вас низкочастотные колебания и внеземные партии синтезаторов. И вот вы, уже являетесь бесстрашным исследователем абстрактной электроники на самой ее передовой.

Ena,как ди-джей, все чаще и чаще заметен на эклектичных и авангардных музыкальных фестивалях. За ним пристально следят в Берлине, он пользуется популярностью в местных techno кругах. 21 августа 2015 года он выступает на фестивале Аtonal, где наряду с музыкой будет представлена и визуальная часть перформанса. Этот фестиваль  пользуется славой с 80-х годов, как оплот самой передовой и экспериментальной музыки. Таким образом, мы еще раз убеждаемся, что Ena не зря признан музыкальной общественностью.

Ena is at the vanguard of abstract and experimental underground electronic production not just in Japan, but globally. As such there is much anticipation surrounding his next as of yet untitled EP which is expected to be released on Samurai Red Seal around autumn. Ena also hints at another secret project which will be announced in the near future. Watch this space.

Ena  – флагман абстрактной электроники не только у себя  в Японии, но и в мире. Осенью у этого музыканта на Samurai Red Seal выходит EP. Название пока неизвестно. Но многие уже ждут выхода с нетерпением. Ena также намекнул мне,  что занимается каким-то еще одним проектом, название, которого пока держится в секрете. В ближайшем будущем мы все о нем узнаем. Держитесь курса и слушайте микс Ena для фестиваля Atonal.

оригинал: http://www.conemagazine.com/exploring-abstract-ena/

перевод: Rustee https://vk.com/specialrequest (c) 2015

«Ощущение реального времени первостепенно, и именно в нем рождаются нужные хитросплетения…»

1-1-Nucleus-Paradox-Photo-by-Greyorb

Мир, созданный Nucleus & Paradox – это мир культуры брейкданса, ломанных ритмов, науки и чистейшей загадки. Прочитав это интервью, вы, вероятно, дополните этот список некоторыми явлениями, такими как, например, «живые драм брейки», «хрустящие барабаны» или «российские магазины пластинок». По сути, это и есть жизненное кредо, запечатленное на, пожалуй, самом выдающемся срезе музыкального времени последних лет. Кредо, которое устремляет нас в будущее. Музыка, от которой захватывает дух. «Blade 9» и «Break North» вышли на Metalheadz. И теперь пришла наша с вами очередь, окунуться в эти глубины.

– Создается впечатление, что вы постоянно в работе и никогда не останавливаетесь. Так ли это на самом деле?

– В какой-то степени это правда. Мы постоянно ищем источники для сэмплирования, на это уходит больше всего времени в нашей работе над треками. Не так давно мы перезапустили наш лейбл Esoteric и сейчас плотно заняты графиком релизов на 2016 год. И после всего, мы не устаем гордиться тем, что создаем домашнюю музыку для танцоров брейк-данса.

– Ваш крайний релиз на Metalheadz просто сумасшедший. Слушая его, я чувствую бесконечную энергетику этого звучания. Расскажите, когда вы начали работу над ним?

– Мы записывали эти треки в конце прошлого года, и как только работа была завершена, мы подумали, что этим могли бы заинтересоваться люди с Metalheadz. Мы отправили им демо, и Goldie с Ant тут же их подписали. Мы знали, что релиз увидит свет не раньше середины 2015 года, поскольку расписание на лейбле слишком плотное. Поэтому мы отложили треки в сторону и сконцентрировались на других наших проектах. Немало времени у нас ушло на дизайн и изготовление постеров формата A2, которые идут вместе с релизом.

– Ведь вы уже работали с лейблом до этого, так что, можно сказать, продолжение последовало?

– Это наш третий по счету 12-дюймовый сингл для MHDZ и надеемся, что не последний. Этот лейбл для нас почти что «сын» Reinforced, того самого «R», который подарил творческую жизнь нашему дуэту. Поэтому выход нашего первого сингла на MHDZ был весьма естественным шагом. Вся эпоха Reinforced была невероятной по своей сути, в ней было много чего волшебного. Работая для этого импринта, мы отточили наше звучание, и нас переполняет гордость за те многочисленные релизы, которые там выпустили. Мы узнали, что именно Goldie создал знаменитый «R» логотип после выхода нашего первого релиза в 1996 году. Так что теперь мы можем уверенно сказать, все возвращается на круги своя…

1-reinforced

– И как вам работается вместе, получаете удовольствие от процесса?

– Мы никогда не создавали совместных работ, используя Internet. Мы просто не можем так работать. Ощущение реального времени первостепенно, и именно в нем рождаются нужные хитросплетения. Работать в одной студии, значит тратиться на перелеты, поэтому, как я уже сказал, мы готовим материал заранее. Именно на базе этого материала, мы максимально точно понимаем, как будем работать, уже находясь в студии. К счастью, мы уже 20 лет пишем совместные работы и издаем их на виниле, поэтому, как нельзя лучше знаем мышление друг друга. Результат работы над треками от Nucleus & Paradox – это не просто зависание в студии, хотя мы очень хотим продолжать записывать вместе. У нас есть свои аргументы. Иногда мы можем «застопориться» ментально , и это, конечно, доставляет определенные неудобства. Но у такого долгого сотрудничества есть преимущество – мы знаем, что, все само собой встанет на нужные места со временем.11060295_1020571317955862_7489096074948783572_n

– Расскажите нам о треке «Blade 9», проведите экскурсию по нему?Откуда такое название?

– Драмбрейки для трека мы позаимствовали из хип-хоп пластинок начала 90-х. В этом и есть мы. В процессе работы над барабанами в треке мы делали loop из них и услышали своеобразный скрежет. Отсюда и название. Ты сказал, что чувствуешь энергетику, это на самом деле так на стороне А. Обычно, мы расставляем пики последовательно, но в итоге все зазвучало как следует, я говорю про эти «острые» барабаны. И подстать названию.

– Эти треки словно перенесли меня в определенную эпоху drum’n’bass истории и мне стало интересно, было ли у вас нечто подобное в целях?

– Для нас эти треки не стали каким-то возвращением в прошлое. Но при этом, драмбрейки, которые мы использовали в треках, никто до нас еще не эксплуатировал. Этим мы можем гордиться. Сейчас в drum’n’bass музыке достаточно отличных драмбрейков. Было время в истории, когда барабаны уходили на второй план, отдавая лидерство синтам. Но, на наш взгляд, маятник качнулся в обратную сторону. Взять тех же Mako, Digital & Spirit и других. Да и то, что выпускает Metalheadz тоже заслуживает уважения. Как-то раз, на каком-то форуме, мы увидели сообщение музыканта, который жаловался, что в современной музыке не хватает «хрустящих» барабанов. Но это не так. На самом деле, нужно просто их искать. Существует предостаточное количество отличных примеров работы с ударными.

– Трек «Break North» звучит потрясающе. Всеобъемлюще. Название отсылает слушателя к чему-то холодному или это намек на какой-то город?

– Название трека «Break North» навеяно альбомом Boogie Down Productions (BDP). Барабаны в этом треке свингуют таким образом, что может показаться, что это two-step ритмика, но это абсолютно не так. Сампл мы взяли из трека Ultramagnetic MC с их альбома, который нас в свое время сильно вдохновлял. «Break North» довольно минималистичная работа по форме, если сравнивать с «Blade 9». Мы задумывали свести здесь звучание к самой сути – неприкрытые барабаны и «живые драмбрейки». Нас удивило то, что лейбл подписал этот трек. Как глоток свежего воздуха. Эти ребята не боятся поддерживать би-бойскую культуру.

– Возвращаясь к вопросу путешествия во времени, если вы могли, в какую эпоху вы бы отправились?

– У нас два варианта: времена Metalheadz Blue Note 1996 год. В то время выпускалось невероятное количество интересных работ, каждую неделю мы буквально охотились за чем-нибудь новым. Для нас это было важной частью жизни. А второй вариант, если был бы выбор, то год 1973 для нас обоих. Творческий подъем у funk музыки в то время был просто невероятным. Мы родились оба в 1973 году. К сожалению, с этим мы «пролетели».

1-5-Bluenote-1996

– В вашей студии есть и старое, и новое оборудование?

– Наше «железо» на рэковых полках уже серьезно устарело по сравнению с современными аппаратами «все-в-одном». Но мы совмещаем и то, и другое, поскольку хотим получить «грязное» звучание. Нас радует и то, что мы берем записанные треки, прошедшие пре-мастеринг, и отдаем их нашему инженеру Emery, и вот как раз там и встречаются современные технологии и наше аналоговое звучание.

– Какие треки в плане ритма повлияли на вашу крайнюю работу? Может какие-то из них вдохновили вас на разных этапах творческого процесса?

– BDP «Illegal Business»… драмбрейк сампл в «Break North»
– Ultramagnetic Mcs «A Chorus Line»… драмбрейк сампл в первой работе для MHDZ «12 Bits»
– «The Wrath of Kane» … D&B в 1988!
– «Rebel Without A Pause» … в представлении не нуждается

– И в заключение, какую музыку вы слушаете регулярно, и где вы выискиваете новое для себя?

– Мы ходим по ярмаркам винила, посещаем российские магазины пластинок, распродажи и блошиные рынки, там можно найти драм брейки и самплы. Слушаем детройтское techno, soul, саундтрэки и rare groove… список этот бесконечный.

Оригинал: breakbeat.co.uk/interviews/nucleus-paradox-break-out/
Перевод: Rustee SPECIAL REQUEST True School Providers 2015

WCSjlWrtntI

follow

 

7

«Я с моими друзьями когда-то сидел на скамейке, пил с ними пиво, а потом мы вместе возвращались по домам темной тропой, где ничего не было видно …»

Rhyming In Fives остается по-прежнему парадоксальным персонажем, его личность окутана загадкой, но как только дело доходит до нового релиза, мы понимаем насколько полновесна и существенна любая его работа. И в этом уже нет ничего таинственного. Итак, у RIF выходит «Light Leaks EP» на Narratives Music и мы как можно скорее решили сорвать покровы тайны.

– Привет, «Light Leaks» просто потрясающая работа! Очень мечтательная и в ней так легко можно потеряться. Когда EP начала приобретать какую-то форму?

– Привет! Спасибо огромное. Рад, что вам понравилось. Тут по-разному вышло. Одна часть треков более старая, другая часть относительно свежая. Вот, например, «Glimmer» – один из самых первых треков. Трек «Light Leaks» я записал сразу после выхода первой моей EP. Что-то более-менее конкретное для EP стало проявляться около 6-7 месяцев назад. В то время более я завершал работу над новым материалом, и тогда стала ясна последовательность треков, которые звучали бы вместе так, как я бы этого хотел. С самого начала я хотел создать такую работу, которую можно было слушать от начала и до конца. Об этом часто и много кто говорит, но я всегда придерживаюсь этого в своей работе.

– А что за название такое ты выбрал для своей фантастической работы?

– Я занимаюсь так или иначе фотографией, использую пленку. Цифровые камеры, конечно, дают супер качество и прочее, но для меня ничего не может сравниться с фотопленкой… Это аналогично спорам, что лучше винил или цифра. Утечка света (light leaks, прим.перевод.) – это эффект на пленке после попадания света. Фото передерживается и в большинстве случаев это может полностью испортить фотографию, но хотя при этом вы можете получить очень красивый эффект на снимке. Когда фотографируешь, ты не планируешь ничего подобного, и ты не можешь этим управлять. Оно случается и тут, или фото получается, или его можно браковать. Иногда мне везет, порой нет. Но именно это мне и нравится при работе с аналоговой пленкой – то, что ты видишь при съемке вовсе не означает, что ты получишь это на готовом кадре.

– Расскажи нам про «Mnemonic», пусть это будет первым треком, который мы разберем с тобой? Если бы это было связано с фильмом, то здесь не нужен был бы трейлер. Музыка говорит сама за себя.
– Да, конечно. Этот трек, определенно, динамичный на всей EP. В начале у меня был синт на арпеджиаторе, потом появился loop из 16 квадратов в котором были только kick и snare. Чтобы получить нужный ритм я изменял продолжительность звучания нот, а потом уже добавлял все остальное. После этого я перешел уже к работе над «черновиком», но отложил в сторону и занялся другими треками. Это было где-то в марте прошлого года, но трек пролежал незавершенным до октября или ноября. Я добавил еще несколько элементов, некоторые мне пришлось убрать и вот, получилось то, что вы слышите сейчас. Я поступаю так со всеми своими треками, довожу их до этапа «набросок», откладываю на время, даю голове и ушам отдохнуть от трека.

– А расскажи нам про трек «Exposed»? Когда я слушаю его, у меня возникает ощущение, что на дворе 1975, на мне шуба и я двигаюсь по St Moritz в огромном автомобиле, чтобы подписать документы о разводе.

– Абсолютно точно! Я прямо вижу эту картину. Для меня это лучшее, что может быть, когда ты получаешь от слушателя подобный отклик. Когда слушатель слушает музыку и видит некую картину в воображении. Из всех треков, пожалуй, этот самый «темный». В месте, где я жил, будучи подростком, проходила старая железнодорожная линия, по обеим сторонам которой шли леса и поля. Это ее потом закольцевали и она стала называться Worth Way.  Я с моими друзьями когда-то сидел на скамейке, пил с ними пиво, а потом мы вместе возвращались по домам темной тропой, где ничего не было видно. В какой-то степени это и вдохновило меня на создание трека. Ты словно в темноте, не знаешь чего ожидать. И в этот момент ты оказываешься открытым и незащищенным. Я многое пропускал через UAD Lexicon 224, чтобы добиться правильного реверб эффекта (особенно на kick ударах). Благодаря этому у трека появился такой четкий «киношный» характер.

3

– Вдохновляют ли тебя фильмы вообще? Или может тебя как раз вдохновляет именно то, что кинематограф не играет никакой роли в твоем творчестве? Или твоя музыка и так самодостаточна?

– Музыка для меня дело очень личное. Думаю, больше всего меня вдохновляет жизнь и все, что мне пришлось пережить и испытать – это выражение моих эмоций в музыке. Но и фильмы, конечно. Меня всегда восхищало это сочетание, визуального и аудиального, будь то фильм, танец и так далее. В процессе написания я фиксирую сцены из фильма. Для меня они являются начальной точкой для создания настроения. В большинстве случаев я подхожу к созданию трека именно с позиции саундтрека, а не танцпола.

– А что из визуального искусства тебя вдохновляет?

– Я большой поклонник ребят из Atelier Olschinsky, они создают просто потрясающую иллюстрацию. У меня дома есть их работы, на которые я могу смотреть целыми днями! Какие-то виды также могут меня вдохновить. Я езжу из города и обратно и наблюдаю потрясающие виды полей и Лондона на удалении, по вечерам картинка просто сказочная. Также вдохновение я нахожу в заброшенных зданиях. Недавно я видел множество фотографий объекта в России, закрытого после прекращения программы космических шаттлов. Там прошли годы, все разрушается и ржавеет. На меня это произвело сильное впечатление, все такое масштабное и мощное осталось просто гнить. Ну и работы Simon Stålenhag также меня вдохновляют. Он недавно запустил удачно кампанию по сбору средств на издание двух книг. Я поддержал его, жду не дождусь выхода книг в свет. Хотя, сдается мне, что ждать я буду очень долго.

– Кто из клавишников, работающих с синтезаторами тебе ближе всего? Назови этих героев?

– Не все из них должны играть обязательно на синтезаторах. Я поклонник того, что создают Trent Reznor & Atticus Ross. Они записали за последние несколько лет саундтреки к отличным фильмам «Социальная сеть», «Девушка с татуировкой дракона», «Исчезнувшая». У них неповторимый стиль и эти ребята знают, какое настроение они задают зрителю своей музыкой и как удержать его в напряжении. Среди прочих выделю Brian Eno, Tangerine Dream, Global Communication, Boards of Canada… могу продолжать бесконечно!

– Про какой еще трек ты хотел бы нам рассказать? Может быть «Glimmer», он великолепен?

– Спасибо, этот трек один из самых ранних, созданных под именем RIF. Когда речь идет о каких-то треках, то чаще всего я могу вспомнить, что происходило в тот момент. Но, честно, как появился этот, я не помню. Знаю только, что все получилось довольно быстро. Трек был из разряда тех, за которые садишься после обеда, а потом смотришь на часы, а там уже 2 часа ночи. Ты экспортируешь трек, вот и все, работа завершена. Очень люблю писать ambient, для меня абсолютно иной творческий процесс, особенно, когда количество ударных сведено к минимуму и же они вообще не присутствуют в треке.

– А кто занимался оформлением обложки для EP?

– Paul Ross разработал дизайн. Все обложки релизов лейбла Narratives Music делал он. Phil мне отправил PDF файл с множеством идей, которые возникли у Paul после прослушивания EP.Среди них были по-настоящему гениальные предложения, а этот вариант мне понравился сразу и больше всех. Очень красиво!

– Где ты записываешь треки, большое у тебя пространство для записи и прослушивания?

– У меня есть комната, в которой я делаю финальную сводку треков перед тем, как отдать в мастеринг. Но когда работаю над созданием, то все это происходит в маленьком помещении моей рабочей комнаты. Я недавно переехал и оставил некоторые синтезаторы и оборудование в доме своих родителей. В настоящее время у меня Prophet 08 и MacBook Pro. Звучания Prophet 08 на EP вы не услышите, поскольку я обзавелся им только в начале этого года, но зато на следующем релизе этого звучания будет предостаточно. Когда мы делали мастеринг в студии и переслушивали треки, особенно «Exposed», мне думалось, что я слушаю все это впервые!

 

 

4

– Ты выступаешь live? Тебе следует устроить «Meltdown» или что-то нереальное крутое!

– Я подумываю над этим, думаю, что когда-нибудь это все-таки случится. Я продумываю формат и как все связать вместе в процессе выступления. Я не хочу с этим пока торопиться, но это случится в один день.

– Хочешь передать приветы или добавить что-нибудь?

– Огромный привет Phil & Will с лейбла Narratives, благодаря которым релиз увидит свет. Спасибо Beau за мастеринг, всегда крутой результат, да и парень он классный! Также благодарю всех, кто ждал эту EP. Я знаю, пришлось запастись терпением. Уверен, оно того стоило.

Оригинал – http://breakbeat.co.uk/interviews/rhyming-in-fives-li..
Перевод: Rustee @ Выход Силы/Special Request 2015

6

Follow

Get every new post delivered to your Inbox.